Cesera, près d'un demi-siècle après Mai-68, le grand retour de l'autorité. Propos recueillis par Sophie des Déserts . Marcel Rufo est pédopsychiatre à l'hôpital Sainte-Marguerite de Marseille. Il a écrit «Elever bébé», Hachette Pratique, 1997, «Odipe toi-même!», Anne Carrière, et «Frères et sours, une maladie d'amour», Fayard, 2002. Qu'en pensez vous? Pour ma part je

Cette lecture analytique s’adresse à mes classes de Première, mais elle intéressera bien évidemment les étudiantes et les étudiants travaillant sur les études féministes et l’écriture au féminin. Il faut que la femme s’écrive que la femme écrive de la femme et fasse venir les femmes à l’écriture, dont elles ont été éloignées aussi violemment qu’elles l’ont été de leurs corps pour les mêmes raisons, par la même loi, dans le même but mortel. Il faut que la femme se mette en texte ― comme au monde, et à l’histoire ― de son propre mouvement. » Hélène Cixous, Le rire de la méduse » L’Arc, n° 61 Simone de Beauvoir et la lutte des femmes », 1975, p. 39. INTRODUCTION C’ est dans la mouvance des mouvements féministes des années 1970 qu’Annie Leclerc 1940-2006, écrivaine et professeure de philosophie, livre au grand public cet ouvrage audacieux et provocateur, qui fit scandale lors de sa parution Parole de femme. Dans cet essai à la fois philosophique et poétique, l’auteure exalte un féminisme nouveau, qui revendique haut et fort une identité féminine » qu’il faut définir ou construire. À la différence du féminisme égalitariste par exemple qui s’en tient à des revendications d’égalité entre les hommes et les femmes, ce courant du féminisme est appelé différentialiste car il célèbre dans la femme la prise de conscience de sa féminité et de sa différence comme remède premier à l’impérialisme culturel des hommes et aux systèmes de valeur qui imprègnent la culture patriarcale »¹. Ce que propose Annie Leclerc dans ce très beau texte militant n’est autre qu’un renouvellement des savoirs, qui passe par l’affirmation du féminin, et donc d’une identité sexuelle. Comme elle l’écrit plus loin dans le livre, il faut que les femmes se constituent des territoires propres, donnant lieu à l’émergence de savoirs et de pouvoirs particuliers ». Tout l’essai d’Annie Leclerc, et particulièrement ce texte, est en effet traversé par la problématique fondamentale de l’appropriation par les femmes du savoir et la mise en évidence de l’écriture féminine valorisant à la fois la conscience de soi en tant que femme, et une nouvelle approche des rapports de pouvoir. PLAN 1. Un texte polémique et engagé A/ L’énonciation du texte le je » dominant B/ Un blâme contre les hommes 2. Le féminisme d’Annie Leclerc une double conquête de l’identité et de l’écriture A/ Le refus des universalismes B/ La nécessité d’une prise de conscience parole et identité féminine 3. La dimension lyrique et poétique du texte A/ Une revendication qui passe par le langage poétique B/ Un hymne à la vie l’articulation de l’écriture avec la revendication du corps féminin Conclusion – 1 UN TEXTE POLÉMIQUE ET ENGAGÉ A/ Un texte qui s’inscrit dans l’énonciation du discours Si la revendication par les femmes d’une parole militante, tout comme l’expression de revendications concernant l’égalité, est loin d’être un phénomène récent —on peut évoquer tout à fait arbitrairement Christine de Pisan 1364‑1430, Olympe de Gouges 1745‑1793 George Sand 1804-1876 ou Colette 1873-1954— c’est dans les années 1970 sous la pression des mouvements néo-féministes et des revendications de Mai 68, que la parole écrite s’accompagne d’une parole parlée » amenant à un basculement des valeurs les femmes revendiquent le droit à une parole différente de celle des hommes, perçue comme un instrument de transmission de l’aliénation féminine. En ce sens, le texte d’Annie Leclerc fait prévaloir un féminisme de la différence ou différentialiste selon elle, le problème tient au fait que le référentiel du féminisme est essentiellement masculin, ce qui explique que l’égalitarisme ait été largement dominant. En opposition à cette masculinisation féminine », c’est au contraire en tant que femme assumant son identité et sa différence, c’est-à-dire assumant la responsabilité de ce qu’elle affirme à travers l’emploi de la première personne qu’Annie Leclerc prend la parole. Les indices d’énonciation On appelle indices d’énonciation les marques spécifiques permettant de déterminer qui parle, à qui s’adresse le texte, dans quelles circonstances il a été produit. En premier lieu, il convient de s’interroger sur l’énonciation, c’est-à-dire sur la façon dont est produit l’énoncé. Dans le passage, nous voyons que l’énonciateur est très présent dans son énoncé Annie Leclerc prend parti pour une thèse et manifeste clairement son implication et sa position dans le discours. La position de l’énonciation dans cet extrait, de même que dans tout l’essai, est explicitement féminine c’est donc dans la perspective du discours féminin qu’il faut appréhender le texte. Cette affirmation de la conscience de soi passe en effet par l’affirmation d’une identité de genre pour Annie Leclerc, la femme doit s’affirmer comme sujet. Cette approche ne vise pas l’inclusion des femmes dans un discours et un système dominants mais l’expérimentation par les femmes d’une nouvelle parole » s’inscrivant dans un langage propre Mais pas de femme comme il est dit dans la parole de l’homme » lignes 5-6. Prendre la parole pour Annie Leclerc, c’est ainsi trouver sa place dans ce qui détermine l’énonciation en affirmant son moi, et c’est assumer ce que la parole impose l’abondance des indices personnels, à commencer par le pronom je » qui parcourt tout le texte, mais aussi le pronom nous » Nous avons fait les enfants, et eux, ils ont fait l’Homme », ligne 22, permet de mettre en évidence la nécessaire émancipation des femmes face au monde des hommes Rien n’existe qui ne soit le fait de l’homme, ni pensée, ni parole, ni mot. Rien n’existe encore qui ne soit le fait de l’homme ; pas même moi, surtout pas moi. lignes 1-2 Énoncée comme une opinion générale structurée autour de l’adverbe rien », cette phrase est posée pour vérité Rien n’existe qui ne soit le fait de l’homme ». La tonalité didactique et l’énonciation volontairement impersonnelle du début permettent de formuler sur un ton qui semble objectif c’est un fait que rien n’existe » une critique acerbe contre les hommes. Les indices de la personne comme le pronom personnel moi renforcent dans la suite de la phrase la présence de l’auteure dans son énoncé pas même moi, surtout pas moi ». Inféodée à un code sexuel, pervertie par les référents imposés du pouvoir masculin, la parole des femmes est paradoxalement le produit de cette soumission même Rien n’existe encore qui ne soit le fait de l’homme ; pas même moi ». Elle doit donc s’en libérer afin d’ inventer une parole de femme », c’est-à-dire une écriture de la différence qui passe par la perspective d’une transformation des rapports de savoir et des rapports de pouvoir permettant au discours féminin de s’autonomiser sous forme de littérature et de devenir ainsi une parole de femme. Il s’agit bien d’un positionnement dans l’argumentation, où l’auteure se situe dans l’ici et le maintenant de son énonciation discours direct présent de l’indicatif comme temps pivot, première personne du singulier en se confrontant avec les hommes Inventer une parole de femme. Mais pas de femme comme il est dit dans la parole de l’homme ; car celle-là peut bien se fâcher, elle répète. Toute femme qui veut tenir un discours qui lui soit propre ne peut se dérober à cette urgence extraordinaire inventer la femme. C’est une folie, j’en conviens. Mais c’est la seule raison qui me reste. lignes 5-8 Afin de développer son argumentation et notamment sa critique des savoirs constitués totalisants, l’auteure produit un discours pamphlétaire qui met en avant une stratégie d’opposition pour se constituer dans un rapport d’altérité à la culture dominante des hommes Je me dis » ≠ il est dit », ils ont dit » Nous avons fait » ≠ et eux », ils ont fait » Cette relation de confrontation entre un discours masculin qui se prétend comme légitime et dominant il est dit que », et un discours féminin, met en évidence le point de vue des hommes qui sous couvert d’universel et de neutralité, dissimule en fait une profonde discrimination Ils ont dit que la vérité n’avait pas de sexe. Ils ont dit que l’art, la science et la philosophie étaient vérités pour tous » le point de vue du ils » renforcé par le passé composé valeur d’accompli du passé et les tournures anaphoriques a pour fonction modalisante d’installer la parole des hommes dans une logique circulaire et répétitive coupée de la réalité du monde la parole de l’homme […] peut bien se fâcher, elle répète » lignes 5-6 notez le lexique dévalorisant. Nous aurions pu aussi étudier la tournure impersonnelle il est dit » dont l’aspect très dogmatique prend la forme d’une règle arbitraire imposée à tous. Alors qu’une parole de femme est engagée dans le réel manger », boire », regarder le jour », porter la nuit », lignes 36-37, les paroles des hommes ont l’air de se faire la guerre » ligne 16 selon une logique répétitive, uniformisante et mortifère. Ces considérations amènent également à s’intéresser aux nombreux éléments qui marquent subjectivement l’énoncé et qui par conséquent indiquent clairement au lecteur les directions argumentatives formulées. Derrière cette opposition que nous notions entre le je/moi » et le ils/eux », se met en place un schéma dualiste amenant à une nécessaire prise de conscience de soi par la recherche assumée d’une écriture-femme qui cherche à se dégager des stéréotypes ce n’est donc pas l’égalité homme/femme qui est mise en avant mais la nécessité d’inventer une parole de femme. On sait que, traditionnellement, les femmes n’avaient pas droit à la parole, l’homme étant l’autorité énonciative légitime. Cette réalité de la femme silencieuse, dépossédée de son identité, ayant pour tâche de prendre sur elle les soucis matériels afin de servir les préoccupations intellectuelles de l’homme est rappelé plusieurs fois dans le texte Ces plus fortes voix sont aussi celles qui m’ont le plus réduite au silence. Ce sont ces superbes parleurs qui mieux que tout autre m’ont forcée à me taire. lignes 12-13 Nous avons fait les enfants, et eux, ils ont fait l’Homme. ligne. 22 Les tournures impersonnelles au présent de vérité générale Rien n’existe… », Les choses de l’homme ne sont pas seulement… Elles sont… » permettent d’agir sur le lecteur la notion d’argumentation suppose en effet l’action d’un énonciateur sur un auditoire, qui vise à modifier ses convictions et à gagner son adhésion. L’argumentation cherche à agir sur le destinataire en modifiant ses convictions ou ses préjugés thèse réfutée, par un discours qui lui est adressé, et qui vise à le faire adhérer à la thèse avancée. Dans cette perspective, l’étude de l’argumentation doit prendre en compte les stratégies de persuasion du texte, c’est-à-dire la manière dont l’auteure nous induit à accepter sa thèse donner à la parole de femme » son statut de parole autonome, raisonnée, en la situant hors du champ de la rhétorique et de la dialectique masculines. Ce qui est marquant dans le passage, c’est l’énonciation rhétorique les choix stylistiques, souvent d’ordre évaluatif, permettent comme nous le verrons, de situer le discours de la femme par rapport à des valeurs affectives fortes. C’est ainsi que le discours masculin, prétendument universaliste, inclusif et objectif, est montré comme cherchant à gommer toute trace de l’énonciation féminine Ce sont ces superbes parleurs qui mieux que tout autre m’ont forcée à me taire. lignes 12-13 Par opposition, le discours subjectif dans lequel Annie Leclerc se situe explicitement C’est une folie, j’en conviens. Mais c’est la seule raison qui me reste. » ligne 8 ou se pose implicitement Les hommes ont la parole. » passe par de nombreux jugements de valeur et un fort engagement émotionnel Je n’ai pas oublié le nom des grands parleurs. Platon et Aristote et Montaigne, et Marx et Freud et Nietzsche… Je les connais pour avoir vécu parmi eux et seulement parmi eux. Ces plus fortes voix sont aussi celles qui m’ont le plus réduite au silence. lignes 10-12 La fonction dite émotive ou expressive du langage, qui met l’accent sur le locuteur, vise ainsi à une expression directe caractérisée par l’intentionnalité le jugement de l’auteure transparaît en effet dans l’énonciation par l’emploi des indices de jugement. Sans surprise, le lexique dépréciatif concerne les hommes. Ainsi, le vocabulaire affectif traduit la subjectivité par l’émotion et les sentiments manifestés Les choses de l’homme ne sont pas seulement bêtes, mensongères et oppressives. Elles sont tristes surtout, tristes à en mourir d’ennui et de désespoir. lignes 3-4 De même, le recours à l’ironie, utilisée comme procédé rhétorique, permet d’entraîner la complicité du lecteur Qui parle dans les gros livres sages des bibliothèques ? ligne 14 Une honnête femme ne saurait être un honnête homme. Une grande femme ne saurait être un grand homme, la grandeur est chez elle affaire de centimètres. lignes 19-20 Enfin, la modalité interrogative qui parcourt tout le texte met particulièrement en valeur les questions rhétoriques. Loin d’être une demande d’information, ces interrogations comme le suggère leur formulation même, n’attendent pas de réponse, ce qui accentue plus encore la véracité des faits dénoncés Qui parle ici ? ligne 9 Qui a jamais parlé ? ligne 9 Qui parle dans les gros livres ? ligne 14 Pourquoi la Vérité sortirait-elle de la bouche des hommes ? lignes 29-30 Ces questions, associées fréquemment à des procédés d’amplification et de gradation anaphores rhétoriques, montrent un très net engagement émotionnel de l’auteure et permettent d’interpeller le lecteur, de l’impliquer et de le responsabiliser. _ B/ Un blâme contre les hommes En accentuant la disposition à l’action et à l’engagement, le texte d’Annie Leclerc cherche à renforcer l’adhésion des lecteurs aux valeurs qu’elle exalte. Ainsi le discours épidictique, combiné aux procédés oratoires et rhétoriques, est-il largement dominant. Le discours épidictique Appelé également discours démonstratif, le discours épidictique fait l’éloge ou le blâme d’une personne ou d’une idée. Il se propose d’entraîner l’adhésion de l’auditoire aux valeurs qu’il exalte en combinant les moyens de l’art oratoire, notamment l’amplification, et la rigueur de l’argumentation démonstrative. Mais pour faire l’éloge d’une parole de femme, encore faut-il montrer les insuffisances de la parole des hommes. Annie Leclerc leur reproche tout d’abord de produire de l’exclusion. Le sexisme s’affiche ainsi à tous les niveaux, à commencer par la culture. En dépit de la volonté affichée d’universalité, l’assignation sociale des femmes à la sphère privée Nous avons fait les enfants, et eux, ils ont fait l’Homme » alimente la logique d’homologation des contenus enseignés à une norme masculine faisant largement consensus Qui parle ici ? Qui a jamais parlé ? Assourdissant tumulte des grandes voix ; pas une n’est de femme. Je n’ai pas oublié le nom des grands parleurs. Platon et Aristote et Montaigne, et Marx et Freud et Nietzsche… Je les connais pour avoir vécu parmi eux et seulement parmi eux. lignes 9-12 En outre, l’idée selon laquelle les hommes doivent être plus représentés entretient un rapport de domination et apparente la sous-représentation des femmes à une certaine idée de la norme féminiser les savoirs enseignés reviendrait en premier lieu à ôter tout fondement à la tradition des savoirs enseignés et aux stéréotypes culturels en les rendant discutables. Oubliées comme sujet, les femmes sont dès lors réduites à une identité assignée d’objet selon une logique discriminante qui prouve la difficulté de la société à penser l’universel en incluant les femmes. Face au relativisme culturel, les hommes représentent ainsi l’universalisme du savoir. Par ailleurs, en associant le féminin au mal m’ont forcée à me taire » ; Une honnête femme ne saurait être un honnête homme. Une grande femme ne saurait être un grand homme », le discours masculin pratique une forme de ségrégation action de séparer un groupe social des autres en le traitant plus mal. Ainsi, les femmes n’ont-elles pas accès aux lieux de pouvoir Qui parle dans les gros livres sages des bibliothèques ? Qui parle au Capitole ? Qui parle au temple ? Qui parle à la tribune et qui parle dans les lois ? lignes 14-15 Annie Leclerc s’en prend en effet très violemment à la misogynie, comme en témoigne ce chiasme Figure de style qui consiste à placer deux groupes de mots dans un ordre inversé Le monde est la parole de l’homme. L’homme est la parole du monde » ligne 18, condamnation sans appel qui fait presque de la parole masculine l’équivalent d’une parole divine omnipotente, inique puisqu’elle réduit les femmes au silence. L’utilisation du présent de généralité est évidemment importante ici selon Annie Leclerc, le monde est bien la parole des hommes, depuis les origines de la Civilisation. L’auteure veut montrer par là que les hommes se sont presque arrogés la parole divine, ce qui explique la suite des comparaisons qu’il s’agisse du Capitole, qui est une allusion à l’antiquité romaine, de la Tribune qui fait référence au monde politique, ou du Temple, condamnation sans appel des dogmes religieux, les hommes ont toujours monopolisé l’espace de parole. Ainsi, la misogynie est présente partout, et de tout temps, aussi bien dans l’univers sacré et religieux, que dans l’univers profane. – 2 LE FÉMINISME D’ANNIE LECLERC une double conquête de l’identité et de l’écriture A/ Le refus des universalismes P our Annie Leclerc, l’enjeu de la sexualité masculine a été trop souvent de dominer la femme, non par nature, mais culturellement. Ce constat, influencé par Simone de Beauvoir Le Deuxième sexe, 1949 et par l’œuvre de l’écrivaine féministe américaine Kate Millett Sexual Politics, 1970 ; La Politique du mâle, 1971 implique l’idée de l’identité sexuelle, non comme fondement biologique, mais comme construction socioculturelle ainsi l’homme, en tant que sujet », a de tout temps maintenu la femme dans une position de subordination selon la raison du plus fort », faisant d’elle un objet » incapable d’assumer sa liberté Nous avons fait les enfants, et eux, ils ont fait l’Homme. Ils ont fait naître l’universel du particulier. Et l’universel a porté le visage du particulier. L’universalité fut désormais leur tour favori. Le décret parut légitime et la loi parut bonne une parole pour tous. […] Le tout toujours garanti, estampillé Universel. » lignes 22-24 ; 28 Contre cet universalisme, la position d’Annie Leclerc est que les femmes doivent revendiquer le droit de parler et celui d’écrire d’une manière spécifique, qui échappe à l’universel de fait, l’universalisme n’est en fait qu’un particularisme généralisé Et l’universel a porté le visage du particulier. ». La femme doit donc trouver sa voie, mais aussi sa voix » en créant un espace de parole ouvrant de nouveaux espaces de signification et de sens. Cela ne va pas […] de pair avec un afflux de paroles » ces superbes parleurs » ; Assourdissant tumulte des grandes voix » , mais peut au contraire s’accommoder d’une forme de retenue »² valorisant la franchise et la sincérité La vérité » n’existe que parce qu’elle opprime et réduit au silence ceux qui n’ont pas la parole. Non, non je ne demande pas l’accès à la vérité sachant ô combien c’est un puissant mensonge inventé par l’homme. Je ne me donne que la parole, plus sincère, plus honnête. passage non cité dans le texte étudié Un aspect essentiel du féminisme différentialiste est précisément la dénonciation de l’universalisme masculin, à la base de stéréotypes sexistes sans fondement rationnel Ils ont dit que la vérité n’avait pas de sexe. Ils ont dit que l’art, la science et la philosophie étaient vérités pour tous. […] Pourquoi la Vérité sortirait-elle de la bouche des hommes ? » lignes 28-30 Cette stéréotypisation des contenus enseignés est donc pour Annie Leclerc une régression de la société elle conduit à l’imperméabilité, à l’uniformité, à la stagnation du savoir. Bien plus, cette exclusion des femmes du champ de la visibilité culturelle légitime l’enseignement et la transmission de savoirs figés Platon et Aristote et Montaigne, et Marx et Freud et Nietzsche » et sert implicitement de justification à tous les discours misogynes. La sous-représentation des femmes dans les contenus enseignés est d’abord le problème d’une société qui refuse, au nom de l’universalisme égalitaire, le respect des différences paradoxalement, la violence de genre est favorisée par l’institution qui, en véhiculant une certaine idée de la norme, contribue à figer des modèles de comportement résultant de processus de socialisation discriminatoires. Plus largement, l’idéal civilisationnel issu des Lumières Universalisme, intégration des cultures, assimilation, entraîne le refus du métissage culturel, au nom d’une norme assimilationniste et universaliste Le monde entier, Blancs, Noirs, Jeunes, femmes et enfants, fut nourri, gavé, de son produit de base, la vérité et ses sous-produits, âme, raison, valeurs… Le tout toujours garanti, estampillé Universel. lignes 26-28 Dans ce passage, le refus des particularismes ethniques Le monde entier, Blancs, Noirs, Jeunes, femmes et enfants » relève de la même logique que le refus d’admettre une parole de femme », à savoir l’inclusion du singulier non dans la pluralité, mais dans son unicité discriminante, garante de la raison universelle » Le tout toujours garanti, estampillé Universel ». Toute la question pour Annie Leclerc est de se demander si les hommes prennent vraiment en compte la communication véritable, la parole réelle ? En ce sens, comme nous le verrons dans notre troisième partie, guider vers la vérité ne relève-t-il pas davantage d’un cheminement intérieur, d’un travail de réflexion et de questionnement, que de l’imposition d’une parole aussi unique qu’imperturbable ? De fait, aveuglés par leur idéal d’universalité, par l’idéologie de la performance, du tout communiquant », d’une parole sans limites et omnipotente [qui a le caractère de la toute-puissance], les hommes ont oublié le sens de l’échange véritable. Ainsi utilisent-t-ils bien souvent le discours à vide. Or, parler juste pour parler dans les gros livres sages des bibliothèques », au Capitole », au temple », à la tribune », ou dans les lois » lignes 14-15, n’est-ce pas passer à côté de l’essentiel nous amener à un véritable enseignement, nous faire réfléchir à la vie en général ou nous apprendre quelque chose sur nous-même ? De ce constat découlent trois conséquences directes Premièrement, réaliser que les discours dominants jusqu’à présent, notamment en matière de culture, relèvent d’une perception masculine qui s’est prétendue universelle et qui conduit au dogmatisme il s’agit donc de sortir de l’illusion de l’universalisme du discours masculin. Par ailleurs, si les différences entre hommes et femmes relèvent, comme nous l’avons vu, d’une construction socioculturelle, il est dès lors nécessaire de réinventer la femme », c’est-à-dire de revendiquer une écriture femme » permettant de sortir des dualismes étroits influencés par une conception normative de l’écriture comprenons que pour Annie Leclerc, l’universel ne se décrète pas, il se construit dans la relation, entraînant ainsi une modification radicale des conceptions symboliques liées au rapport entre masculin et féminin³ ; Enfin changer les représentations à l’égard des femmes en légitimant la perspective différentialiste, seule apte à mettre en question les représentations symboliques et culturelles. En pointant la relativité des discours masculins qui se percevaient pourtant comme universels, Annie Leclerc se préoccupe donc de revaloriser tout ce qui s’attache traditionnellement au féminin, et qui lui semble précieux non seulement pour les femmes mais pour la société tout entière, que de s’emparer des prérogatives des hommes » source Car Les paroles des hommes ont l’air de se faire la guerre », ligne 16. Comme nous le voyons, à la différence de Simone de Beauvoir cf. Le Deuxième Sexe, avec sa tendance égalitariste » et universaliste » visant à l’abolition de la différences des sexes, le courant différentialiste » dont l’extrait est très représentatif, vise à défendre la féminité » de la femme. Annie Leclerc reprochait en effet à Simone de Beauvoir son adhésion excessive aux valeurs masculines ». Dans le texte au contraire, l’auteure s’adresse aux femmes et les incite à revendiquer leur féminité. Elle laisse entendre en effet que le féminisme est une idée d’origine masculine qui renie la féminité elle-même. Elle souligne ainsi que la dévalorisation des tâches maternelles ou ménagères dont le féminisme de l’époque se fait écho n’est en fait qu’un concept purement masculin source CNED Académie en ligne. Comme elle l’affirme, Ce n’est pas soigner sa maison, ou prendre soin de ses enfants qui est dégradant, non absolument pas mais c’est le regard que l’homme et la moitié de l’humanité regarde de haut, pire ne regarde même pas ». Voilà ce qui explique dans le texte la présence de termes appartenant au champ lexical de l’univers domestique et intimiste Je voudrais que la femme apprenne à naître, à manger, et à boire, à regarder le jour et à porter la nuit… » Lignes 36-37 C’est pourquoi, si Annie Leclerc revendique certes la liberté d’avoir accès, autant qu’un homme, à ce qui compte socialement, elle se méfie du pouvoir », car il réprimerait la féminité même de la femme en gommant les différences et en uniformisant les individus. Plus que d’affronter ouvertement l’ordre social, le féminisme de la différence » est une revendication de l’altérité de la femme et une reconnaissance de sa singularité par la parole. L’écriture féminine, en valorisant une identité sexuée, est donc une étape essentielle de l’identité féminine parce qu’elle permet de mettre en question l’universalisme, en tant qu’instrument de domination sociale. En accédant à l’écriture, les femmes obligent ainsi le pseudo-universel à avouer sa partialité fonder la domination masculine sous les traits hégémoniques de l’universel masculin. _ B/ La nécessité d’une prise de conscience parole et identité féminine C ette double conquête de l’identité et de l’écriture est l’occasion pour la femme de s’établir comme sujet, de s’écrire autre que ne l’ont écrite les hommes, non plus de l’extérieur mais de l’intérieur. Le corps féminin est, plus que le corps masculin, morcelé dans la littérature masculine. Le corps senti, et non pas vu, reconquiert ainsi dans le texte son unité » source cela signifie se dégager des stéréotypes romanesques qui voient dans la femme un bel objet » de littérature. Pour Annie Leclerc, l’écriture est donc le lieu d’une reconquête par la femme de son propre corps regarder le jour… porter la nuit », signifie que la femme peut partir à la découverte d’elle-même, à la reconquête de son corps et de son désir d’affirmer ce qu’elle pense vraiment. La conquête d’une parole de femme, c’est-à-dire d’une écriture féminine dans sa particularité et sa spécificité mêmes, participe à cette quête d’identité, quête humaniste d’un nouveau vivre ensemble. Il faut donc une prise de conscience » par la femme de son apport à la création littéraire ; l’écriture devient un moyen légitime de se distinguer des hommes et de réinventer une culture permettant aux femmes de changer le monde La Vérité peut sortir de n’importe où. Pourvu que certains parlent et d’autres se taisent. La Vérité n’existe que parce qu’elle opprime et réduit au silence ceux qui n’ont pas la parole. » lignes 31-32 Annie Leclerc, dans Je parlerai de moi 2004, qui est le dernier texte qu’elle écrira avant sa mort, affirme J’ai écrit ainsi Parole de femme. On ne savait pas où le ranger est-ce un essai ? Est-ce de la philosophie ? Est-ce de la poésie ? C’est tout cela, et ça m’est bien égal qu’on ne sache pas le ranger. […] À ma manière, je m’occupe de tout ce qui a été passé sous silence, et les plus grands font cela je suis un peu prétentieuse !… La première injonction faite aux femmes est tais-toi. Occupe-toi des enfants, de les amener à l’âge adulte, surtout de faire des petits garçons, de fabriquer des soldats. Occupe-toi de les mettre au monde, de les nourrir, de les éduquer dans le bon sens, et tais-toi. C’est pourquoi j’avais appelé mon livre Parole de femme, car la première subversion des femmes, peut-être la plus importante, est la parole. […] Alors, suffit ! Il faut qu’elles disent ce qu’elles en pensent, et ne se contentent pas […] de se plaindre, de dire qu’elles n’ont pas la bonne part. Prendre la parole, c’est s’occuper de dire ce qu’on en pense ». Dire ce qu’on en pense » selon les termes d’Annie Leclerc, c’est donc défendre le féminin » en écriture […] par l’imposition sur la scène littéraire du droit des femmes à symboliser ce qui leur a toujours été interdit par les hommes »⁴ la parole. Comme le note très remarquablement Béatrice Slama, Pour une femme, écrire a toujours été subversif elle sort ainsi de la condition qui lui est faite et entre comme par effraction dans un domaine qui lui est interdit. La Littérature est aventure de l’esprit, de l’universel, de l’Homme de l’homme. C’est affaire de talent et de génie, donc ce n’est pas une affaire de femme. […] On leur a longtemps fixé des limites, concédé des territoires la lettre-conversation et le roman féminin, la plainte de la mal mariée et la chronique du quotidien, les délicatesses du cœur et les déchirures de la passion. On a voulu y voir des ouvrages de dames ». Quand des femmes sont sorties de ces limites et de ces territoires, quand il a fallu leur reconnaître talent et génie, on a cherché la paternité » de leurs œuvres l’amant, l’ami, le conseiller ou admiré, leur mâle pensée » antennes qui vibrent aux idées d’autrui » ou femmes hommes » femmes par le cœur, hommes par le cerveau »⁵. Écrire s’apparente donc à une conquête de l’identité. Il y a une claire revendication politique et sociale, et surtout une revendication identitaire l’écriture féminine comme stratégie de libération. En devenant sujet, la femme passe à l’Histoire et participe à la mémoire collective. Ainsi l’écriture incarne-t-elle pour Annie Leclerc la revendication des valeurs féminines. En se départissant de plus en plus de l’arrogance machiste traditionnelle pour repenser le sens du lien social, cette parole de femme », fortement ancrée dans l’affectivité et l’attention à autrui, déplace les frontières établies entre les sphères privée et publique. En fait, il faut comprendre que le texte d’Annie Leclerc pose ici, bien avant la lettre, les fondements d’une éthique féministe —le care— comme l’attention, le souci, la responsabilité, les sentiments et les émotions. Mais ne nous y trompons pas il ne faudrait pas interpréter le texte comme un retour de valeurs féminines de maternage dans la société ! Il ne s’agit en rien d’une dévalorisation, bien au contraire la volonté d’utiliser la féminité assigne à la perception du particulier et aux sentiments moraux une importance décisive dans l’agir moral »⁶. Le care » comme éthique féministe Care en Anglais signifie prendre soin, éprouver de l’attention envers autrui. Ce terme est à l’origine d’un courant de pensée qu’on désigne souvent sous le nom d’éthique du care, c’est-à-dire la volonté d’inclure dans les discours rationnels » masculins, un discours plus spécifiquement féminin valorisant la sensibilité, l’attention portée aux individus et au particulier. Une idée essentielle du Care touche à la mise en question de l’universalisme et à la revendication d’une spécificité féminine. Plus près de nous, la psychologue Carol Gilligan a publié un best-seller intitulé In a Different Voice Flammarion, 1986 dans lequel elle revendique que les femmes ont une vision différente des choses, apte à repenser le politique. À n’en pas douter, la pensée d’Annie Leclerc a grandement contribué à ces nouveaux questionnements. Au modèle égocentrique du machisme tourné vers la performance Les paroles des hommes ont l’air de se faire la guerre », domine un autre modèle apte à repenser la sociabilité celui du moi en relation avec les autres, écriture de rencontre et de partage, écriture sublimée qui confère aux mots un pouvoir et une puissance extrêmes. Pour dénoncer la violence des hommes, Annie Leclerc conjugue en effet l’intensité d’un langage souvent transgressif et la pudeur d’une prose intimiste, proprement féminine, où sont remis en cause l’organisation rationnelle et le clivage entre le réel et le surnaturel, la raison et l’imaginaire »⁷ ; écriture permettant ainsi un passage fréquent du discours polémique au dévoilement poétique. – 3 LA DIMENSION POÉTIQUE DU TEXTE A/ Une revendication qui passe par le langage poétique Le passage présenté met fortement l’accent sur la fonction poétique du langage. La tonalité lyrique, aisément reconnaissable à la présence personnelle de l’auteure et à l’émotion qu’elle veut communiquer à ses lecteurs, sert la visée argumentative du texte. Le registre lyrique est associé comme nous l’avons vu à une forte tonalité oratoire, apte à toucher et à sensibiliser ampleur de la phrase, choix évocateur des images. Ce qu’on peut noter de prime abord, c’est combien l’accent est mis sur le caractère spontané », direct », prosaïque, ordinaire de cette parole de femme » point de mots grandiloquents issus des livres sages des bibliothèques ». On a davantage l’impression que l’auteure écrit, simplement et pudiquement, à la première personne, pour se faire entendre d’un destinataire absent. L’écrit ressemblerait presque à une confession, proche parfois du journal intime, du monologue intérieur Rien n’existe encore qui ne soit le fait de l’homme ; pas même moi, surtout pas moi. » lignes 1-2 ; C’est une folie, j’en conviens. Mais c’est la seule raison qui me reste » ligne 8. De fait, le texte peut se lire comme un long poème en prose. De nombreux passages par exemple sont traversés par un projet d’autobiographie ou du moins de biographie écrite qui confère aux phrases une tonalité très intimiste, presque confidentielle. Ainsi que nous l’avons noté, l’emploi du pronom personnel Je confère une autorité et une authenticité aux paroles prononcées C’est une folie, j’en conviens »… Je voudrais que la femme apprenne… ». À ce titre, on peut rappeler la forte modalisation du discours que nous évoquions dans notre première partie Annie Leclerc révèle souvent dans son énoncé son point de vue, c’est-à-dire ses préférences, ses opinions, ses sentiments, ses sensations. L’énoncé contient alors des traces, des indices de cette subjectivité, ce qui accentue le caractère personnel et lyrique du texte procédés lexicaux verbes d’opinion associés à l’amplification et à l’exagération m’ont réduite au silence… m’ont forcée à me taire », adjectifs d’intensité bêtes, mensongères et oppressives » notez la gradation ternaire ; procédés grammaticaux conditionnel Je voudrais », tournures interrogatives oratoires ; procédés stylistiques hyperboles le monde est la parole de l’homme », métaphores Le monde entier, Blancs, Noirs, Jeunes, femmes et enfants, fut nourri, gavé, de son produit de base, la vérité et ses sous-produits, âme, raison, valeurs… Le tout toujours garanti, estampillé Universel », antiphrases grands parleurs », ces superbes parleurs », jeux de mots Une grande femme ne saurait être un grand homme », Nous avons fait les enfants, et eux, ils ont fait l’Homme », etc. Ces marques de modalisation renforcent donc l’intensité des sentiments. La langue, très recherchée malgré l’apparente simplicité est souple, ondulante, sonore Inventer une parole de femme. Mais pas de femme comme il est dit dans la parole de l’homme ; car celle-là peut bien se fâcher, elle répète. Toute femme qui veut tenir un discours qui lui soit propre ne peut se dérober à cette urgence extraordinaire inventer la femme. C’est une folie, j’en conviens. Mais c’est la seule raison qui me reste. lignes 5-8 Qui parle ici ? Qui a jamais parlé ? Assourdissant tumulte des grandes voix ; pas une n’est de femme. Je n’ai pas oublié le nom des grands parleurs. Platon et Aristote et Montaigne, et Marx et Freud et Nietzsche… » lignes 9-11 Dans ces passages où se conjuguent autobiographie, philosophie et poésie, Annie Leclerc emploie un style particulièrement ample cf. plus particulièrement le et » emphatique souligné en gras qui permet au lecteur d’entrer dans la subjectivité de l’auteure, d’en ressentir les doutes, les passions, la colère, les désirs. Je voudrais que la femme apprenne à naître, à manger, et à boire, à regarder le jour et à porter la nuit… Notez l’organisation rythmique de la phrase, presque musicale, construite pour mettre en valeur le lyrisme des images et les connotations des mots le mélange des termes prosaïques —manger, boire— et des mots poétiques, rattache la femme au maternel et au temps —naître, jour, nuit— affamée et assoiffée de renouveau manger », boire », c’est elle qui donne le jour et qui porte » la nuit comme si elle portait le monde. Ces dernières images, empreintes d’un profond symbolisme, expriment des sentiments qui ont à la fois une dénotation propre apprenne à naître » = se débarrasser des préjugés mais surtout un signifié de connotation qui place la femme, par métaphore », au sein d’un conditionnel de rêve —je voudrais— puisqu’il s’agit d’inventer une parole étroitement associée à un renouveau humaniste. La dimension poétique du passage, en constituant une place à l’intime, n’amène pas seulement à faire entendre une parole de femme réfractaire à l’universalisation des savoirs, mais à faire vibrer dans toute sa plénitude le féminin dont il s’agit plus fondamentalement de reconnaître la fonction éthique et sociale. Cette prise de conscience d’une identité féminine revendique en effet la recherche d’un nouveau sens, qui prend les dimensions d’une urgence extraordinaire » Inventer, est-ce possible ? » Avec poésie et sensibilité, Annie Leclerc s’attache donc à exprimer les nuances multiples de l’identité féminine par un discours qui passe fréquemment par la rencontre de la femme avec sa propre intimité qui est aussi sa plus intime altérité apprendre à se regarder autrement. Si la parole des femmes peut rendre le monde plus lisible, c’est en se constituant comme l’indicible point d’intersection où se nouent en elle le moi le plus intime l’intimité d’une femme, sa propre intimité et les exigences les plus universalistes à la fois journal intime et journal extime, réquisitoire et plaidoyer, écriture profonde et spontanée, à l’écoute de la plus secrète intériorité mais aussi des bruits du monde. En fait, la dimension poétique que nous notions, en constituant une place à l’intime, ne consiste pas seulement à faire entendre une parole de femme réfractaire à l’universalisation des savoirs, mais à faire vibrer dans toute sa plénitude le féminin dont il s’agit de reconnaître la fonction éthique et sociale voir plus haut Le care »comme éthique féministe dans la quête du sens comme en témoigne cet autre passage de l’essai d’Annie Leclerc Un jour peut-être, ce sera la Fête. Nous serons ensemble et confondus. Les taquineries, les caresses et les rires feront la ronde des vieillards aux enfants, des enfants aux adultes, des filles aux garçons, et de tous à tous. Les bouches fraîches baiseront les joues fanées. Les bras rhumatisants et lourds entoureront les vigoureuses épaules. Et nous partagerons les fruits, le lait de nos labeurs. – B/ Un hymne à la vie P our Annie Leclerc, ce dont les femmes ont été intimement le plus privées, c’est de la vie elle-même la vie n’est pas constituée de réponses toutes faites, simplificatrices et dogmatiques, elle est le fruit d’un cogito herméneutique qui amène conséquemment à se chercher et à essayer de se comprendre dans l’acte d’écriture. Il n’est que de songer à cet autre extrait de Parole de femme, dans lequel l’auteure affirme Que je dise d’abord, d’où je tiens ce que je dis. Je le tiens de moi, femme, et de mon ventre de femme. Car c’est bien dans mon ventre que cela débuta, par de petits signes légers, à peine audibles lorsque je fus enceinte. Et je me suis mis à l’écoute de cette voix timide qui poussait, heureuse, émerveillée, en moi. Et j’entendis une parole extraordinaire […] » Si la parole est ainsi au centre de la théorie féministe, c’est qu’elle est l’expression du corps, à la fois comme lieu d’une parole renouvelée et comme métaphore à la venue à l’écriture au féminin […]. [L]’écriture féminine se veut création, exhortation à la création, traversée de la chape de plomb du discours dominant, de la culture aux mains des hommes, et invention de langage, exploration d’un style autre, d’une autre voiex »⁸. Ces très riches remarques de Patricia Godi-Tkatchouk montrent bien que pour les femmes, la parole est comme une naissance à soi-même, une façon d’apprendre à vivre. Paradoxalement, la survalorisation des flux de paroles comme fin en soi, qui imprègne la culture masculine dominante, a dépersonnalisé les rapports humains. Comme nous le comprenons, l’un des dangers est que l’échange ne se fasse plus par le langage, par la parole, mais par la force et l’arbitraire qui s’attribuent par le moyen des mots, un statut de fin. Dans un autre passage de Parole de femme, Annie Leclerc évoque l’harmonie de nos rimes », c’est-à-dire la pure expression du besoin de s’exprimer, de rompre le silence, de franchir des barrières de langage, levées des censures sur le corps, donc des jouissances et ses douleurs, le désir […], l’accouchement ; le rapport à la mère ; à la nourriture ; l’enfermement et le désir paniqué de sorties et d’envol, rêves de naissances et de traversées »⁹. L’extrait étudié est caractéristique de cette quête poétique et symbolique questionner le mystère infini de la vie, voilà le sens de la parole pour Annie Leclerc. Le registre émotionnel et intimiste sur lequel se clôt le passage, presque écrit sur une veine confessionnelle, peut donc se lire comme une invitation jubilatoire faite à la femme d’assumer sa propre sensibilité, mais également sa féminité » porter la nuit » comme une femme porte un enfant », n’est-ce pas servir la cause même de la vie ? N’est-ce pas s’affirmer comme sujet ? Cette dernière image qui est comme une revendication de sa féminité par la femme, emmène le lecteur dans un voyage au cœur des mots, où la parole fait vivre la liberté d’imaginer et de créer, où la voix s’exprime dans un jeu d’ombres et de lumière regarder le jour… porter la nuit… ». Images profondément lyriques et poétiques assez improbables… Annie Leclerc est d’ailleurs consciente de l’immensité de la tâche qui exige de ne pas enfermer la femme dans un concept clos. La fin du texte résonne en effet comme un appel. La véritable culture est celle de la nature et de la vie mêmes, où les mots n’ont pas l’air de se faire la guerre ». Apprendre à naître, à manger, et à boire, à regarder le jour et à porter la nuit », c’est pour la femme renaître au monde dans l’acte de la communion du monde, qui est aussi une connaissance du monde » il faut apprendre à naître », tant il est vrai que toute connaissance est une nouvelle naissance. Naître à soi-même par l’écriture, pour mieux être à soi-même, n’est-ce pas là le message du texte ? Le féminisme d’Annie Leclerc se conjugue ainsi avec un humanisme à réinventer. – CONCLUSION Les propos d’Annie Leclerc dans ce passage de Parole de femme se situent sur deux registres celui de la revendication militante et féministe ; et celui du sensible, de l’intime, du lyrisme personnel. Son inspiration, qui puise aux sources du corps et de l’expérience féminine, explore ainsi les paramètres d’une écriture-femme, pleinement assumée, qui caresse l’énigme d’un moi féminin, intégré à une nouvelle manière de penser, invalidée du référent masculin. Cette écriture s’impose ainsi comme une véritable stratégie de libération, qui s’apparente à une revendication identitaire écrire, c’est exister. S’assimiler à la culture des hommes, c’est précisément ne pas prendre la parole. L’attachement d’Annie Leclerc à une parole de femme » est donc comme la célébration d’une nouvelle naissance amenant la femme à naître à elle-même. Mais le rôle de cette parole de femme est aussi de témoigner de l’invisible, de celles qui se taisent » tandis que certains parlent ». À cet égard, le texte n’est-il pas aussi une réponse à un monde qui ne sait plus communiquer, et dont les bruits incessants ne sont que d’inutiles paroles ? Ainsi, le féminisme doit-il être conçu non comme une revendication catégorielle, mais comme un bouleversement des valeurs qui gouvernent la société inventer, est-ce possible » ? À n’en pas douter, inventer la femme consiste à réinventer l’homme en construisant un monde plus équitable, apte à promouvoir des changements significatifs et à repenser les enjeux du pouvoir. En ce sens le féminisme est posé comme une condition essentielle d’un nouvel humanisme, c’est-à-dire d’une nouvelle idée de l’homme et de la femme… Copyright © mars 2016, Bruno Rigolt. Dernière révision du texte lundi 28 mars 2016 1721 Netiquette comme pour l’ensemble des textes publiés dans l’Espace Pédagogique Contributif, cet article est protégé par copyright. Ils est mis à disposition des internautes selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution – Pas d’Utilisation Commerciale – Pas de Modification France. La diffusion publique est autorisée sous réserve de mentionner le nom de l’auteur ainsi que la référence complète de l’article cité URL de la page. NOTES 1. Anna Rita Iezzi, La Pensée en narrations différence sexuelle et poétique de la relation chez Nancy Huston, Thèse de doctorat sous la direction de Nadia Setti, Université de Paris 8—Vincennes-Saint-Denis Centre d’Études féminines et d’Études de genre, page 149. 2. Aline Mura-Brunel, Le pouvoir infini de l’infime », in Stella Harvey and Kate Ince, Duras, Femme du Siècle papers from the first international conference of the Société Marguerite Duras, held at the Institut français, London, 5-6 February 1999, page 49. 3. Cf. ces très intéressants propos d’Ida Dominijanni Grâce à l’expérience féminine, nous savons en effet que l’oppression dont les femmes souffrent dépend moins des conditions matérielles et juridiques de leur existence sociale que de leur position dans l’ordre symbolique qui nous traite comme un objet et non un sujet du désir et du langage. Une femme n’est pas libre quand elle ne peut pas se penser et se dire libre ; et elle ne peut pas se penser et se dire libre tant que sa mesure reste la mesure phallocentrique de l’autre […] ». Ida Dominijanni, Politique du symbolique et liberté des femmes » In Christiane Veauvy, Les Femmes dans l’espace public. Itinéraires français et italiens, Éditions de la Maison des sciences de l’homme, Paris/Le fil d’Ariane Université -Paris 8, Saint-Denis, 2004. Page 198. 4. Delphine Naudier, L’écriture-femme, une innovation esthétique emblématique », Sociétés contemporaines, 2001/4, n° 44, pp. 57-73. 5. Béatrice Slama, De la littérature féminine » à l’écrire-femme » différence et institution », Littérature, année 1981, volume 44, n°4 pp. 51-71. 6. Marie Garrau, Alice le Goff, Care, justice et dépendance Introduction aux théories du care, Philosophies », PUF Paris 2015. Pour accéder à la citation, cliquez ici. 7. Stéphanie Traver, Création au féminin, Montréal 1998. 8. Patricia Godi-Tkatchouk, Voiesx de l’Autre Poète femmes XIXe-XXIe siècles, Actes du colloque Littératures, Université de Clermont-Ferrand/Presses Universitaires Blaise Pascal, 2010. Page 21. 9. Françoise van Rossum-Guyon, Le Cœur critique Butor, Simon, Kristeva, Cixous, Amsterdam, Éditions Rodopi 1997, page 158. → Voir aussi Jean-Noël Jeanneney, Grégoire Kauffmann sous la direction de, Annie Leclerc, Parole de femme » in Les Rebelles, Une anthologie, Paris, Le Monde/CNRS Éditions, 2014.

Résumé Plan Notes de la rédaction Texte Bibliographie Notes Citation Auteur Résumés Agnès Varda, Coline Serreau, Nelly Kaplan, trois noms parmi des dizaines qui illustrent chacun à leur manière une nouvelle façon de faire du cinéma même si la carrière de la première est antérieure à mai 68, son nom comme celui des autres est lié à ce qu’on appellera dans les années 1970 le cinéma des femmes ». Cet article propose une interrogation sur ce cinéma au féminin, afin d’envisager à la fois le contexte particulier dans lequel il émerge, les problématiques qu’il soulève, et ce en quoi il va renouveler un cinéma français jusqu’alors ultra masculinisé. Il analyse également quelques films-clés d’après mai 1968. Cette décennie amorce un processus de féminisation du cinéma. Elle a aussi et surtout le mérite d’apporter des alternatives à la représentation dominante des sexes et des rapports de sexe à l’écran, et de donner une voix à des personnages féminins différents. Agnès Varda, Coline Serreau, Nelly Kaplan, a few names among dozens of directors who illustrated in many ways a new approach in filmmaking. Although Varda’carreer started before May 68, her name, like the others, is linked to the development of women’s films » as it was called in the 1970s. This article raises questions about women’s filmaking and adresses the specific context in which it emerged within an overly masculinised French cinema. The 70s saw the start of a slow process of feminisation of French cinema. The decade also and above all brought new alternatives to the dominant representations of gender and relationships between the sexes, by creating and giving voice to new female de page Notes de la rédactionL’auteure tient à remercier la British Academy pour son soutien lors des recherches nécessaires à la rédaction de cet article. Texte intégral 1Agnès Varda, Coline Serreau, Nelly Kaplan, trois noms parmi des dizaines qui illustrent chacun à leur manière une nouvelle façon de faire du cinéma même si la carrière de la première est antérieure à mai 68, son nom comme celui des autres est lié à ce qu’on appellera dans les années 1970 le cinéma des femmes ». Cet article propose une interrogation sur ce cinéma au féminin, afin d’envisager à la fois le contexte particulier dans lequel il émerge, les problématiques qu’il soulève, et ce en quoi il va renouveler un cinéma français jusqu’alors ultra masculinisé. 2La période de “l’entre-deux-mai”, pour reprendre l’expression de Pascal Ory, représente un moment particulier de l’histoire du septième art en France en général, et des femmes et du cinéma en particulier. On pourrait le dire aussi de l’histoire des femmes tout court puisque de la fin des années 1960 au début des années 1980, se développèrent différents mouvements de libération des femmes aboutissant à des avancées majeures dans l’histoire de la sexualité, de la contraception, de l’avortement. En ce qui concerne le cinéma, cette période a été vue aussi comme une sorte “d’intermède historique”, expression pour le moins passe-partout et légèrement dépréciative, permettant de réduire les œuvres au simple résultat d’un contexte historique la même chose s’est produite avec la littérature dite de la Résistance. Le cinéma des années 1970 se fit plus concret, plus en rapport avec la société qui le produisait, plus revendicatif aussi, échappant au “contemporain vague” et au consensus mou qui, selon Jean-Pierre Jeancolas, caractérisait les films des années Pompidou1. Qu’il s’agisse de filmer les mêmes choses de façon différente, d’autres choses de la même façon ou en innovant, les combinaisons ne manquaient pas pour [re]prendre la parole et revendiquer d’autres désirs. Âge d’or du cinéma militant, politique et/ou engagé, les années 1970 ont aussi vu le développement d’un cinéma [au] féminin, tellement minoritaire auparavant que le nombre de nouvelles cinéastes entre 1969 et 1980 est cinq fois supérieur à celui de la période allant de l’après-guerre 1946 à mai 19682. La comparaison avec le nombre élevé de réalisateurs débutant au cinéma au tournant des années 19603 se passe presque de commentaires. Rappelons quand même que ceci ne devrait pas trop surprendre si l’on considère la situation des femmes, à l’écran comme à la ville, dans les années 1950, la période de l’après-guerre étant celle d’un backlash et d’une reprise en main des femmes4. 3Comme beaucoup d’autres domaines professionnels, l’industrie cinématographique a en effet longtemps été un espace qui, quoique mixte, reprenait la division entre les tâches réservées à chaque sexe, correspondant à ce qui était vu comme “l’ordre naturel” des choses aux hommes revenaient la création et la maîtrise de la technique, tandis que les femmes étaient cantonnées aux travaux de “petites mains”, costumes, maquillage ou script. Même si les vedettes/stars féminines parvenaient parfois à obtenir une relative égalité avec leurs partenaires masculins, il n’en était pas de même pour la réalisation. Pourtant, à l’époque où le cinéma était encore vu comme une attraction foraine, une femme avait montré la voie. Alice Guy 1873-1968, la pionnière du cinéma français dont la carrière cinématographique coïncide avec les débuts du septième art, avait réussi à s’imposer dans le monde du cinéma de l’époque, assez peu ouvert aux femmes. Elle connut, elle aussi, de nombreuses difficultés avant d’atteindre le succès dans un milieu où les femmes avaient peu leur place, et elle dut gravir un par un les différents échelons menant à la réalisation, débutant comme secrétaire chez Gaumont5. 4Malgré les débuts prometteurs de la première réalisatrice française qui tourna des centaines de courts films muets, il fallut attendre le milieu des années 1970 pour que les femmes accèdent en plus grand nombre aux commandes de la caméra6. A l’instar de leurs illustres devancières, les réalisatrices ayant débuté après mai 68, ont souvent, à l’exception notable d’Agnès Varda, commencé par les métiers du cinéma considérés comme “féminins”, tels que le montage, le maquillage et les costumes, sans oublier le travail de scripte. Contrairement à leurs équivalents masculins, toutes n’avaient pas accès à l’assistanat auprès de réalisateurs reconnus, et beaucoup furent aussi d’abord actrices et/ou scénaristes avant d’être à même de réaliser leur premier long métrage. En ce qui concerne la “voie royale” pour accéder à la réalisation, le chemin était étroit et les élues peu nombreuses. Les femmes préparant le concours de l'IDHEC Institut des hautes études cinématographiques créé après la Seconde Guerre mondiale, remplacé depuis par la FEMIS ne représentaient que 4 % de l’ensemble des candidats en 1974. En outre, l’on n’incitait pas à l’époque les rares candidates à s’orienter vers les filières “techniques” direction, son et photographie, et elles étaient plutôt dirigées après le concours vers les fonctions dites “féminines” telles que celles mentionnées plus haut7. Les arguments pour justifier ce choix niveau de technicité, poids du matériel, etc. furent de moins en moins défendables, d’autant plus que les “jeunes” cinéastes de la Nouvelle Vague avaient mis en vogue un matériel plus léger et moins onéreux telle la caméra Eclair Cameflex inventée en 1948 mais rarement utilisée auparavant. 5Les “pionnières du cinéma” étaient à leur façon des rebelles, et leurs héritières le restent un siècle plus tard. Rebelles et tenaces aussi dans leur désir de faire des films, malgré tout et coûte que coûte, dans un milieu assez peu philogyne et où la recherche d’un producteur et d’un distributeur devient vite une bataille épuisante que certaines abandonnent en route, par découragement8. Même si elles représentent actuellement presque 15 % de l’ensemble des cinéastes avec une “pointe” à 20 % au milieu des années 1990, une situation qui est unique au monde, les réalisatrices françaises doivent encore lutter pour faire accepter leurs projets et pour pouvoir les financer. Certaines, après avoir réalisé un premier film de cinéma, optent pour la télévision, réputée moins inaccessible pour les femmes. 6Au début des années 1970, à l’époque où dans d’autres domaines, des groupes de femmes se créent pour défendre leurs droits, des femmes désireuses de favoriser le cinéma au féminin se regroupent dans un association qu’elles appellent Musidora, en hommage à la vedette du cinéma muet, devenue célèbre grâce au rôle d’Irma Vep dans la série Les Vampires 1915-1916 réalisée par Louis Feuillade. Ce nom était très symbolique, puisque Musidora avait elle aussi connu des difficultés lorsqu’elle avait voulu se lancer dans la réalisation, choisissant pour être plus indépendante de créer en 1917 sa propre maison de production, la Société des films Musidora ». Les buts de l’association créée en octobre 1973, étaient de promouvoir la création et la distribution de films et de vidéos réalisés par des femmes. Elle encourageait aussi la recherche sur les représentations des femmes dans le cinéma masculin et féminin. Enfin, ce fut Musidora qui organisa le premier festival de films de femmes en 1974, l’ancêtre du festival international annuel de Créteil. Quoique le festival ait été critiqué par la suite pour son “terrorisme féministe”9, il n’en demeure pas moins qu’il représente un moment important dans l’histoire du cinéma français au féminin. Par la suite, d’autres organisations virent le jour, telles Femmes/médias et Ciné-femmes-international. 7À défaut de pouvoir faire des films de cinéma, d’autres réalisatrices débutantes dans les années 1970 choisissent l’option moins onéreuse et plus maniable de la vidéo. Ce sont alors des films documentaires militants, financés par des collectifs et très souvent liés au mouvement des femmes. Le MLAC est à l’origine de films en faveur de la contraception et l’avortement, tout comme d’ailleurs le Planning familial dans plusieurs régions10. Les cinéastes s’approprient les images qu’elles veulent utiliser comme des armes. Leurs films dénoncent, montrent, expriment une réalité souvent absente du cinéma “officiel”, masculin et/ou commercial. Le livre des “femmes de Musidora”, Paroles... elles tournent 1976 participe de la même démarche, voulant offrir aux femmes, qu’elles soient cinéastes, actrices ou autres, la possibilité de s’exprimer sur leur rapport au cinéma, leurs expériences et leurs points de vue. Alors que le lien entre ces documentaires et les mouvements de femmes étaient très étroits, que ce soit pour le financement ou la distribution, il n’en est pas de même pour les films de fiction. 8D’autre part, dès lors que l’on parle des œuvres des réalisatrices, à l’époque comme de nos jours, un problème de définition se pose. Parler de “cinéma de femmes” ou de “films de femmes”, c’est déjà revendiquer ou en tout cas reconnaître une “spécificité féminine” que les intéressées sont souvent les premières à rejeter. Les réticences plus ou moins fortes des cinéastes françaises à voir leur œuvre marquée par et considérée en fonction de leur sexe est une tendance typiquement hexagonale, fruit d’un universalisme républicain que peu de réalisatrices remettent en cause, et une constante des années 1970 à nos jours. Ainsi, quand le mensuel Le Film français consacre en 1977 un dossier sur le “cinéma des femmes”, les réalisatrices interrogées, entre autres Diane Kurys et Coline Serreau, n’ont pas de mots assez durs pour refuser cette idée. À Serreau déclarant Je ne suis pas une femme qui fait du cinéma, je suis quelqu’un qui fait du cinéma », fait écho Diane Kurys s’insurgeant Vous ne parleriez pas de films de borgnes ou de culs de jatte. Ça m’exaspère qu’on parle de films de femmes’ comme si c’était une tare »11. Les rares ouvrages sur le sujet témoignent aussi des mêmes réticences de la part des réalisatrices, réticences légitimes si l’on analyse, comme l’a fait Ginette Vincendeau, les relations particulières entre féminisme et cinéma en France Vincendeau 1987. Selon cette chercheuse12, c’est surtout en France que se manifeste l’écart entre “films de femmes” et films féministes. Analysant les raisons de l’absence de théories féministes du cinéma en France malgré le fait que ce sont des féministes françaises qui ont souvent inspiré ces théories dans les pays anglo-saxons, elle définit la position des cinéastes françaises comme standing between two stools assises entre deux chaises », puisque d’une part il leur manque un cadre idéologique crédible en terme de soutien de groupe », et d’autre part, elles occupent une position minoritaire au sein de l’industrie cinématographique »13 notre traduction. Pour Vincendeau, les femmes cinéastes françaises ont choisi l’intégration au sein d’une industrie cinématographique, qui, des producteurs aux critiques, ne reconnaît pas l’appartenance sexuelle des auteurs comme un critère valable. Notons que depuis le suffrage du même nom, l’adjectif “universel” en France est souvent synonyme de masculin. Dans le cas du cinéma, il semble que sous couvert d’universalisme, ce soit la tradition de la domination masculine au sein de la création artistique qui l’emporte. 9Un autre aspect majeur, dès lors que l’on s’intéresse aux “films de femmes”, est le choix des sujets. Qui dit cinéma au féminin ne devrait pas nécessairement dire histoires de femmes. L’on ne peut nier cependant que les réalisatrices des films documentaires surtout mais aussi de fiction, choisissent le plus souvent une perspective féminine à défaut de féministe et créent des personnages féminins loin des stéréotypes de la féminité acceptés et parfois revendiqués par une grande majorité des cinéastes masculins. Comme le notait Audé à propos du changement qui s’opère dans les années 1970, les comédiennes, des personnages, des femmes intéressantes par leur intervention au plan sociopolitique ont remplacé le mythe ». L’on peut ajouter à cela, qu’une tendance se dessine dans les films de fiction qui choisissent souvent de montrer ce que l’on ne voyait pas nécessairement, ou pas de la même façon l’on revient alors à l’idée de “filmer autre chose”. Des femmes cinéastes parlent de la sexualité au féminin les films de Chantal Akerman, de Nelly Kaplan ou de Nina Companeez, du couple les films de Nadine Trintignant, La Femme de Jean de Yannick Bellon, 1974, des rapports mère-fille Qu’est-ce que tu veux, Julie ? de Charlotte Dubreuil, 1977, du viol L’amour violé de Yannick Bellon, 1979... La liste n’étant évidemment pas exhaustive. 10De tous ces films, courts, moyens ou longs, vidéo ou pas, fiction ou documentaire, certains ont marqué plus que d’autres, pour des raisons qui restent souvent difficiles à déterminer. Certains ont d’ailleurs été censurés, tel Histoires d’A, film documentaire distribué en 1973 qui condamnait la pénalisation de l’avortement, un an avant le vote de la loi Veil14. Nous en avons choisi quelques uns, révélateurs de courants et de tendances, qui restent les films clefs de cette période, qu’il s’agisse de films de fiction ou de documentaires. Notons ici que le choix entre ces deux genres était motivé chez les cinéastes de l’époque par des raisons aussi bien économiques qu’idéologiques. Même si la fiction au début des années 1970, est aussi minoritaire par rapport au documentaire que la vidéo l’est par rapport au film15, elle devient majoritaire au cours de la décennie. La fiancée du pirate 11Avant la “vague” de films au féminin des années 1970 faisant suite aux “événements” de mai 68, une cinéaste avait lancé un pavé dans la mare en réalisant l’un des cinq “films de femmes” de l’année 1969. Nelly Kaplan dans son premier film de fiction va en effet renverser de nombreux tabous et créer la controverse avec un personnage féminin provocateur, transgressant les normes sexuelles et sociales..., ce que d’aucuns ont vu comme une farce grossière, là où d’autres pressentaient les prémices d’un cinéma féministe. Kaplan était surtout connue avant ce film par ses courts, moyens et longs métrages d’un style très différent elle avait en effet travaillé dans les années 1950 avec Abel Gance dont elle admirait les films, et dans les années 1960 sur des artistes peintres, contemporains ou non. Le synopsis de La Fiancée du pirate écrit en collaboration avec le scénariste Claude Makovski, présenté aux producteurs n’en séduit aucun, et pour cause. L’histoire est celle d’une jeune femme qui se venge de tous les hommes de son village qui avaient abusé d’elle, non seulement en les faisant payer pour ce qui jusqu'alors était “gratuit”, mais aussi en enregistrant leurs aveux les plus compromettants. C’est grâce au Lion d’or que Kaplan obtint lors du festival de Venise en 1967 pour son documentaire sur Picasso, Le Regard Picasso, qu’elle put financer son film. Celui-ci, interdit à sa sortie aux moins de dix-huit ans, fut à l’origine d’une controverse critique provoquée par l’aspect quelque peu outrancier du film. 12Bernadette Lafont, la plus bandante des actrices françaises » selon François Truffaut16 et actrice atypique de la Nouvelle Vague Les Mistons de François Truffaut en 1958 et Le Beau Serge en 1957, Les Bonnes femmes de Claude Chabrol en 1960, interprète le personnage au nom faussement prédestiné de Marie17, une femme hors norme vivant misérablement avec sa mère dans une cabane sommaire construite dans les bois à proximité du village de Tellier. La mort de sa mère et le manque de sympathie des habitants du village déclenchent la révolte de Marie, jusqu’ici exploitée par les uns et les autres. Servante au service d’une patronne qui la maltraite tout en abusant d’elle, cette femme seule se venge. Le ton du film est résolument anarchiste et caricatural et, à l’exception de Marie, tous les autres personnages masculins et féminins sont présentés comme des êtres lâches, fourbes et mauvais. L’émancipation de Marie passe par une prostitution que l’on pourrait qualifier d’“autogérée”, un aspect du film peu prisé des féministes à sa sortie. La transgression de Marie est à la fois sexuelle et sociale. En instaurant un système de paiement au prorata des revenus de ses clients l’ouvrier portugais non seulement ne paie rien mais a droit à un peu de tendresse alors que le Duc doit payer le prix fort pour un “service minimum”, Marie se situe dans une perspective délibérément subversive aux yeux des “nantis” qui ne voient en elle qu’un objet sexuel. Déclarant que le travail est l’esclavage, Marie revendique une autre forme de subversion anarchisante que l’on retrouve aussi dans son attitude blasphématoire elle demande au curé de dire une messe pour son bouc bien aimé tué par un homme du village et dans sa manière “provocante” de vivre sa sexualité, réclamant dans ses paroles et actions un “droit à disposer de son corps” peu orthodoxe. 13Ce n’était pas la première fois que Kaplan s’aventurait sur le terrain peu exploré à l’époque de l’érotisme au féminin, ayant publié sous le pseudonyme de Belen un recueil de nouvelles érotiques18. La “liberté sexuelle” de Marie est associée à la chanson de Barbara moi j'm'en balance, chacun sera servi, mais c’est moi qui choisis » et par une affiche sur le mur de sa cabane faisant de la publicité pour la contraception. Même si le choix de la prostitution comme source d’émancipation reste extrêmement discutable, le film n’en attaque pas moins la misogynie des hommes et des femmes du village. En effet, non seulement la solidarité entre femmes est inexistante mais l’exploitation sexuelle de Marie par Irène, sa patronne lesbienne, pourrait suggérer que les femmes en position de pouvoir pouvoir ici de nature à la fois économique et sexuel sont aussi “corrompues” que leurs équivalents masculins. Un autre aspect du film qui pourrait contredire la tendance libertaire de Marie, est sa capacité, nouvellement acquise, à posséder et l’enthousiasme apparent qu’elle manifeste pour cela. Plus en effet que sa liberté sexuelle que lui reprochent en revanche les femmes du village et son indépendance affective, c’est son indépendance économique qui fait réagir les hommes. Marie s’enrichit, et qui plus est sur leur dos, retournant en sa faveur l’exploitation dont elle était auparavant victime. Cela se manifeste de façon tangible par l’acquisition progressive de biens, Marie devenant, à l’instar de ses contemporaines, une consommatrice “soucieuse” de décorer son intérieur19. La différence majeure est que, contrairement aux ménagères de ce que l’on appelait pas encore les Trente Glorieuses », Marie démontre à la fin du film son détachement pour ces mêmes biens, non seulement en les abandonnant, mais en construisant avec les “traces matérielles” de sa prospérité, une “sculpture” à côté de sa cabane, sur laquelle s’acharneront d’ailleurs les habitants et habitantes du village, pris d’une rage incontrôlée et incontrôlable après son départ. 14Refus de la société de consommation et/ou rejet de la réification ? Il n’est pas facile, compte tenu des données parfois contradictoires de ce qui précède, de déterminer la portée politique et la teneur féministe de La Fiancée du pirate. Même si elle a parfois manifesté par la suite son soutien aux mouvements féministes, Kaplan ne s’engageait pas directement à ce moment-là en faveur des causes défendues par les militantes qui n’étaient pas encore en 1969, à l’époque de la sortie du film, aussi organisées qu’au début des années 1970. La cinéaste prend la décision cependant de rendre sympathique un homme, André, interprété par Michel Constantin, loin des rôles de durs qu’il joue habituellement, qui s’occupe d’un cinéma ambulant et fait découvrir à Marie des films américains y compris La Comtesse aux pieds nus de Mankiewicz dont le personnage principal ressemble parfois à Marie. Seul André prend le parti de Marie et lui manifeste de la sympathie. Il serait sans nul doute abusif d’en déduire que les hommes de cinéma sont tous philogynes. L’on peut par contre y retrouver des traces de la cinéphilie de la cinéaste, qu’illustrent ses liens avec Abel Gance et l’admiration qu’elle lui vouait. 15Mais qu’est-ce qu’elles veulent ? 16Cette question que se posait Freud au sujet des femmes, le documentaire de Coline Serreau réalisé entre 1975 et 1977 va tenter d’y répondre. Film clef dans la production française de ce que l’on a qualifié de “films de femmes”, “féminins”, “féministes” et/ou “militants”, ce film a marqué la lutte pour l’émancipation des femmes au même titre que le film de Marielle Issartel et Charles Belmont, Histoires d’A. Qu’il s’agisse du film lui-même, des conditions de production et de financement ou encore de réception, le documentaire de Serreau illustre parfaitement les obstacles que connaissent encore les cinéastes femmes pour parvenir à réaliser leurs films. 17La réalisatrice, bien que partageant les luttes des féministes de l’époque, n’appartient à aucun réseau ou groupe. C’est par hasard qu’elle rencontre Antoinette Fouque, fondatrice de la jeune maison d’édition Des femmes créée en 1974 qui l’aide à financer ce documentaire qu’elle avait au départ prévu d’appeler Utopie et dans lequel elle voulait donner la parole aux femmes, toutes les femmes, selon le principe que toutes celles qui avaient envie de parler le pourraient. Le tournage dura un an pendant lequel elle sillonna la France, enregistrant 24 heures de pellicule dont elle ne garda finalement que 90 minutes. Comme Kaplan, c’est grâce au succès de son premier long métrage de fiction Pourquoi pas ! Prix Georges Sadoul 1978, qu’elle put financer le montage de Mais qu’est-ce qu’elles veulent ? Ce film reprend les deux orientations militantes des groupes de femmes à cette époque, articulant lutte des classes et lutte des sexes. Pour Serreau, il s’agit non seulement d’illustrer l’idée que le personnel est politique », mais aussi d’associer le féminisme et le marxisme, deux instruments de lutte et de travail qui ont tout remis en question et dont on ne peut pas se passer »20. La même année, elle ajoutait que le mouvement des femmes... on ne dira jamais assez ce qu’on lui doit, ce qu’on lui doit tous depuis dix ans. Il change la face de cette société [...]. C’est un nouveau moyen d’investigation du monde »21. L’organisation du documentaire et la répartition des témoignages des différentes intervenantes traduisent ce choix, puisque ce sont les ouvrières du Nord de la France qui bénéficient du plus long temps de parole. 18Dans son documentaire, à l’instar de ses contemporaines, la cinéaste donne le “droit à la parole” à des femmes de tout milieu, âge et condition. Chacun des témoignages fonctionne comme une pièce d’une mosaïque géante sur la condition des femmes en France. Du Sud au Nord de la France, les femmes-témoins se racontent à la cinéaste que l’on n’entend ni l’on ne voit, celle-ci ayant souhaité ne pas intervenir dans leurs témoignages, ni par des questions, coupées au montage, ni par des commentaires. La parole est alors et presque uniquement celles des interviewées. Qu’elles soient femmes de cultivateurs dans le Midi, ouvrières d’usines dans le nord de la France, femme au foyer bourgeoise, actrice de films pornos, actrice anorexique, pasteure ou concierge bretonne, ces voix expriment une polyphonie féminine faite de désirs et de regrets. Reviennent chez toutes des mots traduisant leur sentiment d’aliénation, d’enfermement et/ou d’esclavage. Le montage renforce parfois des idées ou des sentiments énoncés, alternant souvent ironiquement une opinion et des images qui les contredisent, telles les paroles de la mère au foyer parlant des devoirs des femmes, épouses et mères, sur des images de manifestations et d'affiches féministes. 19Serreau choisit aussi de mettre en parallèle deux voix, chacune dépassant le corps dont elles émanent pour représenter celle de leur classe. Les femmes, qu’elles soient employées d’une usine de confection du Nord ou actrice de films pornos, expriment ainsi la voix des opprimées, quelle que soit la forme que cette oppression prenne. Les hommes, patron d’usine ou réalisateur pornographe, deviennent la voix du pouvoir quelle qu’en soit la nature. Plus que de longs discours, le montage alterné de ces voix dénonce les injustices. Ainsi les scènes avec les ouvrières dont les revendications sont entrecoupées par les propos de leur patron justifiant certains fonctionnements, ceux-là même contre lesquels s’insurgent ses employées. Entre chaque intervention, la cinéaste insère des plans récurrents de mer en mouvement, où dans chaque mouvement de vagues venant s’écraser contre le rivage, l’on peut lire ce que Serreau exprimait ainsi L’eau, c’est ce qui est dans nos veines, dans nos ventres, qui dort et parfois se réveille, et c’est la tempête ». Décrit par une critique comme Le Chagrin et la pitié des femmes »22, le documentaire de Serreau, sans avoir l’effet d’électrochoc qu’avait pu avoir le film d’Ophuls en France quelques années plus tôt, va démontrer, si besoin est, que la cause des femmes était bien loin d’être entendue. De même que le film d’Ophuls rendait visible ce qui restait alors de l’ordre du non-dit, le documentaire de Coline Serreau exprime haut, fort et clairement, ce que peu voulait entendre et reconnaître, à savoir ici les injustices criantes dont les femmes étaient victimes. L’Une chante, l’autre pas 20Figure quelque peu à part dans le cinéma français en général et féminin en particulier, Agnès Varda, parfois considérée comme la “mère” de la Nouvelle Vague, débuta dans les années 1950, et fut obligée de trouver d’autres formes de financement, créant, comme beaucoup d’autres femmes cinéastes le feront par la suite, sa propre maison de production. Après avoir réalisé son premier film de fiction, La Pointe courte en 1954, dans lequel d’aucuns discerneront par la suite les prémices de la Nouvelle Vague, la cinéaste alterne fiction et documentaire. Absente de France en mai 1968, la cinéaste rentre cependant des États-Unis avec une connaissance du féminisme à l’anglo-saxonne. Ceci lui permet aussi de développer dans ses films une approche théorique et une pratique du féminisme plus poussée que ses contemporaines. Signataire du manifeste des 343, elle participe aux activités du MLAC. 21Dans le contexte particulier du cinéma des années 1970, elle réalise tout d’abord en 1975 un cinétract de huit minutes intitulé Réponses de femmes. Elle choisit le format du film militant alors même qu’il s’agit d’une commande de la seconde chaîne de télévision sur le sujet Qu’est-ce qu’être femme ? ». Elle tourne ensuite un film de fiction, L’une chante, l’autre pas 1976, où elle met la fiction au service de la cause féministe. A travers l’itinéraire de deux femmes entre 1962 et 1976, elle témoigne des choix et des dilemmes auxquels sont confrontées ses deux héroïnes. Des traumatismes individuels des avortements clandestins aux luttes collectives pour abolir son interdiction, des groupes de soutien aux femmes aux tentatives plus ou moins réussies de “réinvention du couple”, le film témoigne de cette période clef pour les femmes, se terminant sur une communauté réunie autour d’une nouvelle naissance. 22Le film fut critiqué par les unes pour avoir un peu trop versé dans la tendance “maternitude” qui caractérisait certaines féministes dans la seconde moitié des années 1970 Fortino 1997, par les autres pour ne pas assez tenir compte de la notion de classe sociale qui, plus que tout, définit les personnages et leurs actes. Ce, malgré les affirmations de Varda à cette époque que les inégalités sociales étaient le problème le plus important des mouvements de femmes Smith 1998. En dépit de l’échec relatif du film auprès des féministes même si le film est un succès public, du moins à l’échelle des films “militants” de cette période, ce fut le premier film “grand public” mettant en scène de manière aussi concrète les actions des mouvements de femmes. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles 23Entre le documentaire de Serreau et le film de fiction de Varda, tous deux révélateurs dans le fond et dans la forme de tendances propres au cinéma féminin de l’époque, un autre film fut tourné à la frontière entre la fiction et le documentaire. La dissociation est d’ailleurs discutable puisque d’une part, nombreuses furent les femmes qui choisirent à l’époque de commencer par des documentaires, pour des raisons politiques aussi bien qu’économiques, et d’autre part, le coefficient de réalisme dont sont affectés de nombreux films de femmes rend la distinction difficile dans le film de Varda, par exemple, Gisèle Halimi joue son propre rôle durant la re-création du procès de Bobigny. Le second long métrage de la cinéaste Chantal Akerman, Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, coproduction franco-belge sortie en France en 1976, échappe à toute classification, par nature restrictive. Interprété par Delphine Seyrig23, le film, d’une durée de 200 minutes, fait coïncider le temps de l’histoire et le temps du récit. On y suit les faits et gestes de la Jeanne du titre, femme au foyer subissant toutes les aliénations, qu’il s’agisse de l’exploitation domestique la caméra la montre accomplissant les gestes répétitifs du quotidien, de l’exploitation sexuelle elle se prostitue pour pouvoir nourrir son fils. Les effets du langage cinématographique sont réduits au minimum, que ce soit dans le choix de plans fixes ou dans le quasi “silence” de la bande-son, tout suggérant l’immuabilité, l’immobilité, le vide et l’étouffement du personnage. Même si la cinéaste a récusé par la suite la lecture qui était faite de son film, il a été tout perçu à sa sortie comme une sorte de référence-pamphlet sur l’aliénation du deuxième sexe » Lejeune, 1987. 24D’autres cinéastes illustreront aussi à leur façon les actions des mouvements de femmes, en choisissant d’en “montrer” les effets et conséquences sur le quotidien des femmes qu’elles soient féministes ou non. Avec le début des années Mitterrand, le nombre de réalisatrices françaises va croissant et elles ne sont plus considérées avec la même curiosité que dans la décennie précédente. Même si celles qui ont débuté après mai 1968 continuent de croire au féminisme, quelqu’en soit la teneur, les temps ont changé. Les cinéastes issues du baby boom optent dans les années 1980 pour une version plus édulcorée du féminisme de leurs débuts Coline Serreau avec Trois hommes et un couffin 1985 choisit un triple point de vue masculin, dans le but de dénoncer le rôle effacé des hommes dans la parentalité. Quoique non déclarée comme féministe, Diane Kurys dans Coup de foudre 1983, met en scène les femmes de la génération précédente, tentant de résister aux lois non écrites du patriarcat Tarr 199924. 25La “jeune” génération qui débute au début des années 1990 suit surtout ses aînées dans le choix de ses protagonistes, et crée des héroïnes d’une épaisseur psychologique souvent absente du cinéma au masculin, sans négliger pour autant de mettre en scène des hommes de manière souvent originale25. Certaines cinéastes enfin, choisissent des genres cinématographiques traditionnellement et majoritairement masculins, tel le thriller ou le film à costumes. Une tendance se dessine aussi chez quelques réalisatrices d’ancrer plus profondément leurs films dans une problématique plus “sociale”26 ou chez d’autres de flirter plus ouvertement avec les tabous27. Malgré les avancées notables des femmes dans le paysage cinématographique français depuis un quart de siècle, il reste encore du chemin à parcourir pour que les réalisatrices soient traitées comme des égales et puissent développer leur talent dans des conditions comparables à celles faites aux réalisateurs, et qu’une parité homme-femme s’instaure. Haut de page Bibliographie AUDÉ Françoise, 1979, Ciné-modèle, cinéma d’elles, Lausanne, L’Age d’homme. BLONDEL Annick, 1981, Cinéma des femmes, cinéma féministe ou cinéma féminin, doctorat de 3e cycle, EHESS. BRETON Emile, 1984, Femmes d’images, Paris, Messidor. BURCH Noël, SELLIER Geneviève, 1996, La Drôle de guerre des sexes dans le cinéma français 1930-1956, Paris, Nathan. DUCHEN Claire, 1986, Feminism in France. From May '68 to Mitterrand, London, Routledge. —, 1987, dir. French connections Voices from the Women’s movement in France, Hutchinson, London. 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Burch, Sellier 1996. 5 Guy 1976. 6 L’ouvrage de Paule Lejeune 1986 recense seulement 13 réalisatrices durant les cinquante premières années de l’histoire du septième art, et une soixantaine l’incertitude venant des cinéastes francophones ayant fait leur carrière en France pour la période 1947-1980. 7 Forbes 1991 83. 8 Après la sortie de son premier film de fiction, la cinéaste Coline Serreau annonçait son désir de quitter la France à cause de ces difficultés-là voir Overbey 1978, dont toutes les réalisatrices témoignent, à un moment ou un autre de leur carrière. 9 Cité par Audé, 1981. 10 Voir dans le catalogue des films réalisés en France par des femmes depuis 1968 », CinémAction, n° 9, automne 1979 175-201, la liste des films consacrés aux femmes et à leurs luttes, en France et ailleurs. 11 Gauteur 1977 24-28. 12 À qui l’on doit d’ailleurs la direction d’un ouvrage regroupant les traductions, parfois plus de vingt ans après leur publication, des textes fondateurs sur les théories féministes au cinéma Vincendeau et Reynaud 1993. 13 The current position of French women film-makers could be described as falling between two stools. On the one hand, they lack a credible ideological framework in terms of group allegiance, on the other, they still hold only marginal positions in the industry », Vincendeau 1987 9. 14 Quoique retiré des écrans par décision ministérielle un mois après avoir obtenu un visa de censure 22 novembre 1973, et interdit de diffusion pendant près d’un an, le film fut distribué de façon clandestine et l’on estime à 200 000 le nombre de spectateurs l’ayant vu, ce qui en fait, selon Audé 1981, le film militant le plus vu. Fait d’un mélange d’entretiens et de documents médicaux, le film eut un impact considérable sur le public et l’opinion. 15 Voir la filmographie assez exhaustive proposée dans Le Cinéma au féminisme, sous la direction de Monique Martineau, CinémAction, n° 9, 1979. 16 Lafont 1978. 17 Elle interprètera une autre Marie dans le film d’Eustache, La Maman et la putain, réalisé quelques années plus tard 1973. 18 La Fiancée du pirate bénéficia à sa sortie du soutien inconditionnel de Jean-Jacques Pauvert, éditeur d’ouvrages érotiques Audé 1981 98 chez qui la cinéaste romancière publia en 1974 un roman érotique intitulé Un Manteau de fou-rire ou Les mémoires d’une liseuse de draps. Kaplan continua aussi sur cette lancée dans la suite de sa carrière cinématographique, choisissant dans Néa 1976 adapté d’un roman de l’auteure d’Emmanuelle, Emmanuelle Arsan, de dépeindre la sexualité féminine au féminin. Plus récemment, Kaplan choisit dans Plaisir d’amour 1991 de montrer trois générations de femmes de la même famille se partageant le même homme. 19 Voir Kristin Ross 1997. 20 Serreau 1978a. 21 Serreau 1978b. 22 De Gaspéri 1978. 23 Actrice féministe s’il en est qui tournera en 1977 Sois belle et tais-toi, un documentaire souvent ironique sur les femmes comédiennes et leur métier. Elle est aussi l’une des trois femmes à l’origine de la création du Centre audiovisuel Simone de Beauvoir en 1982. 24 Coup de foudre, malgré son contenu lesbien latent, ne représente pas l’homosexualité féminine comme une alternative. 25 Voir les films de Claire Devers par exemple. 26 Voir les films d’Aline Isserman, Laetitia Masson, Zaïda Ghorab-Volta et, dans une certaine mesure pour le film à tendance “rurale”, Patricia Mazuy et Sandrine Veysset. 27 Voir surtout les films de Catherine Breillat dont le dernier film Romance, 1999, qui peut être perçu comme pornographique, divise les féministes en de page Pour citer cet article Référence électronique Brigitte ROLLET, Femmes cinéastes en France l'après-mai 68 », Clio. Histoire‚ femmes et sociétés [En ligne], 10 1999, mis en ligne le 22 mai 2006, consulté le 16 août 2022. URL ; DOI de page Auteur Brigitte ROLLET Brigitte ROLLET est senior lecturer en French studies à l’Université de Portsmouth Grande-Bretagne. Elle a soutenu sa thèse, Le film de fiction dans la classe de civilisation, en 1995 à l’Université de la Sorbonne nouvelle – Paris III, sous la direction de Louis Porcher. Elle a publié plusieurs articles en français et en anglais sur le cinéma français, un ouvrage sur Coline Serreau Manchester University Press, 1998 et prépare actuellement avec Carrie Tarr un ouvrage sur les réalisatrices françaises contemporaines, Cinema and the Second Sex à paraître chez Cassel en 2000. Articles du même auteur Paru dans Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, 10 1999 Paru dans Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, 7 1998 Paru dans Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, 13 2001 Paru dans Clio. Histoire‚ femmes et sociétés, 13 2001 Haut de page Droits d’auteur Tous droits réservésHaut de page

RUACommuniqué FD CGT Orga Sociaux - juin 2019. Téléchargements : 382. CGT sécu - FLASH INFO N3 Classif 28 mai 2019 (1) Téléchargements : 379. CP CGT-CFDT grève 13 mai 2019 de la MissionLocale-MDE-PLIE Lille-Lomme-Hellemmes. Téléchargements : 100. Bilan Activité ML 2017. Téléchargements : 255. Protocole des ML- 2000.

^{Avec toute la subjectivité et les limites inhérentes à l’exercice, nous avons choisi et analysé des films importants signés par des réalisatrices qui mettent en jeu un changement de point de vue, écrivant ainsi une nécessaire contre-histoire féminine du cinéma. Dossier coordonné par Jean-Marc Lalanne, avec Philippe Azoury, Emily Barnett, Romain Blondeau, Patrice Blouin, Iris Brey, Faustine Chevrin, Luc Chessel, Bruno Deruisseau, Marilou Duponchel, Hélène Frappat, Jacky Goldberg, Mia Hansen-Løve, Murielle Joudet, Thierry Jousse, Olivier Joyard, Gérard Lefort, Eponine Le Galliot, Elena López, Axelle Ropert, Théo Ribeton, Justine Triet. 1906 / Madame a des envies d’Alice Guy Pendant que d’autres prennent pour sujet les trains, les usines et les repas du dimanche, Alice Guy met en scène une femme enceinte qui a l’irrépressible besoin d’insérer des objets phalliques dans sa bouche. Outre ce point de départ narratif intrépide, la cinéaste utilise pour la première fois au cinéma le gros plan à des fins dramatiques. Elle a l’intuition géniale de rapprocher le corps de la caméra du visage de son héroïne au moment où cette dernière parvient à ses fins et se délecte de sucer une friandise volée à une enfant, nous permettant de ressentir de manière plus intense cet assouvissement physique. L’utilisation du gros plan permet donc d’accéder à la subjectivité de la femme enceinte la femme qui suce n’est pas un spectacle érotique mais diffuse un désir féminin. I. B. Avec Alice Guy Fr., 4 min 15 1914 / Charlot et les Saucisses de Mabel Normand Mabel Normand fut la première vedette féminine du burlesque muet, peut-être la seule à approcher la catégorie de ses légendes, où trône Chaplin. C’est d’ailleurs en tant que second rôle d’un de ses films qu’apparaît en 1914 le personnage de Charlot. Il deviendra un sidekick régulier – en passe de la doubler en notoriété dans ce film réalisé par Normand trois mois plus tard. Elle s’y met en scène en vendeuse de hot-dogs et trahit sûrement ce qui se trame derrière la caméra le vagabond apparaît et la courtise, dans le but de lui chiper ses saucisses. La suite de la vie de Mabel Normand sera funeste empêtrée en 1921 dans une série de scandales mêlant affaires de mœurs et homicide l’affaire Arbuckle, elle tombe dans l’oubli et meurt de la tuberculose en 1930. T. R. Avec Charles Chaplin, Mabel Normand, Dan Albert 10 min 1920 / La Fête espagnole de Germaine Dulac Soledad, une ancienne danseuse, est convoitée par deux hommes. Elle les incite à se battre en duel, promettant de se donnerau vainqueur. Pendant ce temps, elle s’égare avec le jeune Juanito, dansant toute la nuit, se remémorant les belles années de sa jeunesse passée. Avec La Fête espagnole, Dulac semble anticiper toute la vague dite impressionniste du cinéma français Louis Delluc en partie, mais également Jean Epstein. Grande féministe, elle est considérée comme une figure majeure de l’avant-garde cinématographique. Elle prône un art neuf, pur et intégral, se détournant du théâtre et de la littérature et cherchant sans cesse à repousser les limites du récit et de l’esthétique. F. C. Avec Eve Francis, Gabriel Gabrio, Jean Toulout Fr., 1 h 07 1926 / Les Aventures du prince Ahmed de Lotte Reiniger Nous sommes deux ans avant la naissance de Mickey et bien loin de la mass animation dont Walt Disney posera bientôt les fondations lorsque l’Allemande Lotte Reiniger crée, à 27 ans, Les Aventures du prince Ahmed. Proche des avant-gardes expressionnistes, cette pionnière de l’animation a, en tant que décoratrice pour le théâtre, élaboré un art de la silhouette découpée qui vient sublimer ce récit muet en ombres chinoises, composite de plusieurs contes des Mille et Une Nuits. Applaudi par Renoir ou Brecht, il restera l’unique chef-d’œuvre de Reiniger. Elle demeure cependant active presque jusqu’à sa mort en 1981, et connaît encore aujourd’hui une postérité notable avec les films de Michel Ocelot, qui lui empruntent tant ses techniques que ses thèmes orientalistes. T. R. All., 1 h 20 1940 / Dance, Girl, Dance de Dorothy Arzner Judy Maureen O’Hara et Bubbles Lucille Ball montent sur scène tous les soirs pour livrer un spectacle de danse dans deux styles différents Bubbles est tout en effeuillage et séduction, Judy, elle, enchaîne de classiques arabesques. Dans la scène clef du film et de l’œuvre d’Arzner, Judy se fait huer par la foule qui veut voir plus de chair. Elle s’arrête alors de danser et livre un discours féministe. Cette séquence se termine par une bagarre entre Judy et Bubbles. Cette lutte entre ces deux corps féminins, celui qui dénonce le male gaze et celui qui veut faire partie du système, matérialise ainsi ce qui hante le cinéma de Dorothy Arzner la tension permanente entre le désir de montrer des femmes qui réfléchissent à la performance et à la performativité du genre féminin et celui de pouvoir rassembler une foule dans une salle. Une lutte qui symbolise aussi la violence émanant de la dissimulation du désir lesbien, que ce soit celui de la cinéaste ou celui de ses héroïnes. I. B. Avec Maureen O’Hara, Lucille Ball 1 h 30 1946 / Ritual in Transfigured Time de Maya Deren Une femme souriante Maya Deren elle-même manipule un long morceau de laine. Une autre Rita Christiani tire le fil jusqu’à elle. Une troisième Anaïs Nin les observe en robe noire. L’espace du film s’ouvre ensuite dans un enchaînement cadencé de gestes, regards, danses, comme si le cinéma proposait subitement une chorégraphie du monde initiée par l’expérience et le corps des femmes. Scandé par des visions sublimes proches de la transe, ce standard du cinéma non-narratif réalisé en 1946 a aussi marqué les esprits par son utilisation pionnière de procédés aujourd’hui banalisés arrêts sur images, ralentis. Américaine d’origine ukrainienne, connue pour de nombreux autres films comme Meshes of the Afternoon 1943, avec Alexander Hammid, Maya Deren a eu une importance capitale au moins à deux titres. D’abord dans la communauté du cinéma expérimental, dont elle tenta de regrouper les forces en créant une coopérative, avant que la mort ne l’emporte prématurément en 1961 – Jonas Mekas reprendra alors le flambeau. Ensuite, dans la mise en œuvre d’un cinéma féminin, tant ses héroïnes semblent créer leur espace propre, à l’image du personnage principal de Ritual in Transfigured Time avançant la main ouverte devant elle et profitant de l’énergie d’autres femmes pour se métamorphoser. O. J. Avec Rita Christiani, Maya Deren, Anaïs Nin 15 min 1947 / Paris 1900 de Nicole Védrès Chronique de la ville de Paris de 1900 à 1914, le documentaire Paris 1900 est aujourd’hui une référence en termes de montage. La cinéaste et romancière Nicole Védrès passe en revue la vie mondaine parisienne entre la Belle Epoque et le cataclysme de la guerre de 1914. Défini par le critique André Bazin comme “quelque chose de monstrueusement beau dont l’apparition bouleverse les normes esthétiques du cinéma”, c’est l’élégance du ton ainsi que son goût prononcé pour l’image d’archives qui ont fait de l’œuvre un classique aux croisements des arts. F. C. Fr., 1 h 19 1950 / Outrage d’Ida Lupino Actrice, Ida Lupino est aussi connue pour avoir été l’une des seules cinéastes femmes à exercer à Hollywood dès la fin des années 1940, notamment grâce à Emerald Films, la société de production indépendante qu’elle fonde avec son mari. Ses films se caractérisent par un réalisme âpre de série B, des sujets de société qu’elle filme les yeux ouverts, en allant droit au but, sans afféteries ni glamour. On lui doit notamment un film sur les jeunes filles obligées d’abandonner leurs enfants Not Wanted, un autre sur les ravages de la bigamie The Bigamist et Outrage, rare film à mettre au centre de son récit une victime de viol et à observer les conséquences de ce cataclysme sur sa psyché. Lupino ne cherche jamais à contourner son sujet ou à lui adjoindre une autre strate narrative le trauma est tellement puissant qu’il aspire tout le reste. Après le drame, Ann, l’héroïne, prend la fuite comme si elle avait commis un acte répréhensible, percluse de honte par son statut de victime. Se croyant sur la voie de l’oubli, elle se retrouve très vite rattrapée par sa mémoire traumatique – le film fait montre d’une grande justesse psychologique. Sans optimisme excessif mais avec un désir dévorant d’éduquer son public, Outrage déploie toutefois la possibilité d’une guérison pour sa victime et la nécessaire prise en charge des criminels. M. J. Avec Mala Powers, Tod Andrews, Robert Clarke 1 h 15 1951 / Olivia de Jacqueline Audry En attendant Varda, Jacqueline Audry 1908-1977 est la première cinéaste française de l’après-guerre qui s’aventure dans la zone alors interdite du féminisme revendiquée. En 1946, elle réalise Les Malheurs de Sophie où l’héroïne est métamorphosée en adolescente qui refuse un mariage arrangé. Mais c’est en 1951 avec Olivia que le propos devient explicite. D’après le roman éponyme de Dorothy Bussy 1949, adapté par sa sœur Colette Audry, écrivaine proche de Beauvoir et de Sartre, Olivia est l’histoire d’un couple de femmes. D’une part, Julie Edwige Feuillère, directrice d’un pensionnat de jeunes filles de bonnes familles. D’autre part, Clara Simone Simon, son associée et amante. L’arrivée d’une nouvelle élève, Olivia Marie-Claire Olivia, va bouleverser les deux femmes. Avec une frontalité sidérante pour l’époque, l’homosexualité féminine n’est pas à lire entre les images, elle est de chaque plan, toute de chair et de gaîté, cadrée avec une sensualité contagieuse. Olivia est autant un film militant que le chef-d’œuvre d’une grande réalisatrice. G. L. Avec Simone Simon, Edwige Feuillère Fr., 1 h 35 1953 / The Bigamist de Ida Lupino La beauté des séries B d’Ida Lupino tient à la fois au respect du cadre demandé par le genre atmosphère de film noir, efficacité dramatique absolue et à un intérêt pour des sujets peu traités par ailleurs. Ici, la double vie d’un homme dans la Californie des années 50, où le jeu des convenances sociales et conjugales est scruté comme une prison collective. Beau film sur une masculinité tout sauf triomphante, The Bigamist s’affirme comme l’un des sommets de l’œuvre de l’actrice-réalisatrice. Appartenant au domaine public, il est visible gratuitement sur Internet. Avec Joan Fontaine, Ida Lupino, Edmund Gwenn Américain, 1h23 1962 / Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda Sorti sur les écrans en 1962, Cléo de 5 à 7 relate deux heures de la vie d’une femme persuadée d’être malade. Premier choc le film se déroule en temps réel, à la manière d’un compte à rebours tendu vers son dénouement – l’annonce de résultats médicaux qui fixeront l’héroïne sur son destin. L’autre surprise tient à l’omniprésence du personnage féminin à l’écran dans le contexte très phallocentré du cinéma de l’époque – Nouvelle Vague comprise –, le regard de Corinne Marchand devient le seul point de vue, une silhouette souveraine et radieuse, la seule marche à suivre. Cléo est un ange dont le narcissisme se mesure à la quantité de fois où elle se regarde dans une glace. Jusqu’ici, le monde était pour elle un océan de reflets lui renvoyant complaisamment son image – les vitrines des magasins, le regard des autres. Avec la peur, l’image se brouille. Par le ballet étourdissant des passants, le son des actualités à la radio, les nombreuses voix off, Varda projette son héroïne dans un tourbillon d’altérité auquel cette “poupée” autocentrée et choyée par les autres était restée hermétique. La cinéaste offre à Cléo, objet passif et admiré, engoncé dans sa coquetterie, de regarder à son tour. Pour devenir sujet de sa propre vie. La création sans Dieu de la femme. E. B. Avec Corinne Marchand, Sami Frey Fr., 1 h 30 1963 / La maison est noire de Forough Farrokhzad En 1963, soit quatre ans avant sa mort précoce à l’âge de 32 ans, la poétesse iranienne Forough Farrokhzad réalisait son unique film, La maison est noire, poème de vingt minutes sur une léproserie à Baba Baghi, au nord-ouest de l’Iran. Considéré comme l’un des précurseurs de la Nouvelle Vague iranienne, c’est pourtant un film méconnu. Il nous aurait été apporté par le vent, comme un secret, et ce secret porte sur l’un des tabous ultimes la maladie. Farrokhzad filme le quotidien de cette maison peuplée par celles et ceux que l’on a chassées de la ville, qu’on ne veut plus voir, qui sont censées vivre comme des ombres. Farrokhzad les comprend, elle qui écrivait ailleurs, dans l’un de ses poèmes “Toute mon existence est un verset obscur.” Elle n’a pas peur de pénétrer dans leur intimité. Elle s’y enfonce, jusqu’aux entrailles, et pourtant, à l’image, on ne voit jamais de malades, car face à sa caméra tous les corps sont d’une beauté épiphanique. Oui, la beauté n’existe que dans l’œil de celui qui regarde, et ici on n’aura qu’à se laisser bercer par la douce violence de ses images et par la poésie qu’elle tire d’un cri primitif et déchirant. Peu importe alors s’il s’agit d’un film fort, d’un film beau, ou même d’un chef-d’œuvre comme l’avait qualifié Chris Marker, à qui l’on doit sa diffusion en France. La maison est noire est bouleversant car il nous emporte dans le courant souterrain d’une voix subalterne. Car, à travers ce film, Farrokhzad s’empare d’une place que la société ne lui avait pas donnée. Et comme l’expliquait la critique littéraire Gayatri Spivak dans son essai séminal de 1988, Can the Subaltern Speak ?, les subalternes ne sont pas des êtres de silence, seulement ilelles ne sont pas écoutés, ilelles chuchotent dans les plis de l’histoire. En cela, La maison est noire reste un film capital qui nous rapporte la voix de tous ces sujets subalternes les femmes, les malades, les corps non normatifs comme un courant électrique et secret, comme un poison épais, comme un sortilège. E. L. Avec Forugh Farrokhzad, Ebrahim Golesta Iran, 20 min 1965 / Le Bonheur d’Agnès Varda “Je suis moi, encore plus”, répond François, avec un sourire et des caresses, quand sa maîtresse lui demande comment il peut aimer deux femmes. François se croyait parfaitement heureux avec Thérèse et leurs deux enfants. Il l’était. Mais il a rencontré Emilie, ils sont tombés amoureux, et maintenant, c’est encore mieux. Mieux, ennemi du bien ? Peut-être. Mais, à aucun moment, Agnès Varda ne considère cette histoire du point de vue de la morale. Il aurait fallu pour cela qu’elle charge son personnage de doutes et de regrets. Il n’en est rien. Les fleurs l’intéressent plus que les remords. Le présent et la beauté davantage que le mal – celui que François fait à sa femme, par son bonheur égoïste. Si elle filme les caresses, elle filme leur sensualité, pas leur caractère coupable. Son regard empreint d’une immense douceur, en fait à mes yeux toute la force. La cruauté du récit peut nous blesser. Elle nous blesse. Mais pourquoi se révolter si le désir a résisté, si la vie a repris ses droits, si c’est à elle que la cinéaste a voulu donner le dernier mot ? En revoyant ce film, j’ai été de nouveau éblouie par la liberté d’Agnès Varda, par son insolente tranquillité. Le bonheur, la plénitude, la joie c’est ce qu’elle incarne pour moi. Joie de vivre, de voir, d’aimer. Et de filmer, sans remords, sans honte, sans la mauvaise conscience qui nous menace aujourd’hui. Varda disparue, qui osera encore filmerle bonheur ? M. Avec Jean-Claude Drouot, Marie-France Boyer Fr., 1 h 19 1966 / Les Petites Marguerites de Věra Chytilová “Ça te gêne ? – Non” à Prague dans les années 1960, deux jeunes filles prénommées Marie font n’importe quoi. Dans ce deuxième long de Vera Chytilová, seule femme de la Nouvelle Vague tchèque Milos Forman, Jiri Menzel, il s’agit de ruiner et de gâcher le plus de choses possible la nourriture, les fêtes, leur temps, les rendez-vous avec les hommes, les vêtements. La figure nouvelle de la fofolle invente un burlesque politique intense – qu’on retrouve dans Céline et Julie vont en bateau de Rivette. Les Petites Marguerites se place sous le signe de la dépense avec une grande économie de moyens, cherchant à exprimer de la façon la plus condensée et littérale l’envie de tout casser, dont le film lui-même. L. C. Avec Jitka Cerhová, Ivana Karbanová, Julius Albert Tch., 1 h 14 1967 / Portrait of Jason de Shirley Clarke C’est un film sur le spectacle de soi. C’est un exercice de confession. C’est une odyssée de l’échec. Et c’est quasiment du stand-up. Jason Holliday, combinaison de toutes les marginalités possibles de l’Amérique des sixties il est noir, homosexuel, call-boy, prostitué, fait face à la caméra de Shirley Clarke qui, hors champ et accompagnée d’un certain Carl, lui demande de raconter sa vie. Pendant toute une nuit, il se donne en spectacle, tour à tour fascinant et agaçant. “Arrête de rire Jason ! Parle-nous de toi ! Ta mère, ton enfance, les hommes que tu as aimés…” Jamais un exercice de portrait au cinéma ne s’est à ce point construit sur une lutte, opposant brutalement jusqu’à l’insulte le sujet filmé et le ou la cinéaste. Rythmé par les “I’ll never tell” de Jason, le film oppose la réalisatrice à une carapace de gaîté qu’elle et son compagnon encore plus violent ne parviennent jamais vraiment à percer. En filigrane, Portrait of Jason traduit également une authentique haine d’Hollywood, qui s’exprime dans le corps même de Jason il incarne la limite du show, une surface euphorique détruite de l’intérieur. Ce n’est pas anodin que Shirley Clarke, tête de file avec Jonas Mekas de l’underground new-yorkais des années 1960, décide de filmer un tel déraillement du spectacle. J. T. Avec Jason Holliday et les voix de Shirley Clarke et Carl Lee 1 h 45 1969 / La fiancée du Pirate de Nelly Kaplan Après la mort de sa mère avec qui elle vivait dans la pauvreté et en réaction à l’indifférence des hommes de pouvoir locaux, une jeune femme d’un petit village décide de se prostituer et finit par semer à la zizanie, dévoilant l’impunité et la violence d’un système. Bernadette Lafont incarne Marie dans ce manifeste féministe et bordélique de la fin des sixties, à la portée toujours rageuse cinquante et un ans plus tard. Venue d’Argentine, la réalisatrice Nelly Kaplan, longtemps proche d’Abel Gance et d’André Breton, a réalisé plusieurs autres films après son brillant coup d’essai, puis beaucoup écrit pour la télévision. Avec Bernadette Lafont, Georges Géret, Michel Constantin Fr, 1h43 1970 / Wanda de Barbara Loden La puissance de la première et unique réalisation de Barbara Loden tient tout entière dans cette phrase de Marguerite Duras à son sujet “Je considère qu’il y a un miracle Wanda. D’habitude, il y a une distance entre la représentation et le texte, entre le sujet et l’action. Ici, cette distance est complètement annulée, il y a une coïncidence immédiate entre Barbara Loden et son sujet.” Ou comment l’épouse sous-estimée d’un cinéaste célèbre, Elia Kazan, se projeta dans la figure d’une mère de famille en rupture de ban, transformant un fait divers en épopée subjective et quasi documentaire chevillée au corps de l’actrice-réalisatrice. Ayant coûté six ans de sa vie à Loden, qui peina à réunir un budget pourtant modeste 200 000 dollars, Wanda, sorti en 1970 mais peu visible en France avant 2003, est passé en quelques décennies de statut d’œuvre oubliée à celui de film culte, où la répression sociale des femmes atteint des sommets de mélancolie nihiliste. E. B. Avec Barbara Loden, Michael Higgins 1 h 42 1971 / Les Longs Adieux de Kira Muratova Cinéaste rare, d’origine ukrainienne mais travaillant avec difficulté dans le système soviétique, Kira Muratova signe, avec Les Longs Adieux, un exceptionnel deuxième long-métrage. Réalisé en 1971, mais découvert seulement à la fin des années 1980, à la faveur de la perestroïka, ce film radiographie les relations mouvantes et conflictuelles entre une mère et son fils, à peine sorti de l’adolescence. La texture de la mise en scène, flottante au meilleur sens du terme mais aussi d’une virtuosité éblouissante, entraîne le film vers des rivages discrètement oniriques. Dans un noir et blanc splendide mais jamais ostentatoire, c’est tout un monde qui ressurgit devant nous. Le monde étincelant de Kira Muratova, grande cinéaste qui transcende les clivages genrés, qu’il faut encore et encore redécouvrir. T. J. Avec Zinaida Sharko, Oleg Vladimirsky Union Sov., 1 h 37 1972 / Nathalie Granger de Marguerite Duras En 1972, Duras a déjà réalisé trois films La Musica, Détruire, dit-elle et Jaune le soleil. Pour Nathalie Granger, elle installe chez elle, dans sa maison de Neauphle, une demi-douzaine de personnes, dont Lucia Bosè et Jeanne Moreau. Toutes deux furent des égéries antonioniennes, et quelque chose des déambulations hagardes du cinéaste se prolonge dans ces errements de deux femmes dans la géographie d’une maison dont le sol en damier n’est pas sans évoquer La Nuit. Lucia Bosè est la mère d’une petite fille de 8 ans, Nathalie Granger, que son école juge trop violente pour poursuivre sa scolarité. La radio annonce au début du film que deux adolescents criminels, après avoir abattu un garagiste, sont en cavale dans la forêt voisine. Les deux femmes ont peur, elles attendent. Qu’attendent ces femmes, sinon que la violence qui gronde dehors, qui germe dans le comportement inquiétant de la petite Nathalie vienne tout dévaster dans leur maison ? Ici, la violence est toujours en puissance. L’action aussi. La maison, comme le cinéma de Duras, est un trou noir. Toute forme de récit, d’événement, la possibilité même de la représentation s’y dématérialisent. Déjà les miroirs capturent les corps et s’y substituent. Déjà la voix des comédiens ne provient plus du cadre, mais plutôt du hors-champ trois ans plus tard, la cinéaste systématise le procédé pour son film le plus célèbre, India Song. Duras n’en est qu’à la mise en place de son opération de démembrement du cinéma. Là aussi, un grand geste de rupture donc de violence se dessine, mais reste en puissance, et trouvera des actualisations de plus en plus fortes jusqu’à l’écran noir, neuf ans plus tard, de L’Homme atlantique. C’est ce qui rend Nathalie Granger aussi beau. C’est un film de suspension, juste au bord du vide, mais sans s’y jeter. Un film qui attend, l’éternité à ses côtés. L. Avec Jeanne Moreau, Lucia Bosè, Gérard Depardieu Fr., 1 h 25 1972 / Mimi métallo blessé dans son honneur de Lina Wertmüller Lina Wertmüller née en 1928, fille rebelle de la bourgeoisie romaine, fut l’assistante de Fellini notamment sur 8 1/2 avant de passer à la réalisation dans les années 1960-70 avec une palanquée de comédies dont Mimi métallo blessé dans son honneur est le point d’orgue. Rendre grotesques et pathétiques tant les codes d’honneur de la Mafia sicilienne que le machisme ambiant, il fallait oser, et Wertmüller s’adonne à cette satire dans une mixture réjouissante d’anarchisme et de bras d’honneur. Mimi métallo valut à Wertmüller une notoriété internationale qui profita à Giancarlo Giannini, son acteur fétiche. G. L. Avec Giancarlo Giannini, Mariangela Melato It., 2 h 01 1974 / Je, tu, il, elle de Chantal Akerman Une année avant le chef-d’œuvre akermanien Jeanne Dielman, la jeune cinéaste belge, pour son premier long-métrage de fiction, se met en scène comme héroïne quasiment mutique découvrant sa subjectivité en arrêtant de se nourrir, à part un peu de sucre, et en se mettant à l’écriture. La séquence qui reste collée à notre rétine est celle d’une longue scène de sexe entre deux jeunes femmes. La caméra est au niveau du lit, à environ un mètre de distance, assez loin pour capter la chorégraphie de l’enchevêtrement des corps, et assez près pour être bouleversée par ce rapport qui sort de tous les codes. Pendant la séquence suivante, l’amante de Julie disparaît entre ses cuisses pendant de longues minutes. On n’entend et on ne voit pas Julie jouir, le plan se termine arbitrairement comme si l’orgasme n’était pas une fin en soi. La jouissance féminine n’est pas contenue, elle déborde, elle ne s’arrête pas. I. B. Avec Chantal Akerman, Nils Arestrup Bel., Fr., 1 h 30 1974 / Portier de nuit de Liliana Cavani Dans un hôtel de Vienne, une ancienne déportée retrouve son bourreau, un ex-officier SS devenu portier de nuit, et renoue avec lui une liaison morbide. Planant et hypnotique, cette passion dévorante a fait scandale à sa sortie, provoquant ainsi son interdiction en Italie et son classement X aux Etats-Unis. Ce film bien ancré dans son époque seventies, a fait de Liliana Cavani l’une des premières réalisatrices italienne à s’inscrire dans la génération de cinéastes postérieure aux Néoréalistes. Dans un style Roméo et Juliette teinté de sadomasochisme, la cinéaste puise dans son travail documentaire réalisé en 1963 à propos des femmes dans la Résistance. Avec Dirk Bogarde, Charlotte Rampling, Philippe Leroy-Beaulieu Italie, 1h58 1975 / Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles de Chantal Akerman “Une nuit, j’étais dans mon lit en train de somnoler et tout à coup, j’ai vu le film.” C’est ainsi que Chantal Akerman raconte la genèse de Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles. Un flash foudroyant surgi à la bordure du somme, une forme qui se décante sur fond de relâchement de la conscience, une pure vision qui transperce la nuit c’est tout cela Jeanne Dielman, un film proprement inimaginable, une œuvre tellement immense qu’elle excède tout autour d’elle à commencer par l’œuvre à venir de son autrice, alors âgée de 25 ans. Jeanne Dielman Delphine Seyrig, sublime à jamais est une veuve entre deux âges, qui vit à Bruxelles, avec son fils de 17 ans. Le film décrit une cinquantaine d’heures du quotidien de cette femme, dont la vie s’organise comme un ballet mécanique de gestes domestiques. Jeanne Dielman fait la cuisine, met la table, sert son fils, dîne, débarrasse la table, fait la vaisselle, range la cuisine. Jeanne Dielman défait son lit, s’endort, refait son lit, se lave méthodiquement dans sa baignoire, s’habille, cire les chaussures de son fils. Et cela ad libitum, rien de moins que trois heures vingt. Il suffisait de filmer ces actions dans une durée proche du temps réel pour enregistrer quelque chose de jamais vu une construction sociale – la femme au foyer – qui ne tolère aucune extériorité, une aliénation consentie qui, si on en dérègle les procédures, aboutit à une catastrophe. A partir de ce qui constitue le déchet du cinéma classique l’hyper-quotidienneté, l’addition des temps morts, le film invente une forme d’une stylisation inouïe, aux antipodes du naturalisme, qui ne cessera de déposer dans tout le cinéma mondial ses germes d’extrême rigueur, de construction en boucles répétitives et d’étrangeté ritualisée de Tsai Ming-liang à Gus Van Sant, de Michael Haneke à Kelly Reichardt. En regardant ce qu’on ne regardait pas, Chantal Akerman a aussi, à jamais, changé la façon de regarder. L. Avec Delphine Seyrig Bel., 3 h 18 1975 / Aloïse de Liliane de Kermadec Film rare, Aloïse est l’œuvre la plus connue de Liliane de Kermadec, réalisatrice française décédée le mois dernier. Il retrace la vie de la suissesse Aloïse Corbaz. Cette femme internée en asile psychiatrique peignit toute sa vie des tableaux représentants les princes et les princesses qui peuplaient son imaginaire. Figure emblématique de l’art brute, elle est interprétée par Delphine Seyrig, qui poursuit ici le projet de toute une carrière jalonnée de rôles profondément féministes. Co-scénarisé par André Téchiné, Aloïse est aussi l’un des premiers rôles d’Isabelle Huppert, qui joue le jeune Aloïse et qui recevra pour ce film sa toute première nomination aux César. Avec Caroline Huppert, Hans Verner, Nita Klein Fr, 1h55 1976 / Sois belle et tais-toi de Delphine Seyrig En 1976, Delphine Seyrig prend la caméra avec son amie Carole Roussopoulos au cadre pour rendre la parole. Le film se compose de vingt-trois entretiens avec des actrices de différents pays, de notoriétés diverses, de Jane Fonda à Maria Schneider, qui commentent l’ordinaire des violences sexistes auxquelles les confronte leur travail. Dans sa forme brute plans longs et frontaux, rugueuse noir et blanc et gros grain, le film enregistre impeccablement ce qu’on n’appelait pas encore, mais qui advient avec une puissance inouïe, la libération d’une parole. L. Avec Jane Fonda, Juliet Berto, Maria Schneider, Ellen Burstyn Fr., 1 h 51 1976 / News from home de Chantal Akerman Les personnages akermaniens sont presque toujours aux prises avec un dispositif d’enfermement. Un an après l’appartement sans dehors de Jeanne Dielman, la cinéaste parle d’une fuite avortée. Partie vivre quelques années à New York, Chantal Akerman filme la ville à la frontière de la nuit et du jour, lorsque les rues sont dépeuplées, que les premières lueurs diurnes pointent, que l’espèce humaine tout entière est ensommeillée. Sauf l’autrice, insomniaque toujours en veille. Chantal égrenne sur la bande-son la lecture des lettres que lui envoie sa mère. Des lettres qui disent le manque, la solitude, l’inquiétude. Des lettres culpabilisantes qui opèrent comme un chant de sirène et ramènent vers le dedans, le giron, la fille envolée dehors. Le dernier plan, inoubliable, voit la skyline de Manhattan disparaître dans les brumes, comme un dehors déjà perdu. Rarement un film aussi conceptuel une succession de plans de buildings aura été si peu aride et si émouvant. 1976 / Mikey and Nicky d’Elaine May En 1970, John Cassavetes érige un monument à la gloire de l’amitié masculine, ses beuveries, sa lassitude, sa tristesse et ses joies Husbands. En 1975, l’actrice, scénariste et cinéaste Elaine May poursuit malicieusement le geste de Cassavetes et ausculte l’amitié fatiguée de Mikey et Nicky, incarnés par Falk et Cassavetes qui se laissent aller à leur tour préféré vivre devant une caméra. La trame mafieuse n’est là que pour servir de prétexte à capter l’errance de deux hommes obligés de se souder, se sauver l’un l’autre. Le duo fait ce qu’on attend de lui boire, fumer, divaguer, philosopher dans un cimetière ou se rendre chez une prostituée, se trahir aussi. Etrangement, le film de May éprouve une sympathie infinie pour ses personnages masculins, le regard se fait un peu moins puissant et empathique lorsqu’il s’agit de faire vivre ses personnages féminins. Si l’on ignore qu’une femme se trouve derrière la caméra, il est impossible de le deviner. Un cas passionnant. M. J. Avec John Cassavetes, Peter Falk 1 h 59 1976 / Harlan County USA de Barbara Kopple Barbara Kopple née en 1947 fait son apprentissage de cinéaste auprès des documentaristes Albert et David Maysles. Au début des années 1970, elle est la monteuse de Winter Soldier, enquête sur les vétérans du Vietnam. En 1973, elle filme pendant plus d’un an la grève des mineurs de Brookside, dans le comté de Harlan Kentucky. Harlan County USA sort en 1976 et fait grand bruit jusqu’à récolter un Oscar. Immersion et empathie, du côté des damnés de la mine, sans contrepoint syndicats, patrons censément objectif et consensuel. Un documentaire formidablement engagé qui privilégie le rôle majeur des femmes dans la grève. G. L. Avec Norman Yarborough, Houston Elmore 1 h 43 1976 / L’Honneur perdu de Katharina Blum de Margarethe von Trotta D’après le roman éponyme de Heinrich Böll, L’Honneur perdu de Katharina Blum fut coréalisé en 1975 par Volker Schlöndorff et son épouse d’alors, Margarethe von Trotta. Dans ce duo, il est facile de détecter un regard singulièrement féminin. Ne serait-ce que parce que le film est le portait d’une femme, Katharina, gouvernante chez un avocat. Une femme sans histoires, jusqu’à sa rencontre avec un inconnu qui va se révéler être un criminel en fuite. La police arrête Katharina comme complice présumée. Dès lors la presse à scandale s’empare de sa vie et la détruit. Autre touche féminine majeur, l’incarnation, plus que l’interprétation, du rôle de Katharina par Angela Winkler, légende vivante du théâtre dirigée entre autres par Peter Zadek ou Thomas Ostermeier et du cinéma allemand Scènes de chasse en Bavière de Peter Fleischmann, Le Tambour de Volker Schlöndorff, Benny’s video de Michael Haneke ou, plus récemment, Sils Maria d’Olivier Assayas. Corps et âme, Angela Winkler est Katharina Blum Honneur perdu d’une femme résignée, honneur retrouvé d’une femme révoltée. Avec Angela Winkler, Mario Adorf, Jürgen Prochnow Allemand, 1h45 1977 / Le camion de Marguerite Duras “Ca aurait été une route, au bord de la mer. Elle aurait traversé un grand plateau nu. Et un grand camion serait arrivé et aurait traversé la plaine”. C’est Marguerite Duras qui parle de son film, mais à l’intérieur de son film. En voix off. Une voix off simplement dénotative, qui ne dit rien de plus que ce qu’on voit des plans d’un camion qui en effet roule au travers d’une plaine. Mais qui peu à peu se décolle de l’image, la peuple de personnages, d’histoires qu’elle ne comprend pas, parle d’une femme ramassée sur la route qui évoque l’épuisement de la lutte des classes, de l’obscurcissement du langage et psalmodie une seule phrase “Que le monde aille à sa perte”. Peu à peu il n’y a même plus de camion à l’image. Juste Marguerite Duras qui lit le texte face à Gérard Depardieu. “C’est un film ?” demande Depardieu avec la prudence d’un collégien qui oserait prendre la parole durant la classe d’un professeur sévère. “Ça aurait été un film !” répond, définitive, la cinéaste. Plutôt que de commenter Le camion, de disserter sans fin sur la déconstruction de toutes les composantes du cinéma représentatif que le film opère, on a envie de se laisser la joie de le décrire. Décrire ce que nous voyons quand sur l’écran Duras décrit ce que nous ne voyons pas. Le camion est le plus beau film descriptig de l’histoire du cinéma. Ce qu’il nous dit de ses voix off, c’est que filmer n’est rien sinon décrire et que décrire, c’est écrire. Décrire, dit-elle. Avec Gerard Depardieu Fr, 1h20 1979 / Simone Barbès ou la Vertu de Marie-Claude Treilhou Simone Barbès traverse sa nuit entière au beau milieu d’une débauche anodine, vécue et quotidienne, vraiment débarrassée du scandale – du monde mâle d’un ciné porno où elle est ouvreuse à la boîte lesbienne, espaces irréconciliables mais qui ne valent pas mieux l’un que l’autre, et dont on s’échappe pour l’aube, dans la voiture d’un inconnu. Dans Simone Barbès…, la pornographie reste hors cadre et dans l’entrée, bande sonore cocasse et grave, comme commentaire de la lutte des sexes. Mais le sexe est la fausse vérité des corps, et la vertu, pour souhaitable qu’elle reste, n’a rien à voir avec tout ça c’est tenir bon et parler vrai, missions infinies, impossibles. C’est pourquoi le film allie le pathétique et l’oblique, où le pathos du vécu, qu’exprime la frontalité des plans plaquée sur la fatigue des corps, est sans cesse infléchi et traversé par la diagonale du ton ou du sens, toujours penché, faussé, un peu charade insaisissable, ma parole. L’ouvreuse Treilhou, entrant au cinéma, a frayé et atteint, du premier coup, tout ce qui ne se dit pas. L. C. Avec Ingrid Bourgoin, Michel Delahaye Fr., 1 h 25 1980 / Allemagne mère blafarde d’Helma Sanders-Brahms Helma Sanders-Brahms 1940-2014 est l’une des rares femmes du mouvement labélisé, dans les années 1970, “nouveau cinéma allemand”. Elle y trouve sa place à part entière en 1980 avec Allemagne mère blafarde. Dans l’Allemagne de la défaite nazie et de la reconstruction, le film chronique la survie de Lene Eva Mattes, mère courage le titre du film est emprunté à un poème de Brecht d’une jeune Anna. Exodes, souffrances et destructions. Le regard est quasi documentaire mais il instruit surtout le destin d’une femme “célibataire” face au grand chambardement de l’histoire. Un regard sombre, tant sur le passé que sur le présent de l’Allemagne qui, en 1980, sortait à peine du trauma terroriste incarné par les membres du groupe Baader-Meinhof. C’est la puissance et l’intelligence du film le nazisme et sa ruine n’y sont pas seulement envisagés comme une épouvante, mais aussi comme une “chance” pour Lene qui profite de la débâcle généralisée pour s’affranchir du joug conjugal et patriarcal. Si catastrophe il y a, elle se cache au final sous le masque du retour au foyer où le déni des crimes commis durant la guerre et le machisme de son mari retrouvé figent le visage de l’héroïne en une inquiétante paralysie faciale. G. L. Avec Eva Mattes, Ernst Jacobi All., 2 h 03 1981 / The Decline of Western Civilization de Penelope Spheeris Deux choses expliquent la longue fascination qu’a toujours inspirée The Decline of Western Civilization. La première tient à son affiche, qui était aussi la pochette de l’album qui fit la réputation de ce documentaire brutal sur la scène punk à Los Angeles, sorti en 1981. On y voyait Darby Crash, des Germs, allongé, les yeux clos. Une affiche conçue à l’automne 1980, peu de temps avant que le chanteur ne se suicide en s’injectant une surdose d’héroïne, à 22 ans – le 7 décembre 1980, la veille de l’assassinat de John Lennon. De fait, les moments concernant les Germs sont les plus stupéfiants du film, parce que le groupe était sur scène l’incarnation du chaos bannis de quasiment tous les clubs, et The Decline… est un film à 75 % constitué de scènes live, mais voir Darby et sa copine décrire les photos qu’ils ont shootées avec des amis autour du cadavre d’un peintre mort d’une crise cardiaque au rez-de-chaussée de leur appart est le résumé nihiliste d’un mouvement né de l’ennui dégénéré des banlieues américaines. La grande spécificité de ce documentaire est surtout de montrer à quel point cette scène, aussi violente soit-elle, était emmenée par une poignée de filles intelligentes et vénères Exene Cervenka de X, Alice Bag des Bags, plus une moitié des Germs, jusqu’à la journaliste Melanie Nissen, du légendaire fanzine Slash. En aurait-il été ainsi si The Decline... n’avait pas été l’œuvre d’une réalisatrice ? Soit l’incroyable Penelope Spheeris, fille d’un immigré grec, forain, assassiné quand elle avait 9 ans, ayant grandi dans des mobile homes, parmi les trailer trash, cette sous-population fauchée qui habite les trailer parks. La base même de l’exclusion sociale qui fait l’ADN du punk, elle connaît. Aussi le punk-rock est partout dans les films suivants, que ce soit Suburbia 1984, The Boys Next Door 1985, avec Charlie Sheen ou même Wayne’s World, son tube de 1992 avec Mike Myers. Cette maverick est par ailleurs la cousine du cinéaste Costa-Gavras. P. A. Avec Alice Bag, Black Flag 1981 / Neige de Juliet Berto Pour son premier film coréalisé en 1981 avec son compagnon Jean-Henri Roger, Juliet Berto, actrice nouvelle vague Godard, Rivette, a choisi le titre Neige par goût d’un jeu entre les mots la neige désigne plus ici le nom de code de la drogue dure héroïne, cocaïne qu’un phénomène météo. Entre la place Blanche autre nom à tiroir et Pigalle, Anita Juliet Berto, barmaid, se démène entre toxicos, flics, dealers et divers marginaux. Dans ce film noctambule, la lumière fait rage, captée dans ses clairs-obscurs par le directeur de la photographie William Lubtchansky. On parla à l’époque de réalisme poétique. On pourrait aujourd’hui parler de réalisme tout court, tant Neige apparaît comme un quasi documentaire sur un underground parisien disparu, mais gorgé d’une tendresse, toujours d’actualité, pour les moins que rien. Et puis LA Berto, telle qu’elle fut chantée par Yves Simon Belle et opalescente, partie à jamais en 1990 “au pays des merveilles de Juliet.” Avec Jean-François Stévenin, Juliet Berto, Robert Liensol Fr, 1h30 1 h 41 1981 / Freak Orlando d’Ulrike Ottinger Contemporaine mais dissidente du nouveau cinéma allemand des années 1970, croisant néanmoins le travail de Werner Schroeter avec qui elle partage une égérie, lesbienne militante, Magdalena Montezuma, et une certaine exubérance lyrique, Ulrike Ottinger a construit l’une des œuvres les plus débridées et folles du cinéma mondial. Bouffonnerie carnavalesque où trône, impériale, Delphine Seyrig, Freak Orlando porte au sommet le style convulsif et strident de la cinéaste. L. Avec Magdalena Montezuma, Delphine Seyrig, Albert Heins All. de l’O., 2 h 06 1982 / Boat People d’Ann Hui La Hong-Kongaise Ann Hui née en 1947, l’une des rares femmes cinéastes de son pays, surgit en 1982 au Festival de Cannes avec Boat People. Titre international trompeur l’original se nomme Passeport pour l’enfer, car cette fiction ne décrit pas l’exode des Vietnamiens mais la situation du pays dans les années qui suivirent le retrait des troupes américaines. S’appuyant sur des entretiens avec des réfugiés vietnamiens, collectés pour un documentaire télé réalisé en 1979, Boat People, sans pathos à sensation, décrit l’arrière-monde d’une situation politique et économique catastrophique dictature et famine. G. L. Avec George Lam, Cora Miao 1 h 49 1983 / Rue Cases-Nègres d’Euzhan Palcy Adapté du roman autobiographique de Joseph Zobel publié en 1950, Rue Cases-Nègres nous plonge dans le contexte du gouvernorat des années 1930 de la Martinique. Dans un milieu agricole, José, 11 ans, orphelin élevé par sa grand-mère, travaille dans des champs de canne à sucre mais aspire à une éducation. A travers cette réécriture fidèle, la Martiniquaise Euzhan Palcy scrute une société où l’esclavagisme aboli a laissé des traces profondes. Elle obtient, en 1983, le Lion d’argent du meilleur premier film à la Mostra de Venise et est la première femme à recevoir le César, l’année d’après, de la meilleure première œuvre. F. C. Avec Darling Légitimus, Douta Seck Fr., 1 h 40 1985 / Sans toit ni loi d’Agnès Varda Le cinéma expressif d’Agnès Varda trouve en 1985 sa grâce la plus entière en accompagnant sur la route une fille sale et libre, Sandrine Bonnaire, qui n’avait pas 18 ans. Sans toit ni loi restauré continue d’appartenir au genre des films parfaits. Et Varda d’être, parmi ceux qui commencèrent à la fin des années 50 à transformer la visée du cinéma, celle qui cherche la maîtrise de l’expressivité inventer des formes qui transmettent directement, plastiquement, le sens d’une expérience humaine. Or elle le fait en peignant le trajet d’un personnage qui reste mystérieux présente et illisible par tous. C’est qu’il n’y a rien à lire que cette présence et les lieux qu’elle traverse, toute interprétation de sa vie par ceux qui la croisent équivalant au malaise de la “société” devant ces deux valeurs asociales liberté, saleté. Le destin de Mona, c’est la pure expressivité sans loi, sans langage. Avec Sandrine Bonnaire, Macha Méril, Stéphane Freiss Fr, 1h45 1985 / Recherche Susan désespérément de Susan Seidelman De toutes les tentatives cinématographiques de Madonna, la première fut la meilleure, avec cette aventure sautillante dans le New York du milieu des années 80, où deux femmes Madonna, en petite délinquante sortie de prison, Rosanna Arquette en femme au foyer désespérée façonnent leur émancipation au son d’Into The Groove. La réalisatrice Susan Seidelman s’est inspirée notamment du grand film seventies de Jacques Rivette, Céline et Julie vont en bateau. Elle avait auparavant mis en scène un premier long-métrage culte sur les années post-punk, Smithereens 1982, avec l’iconique Richard Hell du groupe Television et une bande-son des Feelies – à la clef, une sélection cannoise en compétition. Seidelman se démarquera plus tard en réalisant plusieurs films comme Cookie, en 1989, co-écrit par Nora Ephron, mais également dans les séries, dirigeant notamment le pilote de Sex And The City en 1998. Avec Rosanna Arquette, Madonna, Aidan Quinn Américain, 1h44 1986 / Sleepwalk de Sara Driver Production de la nouvelle école indépendante new-yorkaise, Sleepwalk suit le personnage de Nicole, une jeune claviste dans une imprimerie qui va traduire un mystérieux manuscrit chinois à la demande de deux personnages menaçants. Le livre, qui se présente d’abord comme un conte, sera bientôt le déclencheur d’évènements des plus étranges. Sara Driver, en suivant l’errance de son héroïne et ses rencontres tant incroyables que terrifiantes, absorbe les influences – du clair-obscur au surréalisme en passant par le performance art – et les utilise au service de son propre style vibrant et singulier. Avec Suzanne Fletcher, Ann Magnuson, Dexter Lee Américain, 1h20 1988 / 36 fillette de Catherine Breillat “Contre le monde, contre la vie” aurait pu être l’autre titre de 36 fillette, qui suit à la trace son héroïne, Lili, 14 ans, bloc de colère et de dégoût, l’envers d’un désir qui la déborde et frappe d’inanité tout ce qui l’entoure sa famille, son milieu, ses vacances. Breillat marche sur les traces d’un de ses films fétiches Baby Doll de Kazan 1956, surnom d’une femme-enfant qui, sous ses airs mutins, cache une bombe de sensualité dégoupillée au milieu des hommes. La cinéaste reprend le canevas mais décuple l’érotisme, la transgression, la noirceur. Lili rencontre un quadragénaire play-boy, vulgaire, les huis clos s’enchaînent comme à l’intérieur d’une scène mentale et on ne sait plus vraiment qui est le chat, qui est la souris. Lili découvre la volupté qu’il y a à dire oui, puis à se refuser, hésiter. A mener un homme à la baguette en soufflant le chaud et le froid. Grand film aussi sur la malédiction des jeunes filles, obligées de penser leur sexualité en termes de pureté et de souillure, alors qu’elles veulent seulement prendre leur pied. On ne remerciera jamais assez Breillat d’avoir filmé des personnages qui brûlent d’une passion purement sexuelle, d’avoir reconnecté le désir à la cérébralité. M. J. Avec Delphine Zentout, Etienne Chicot, Jean-François Stévenin Fr., 1 h 26 1988 / Salaam Bombay de Mira Nair Récompensée par la Caméra d’Or au Festival de Cannes en 1988, Salaam Bombay suit Krishna, un petit garon de dix ans abandonné à Bombay, devenant Chaipu, porteur de thé dans la rue, afin de récolter 500 roupies pour rentrer chez lui. Pour son premier long-métrage à la frontière de la fiction et du documentaire, Mira Nair délaisse les studios de Bollywood, s’affranchit des codes traditionnels du cinéma populaire indien afin de plonger dans l’agitation de Bombay. La cinéaste, diplômée en sociologie, parvient à passer à travers le piège de l’apitoiement en signant un film immersif et métaphysique où violence et sentiments s’entrechoquent, bref un film qui parle aussi de son temps. Avec Shafiq Syed, Irrfan Khan, Raghubir Yadav Indien, 1h53 1989 / Mon XXe siècle d’Ildikó Enyedi Mon XXe siècle est un film de la hongroise Ildikó Enyedi, qui emporta la Caméra d’Or du premier film en 1989 au festival de Cannes. C’est un récit d’une fantaisie sidérante qui suture la présentation de la première ampoule électrique par Edison le 31 décembre 1879 dans le New Jersey, et la naissance le même jour à Budapest de jumelles, Dóra et Lili. Devenues orphelines, les petites filles survivent en vendant des allumettes dans les rues, avant qu’un mystérieux kidnapping les sépare. La nuit du nouvel an 1900, Dóra et Lili se retrouvent par hasard à bord de l’Orient Express. Dóra, madone des sleepings, un peu pute, un peu voleuse, et Lili, militante féministe et anarchiste Qui est du côté de la lumière, qui est du côté de l’ombre ? Ildikó Enyedi ne choisit surtout pas, suggérant que chacune à leur fenêtre, les deux héroïnes hurlent la même chose debout les femmes ! Et que la lumière soit, comme disait Edison… Avec Dorota Segda, Oleg Yankovskiy, Paulus Manker Hongrois, 1h42 1990 / Paris Is Burning de Jennie Livingston Certains films ne vieillissent pas. Il arrive même que le passage du temps leur offre une chambre d’écho avec leur présent dont les dimensions ne cessent de s’étendre. Documentaire mythique sur la contre-culture ball new-yorkaise des années 1980-90, Paris Is Burning anticipe un terme devenu central dans les luttes contemporaines l’intersectionnalité terme d’ailleurs inventé quasi simultanément à la sortie du film, en 1989, par Kimberlé Crenshaw. Pendant six ans, Jennie Livingston a filmé les concours de voguing et interrogé leurs participants. Ce qu’elle célèbre sans le savoir est une convergence des luttes où se rejoignent en creux critiques de l’homophobie, de la transphobie, du racisme et problématiques liées à la lutte des classes, au sida et à la prostitution. Mais Paris Is Burning porte aussi en lui le germe d’une tendance qui se popularisera avec les réseaux sociaux encapsuler sa vie dans une représentation éphémère de soi qui prend l’apparence de la célébrité. Il n’y a rien d’étonnant à ce que le film connaisse un héritage récent avec la série Pose de Ryan Murphy ou Port Authority de Danielle Lessovitz 2019. Paris is still burning. B. D. Avec Brooke Xtravaganza, André Christian, Dorian Corey 1 h 11 1991 / Le Petit Homme de Jodie Foster Pour la plus française des actrices américaines, 1991 est une année décisive, marquée d’un côté par son rôle légendaire dans Le Silence des agneaux, et de l’autre par la sortie de son premier long-métrage. Portrait d’une femme simple confrontée à la précocité de son jeune fils, Le Petit Homme est un drame bouleversant dans lequel Foster, âgée alors de 29 ans, utilise son propre passé d’enfant star pour éclairer les thèmes du don et de la solitude, du lien complexe et ambivalent d’une mère avec son petit garçon. Deux profils féminins s’y affrontent le premier porté par un amour instinctif Foster, face à une tutrice jouée par Dianne Wiest obsédée par la performance et l’ambition. Ses trois films suivants n’auront pas tout à fait la même grâce. E. B. Avec Jodie Foster, Dianne Wiest 1 h 39 1991 / Border Line de Danièle Dubroux Polar psychique idéal, Border Line est l’histoire d’une idée fixe. Celle d’Hélène, une femme persuadée, contre toutes les apparences et toutes les rationalités, que Julien, un jeune homme dont elle a très bien connu le père, est son fils. Passant de la névrose à la psychose, le personnage d’Hélène, interprété magistralement par Danièle Dubroux en personne, nous embarque dans un drôle de voyage qui navigue d’un réalisme apparent à une manière de fantastique très personnel. Dans un style ligne claire, Dubroux projette une étrange lumière sur le désir de maternité et ses zones d’ombre, mais également sur les fantasmes incestueux. Border Line est un geste rare, unique, dangereux, l’un de ces films qu’on aimerait tellement voir ressurgir surles écrans. T. J. Avec David Léotard, André Dussollier, Jacques Nollot Fr., Sui., 1 h 30 1992 / Nitrate Kisses de Barbara Hammer Dyketactics 1974, Multiple Orgasm 1976, Women I Love 1979… Les films de Barbara Hammer – par ailleurs petite fille de l’actrice du cinéma muet Lilian Gish – dressent une cartographie pionnière du cinéma lesbien, dont l’apogée s’est incarné dans son premier long métrage, réalisé après près de vingt ans de carrière. Mêlant interviews, images d’archives et scènes de sexe, l’important Nitrate Kisses est l’ouverture d’une trilogie consacrée aux luttes et sexualités lesbiennes et gays, du point de vue des plus minorisées personnes racisées et âgées notamment. Admiratrice de Maya Deren, activiste infatigable, Hammer a passé sa vie à transmettre sa vision des puissances féminines comme on mettrait en lumière un continent caché. Elle est morte l’année dernière à l’âge de 79 ans. O. J. Avec Jerre, Maria, Ruth 1 h 07 1992 / Gas, Food, Lodging d’Allison Anders Focus sur trois femmes vibrantes perdues au fin fond d’un désert poussiéreux du Nouveau-Mexique. Basé sur le roman Don’t Look and It Won’t Hurt de Richard Peck, le film, sorti en 1992, relate la vie houleuse d’une mère célibataire et de ses deux adolescentes turbulentes. Si les relations des femmes aux hommes donnent au film ses tournants, le message principal réside avant tout dans le lien féminin. L’une des grandes réussites de la cinéaste Allison Anders est qu’elle touche à toutes les bonnes questions des femmes de la classe ouvrière contemporaine sans jamais être farouchement anti-hommes. Sans jamais effleurer le feuilleton romantique, Anders, toujours avec un style épuré et laconique, étudie en quelque sorte comment les femmes trouvent leur force intérieure, pleine de grâce et d’espoir, afin de guérir leurs vieilles blessures. Avec Brooke Adams, Ione Skye, Fairuza Balk Américain, 1h41 1993 / La Leçon de piano de Jane Campion Au XIXe siècle, la silhouette corsetée d’Ada débarque sur une plage de Nouvelle-Zélande. Sa fille et son piano l’accompagnent dans sa nouvelle vie d’épouse contrainte. Ada a perdu sa voix, elle ne communique qu’en touchant son piano et en plantant son regard charbonneux dans celui de ceux qui tentent de la dominer. La rencontre avec un homme de l’île va lui redonner son corps. La caméra synesthésique de Jane Campion déborde de sensualité. Chaque geste d’Ada caresse l’écran de cinéma, Campion invente un langage amoureux avec une parole qui ne part pas du logos – le discours, la raison, la logique –, mais de la glossa – une langue liée au corps, à la glotte, au corps caverneux de la bouche. Car même si l’héroïne n’émet pas le son de sa voix, son corps, lui, hurle à chaque plan son désir de liberté. I. B. Avec Holly Hunter, Harvey Keitel Aust., Fr., 2 h 01 1993 / Travolta et Moi de Patricia Mazuy Le feu et la glace, une ado incendiaire qui fout le feu chez ses parents et un jeune homme patineur qui exécute des saltos avec grâce, The Clash et Joe Dassin, le punk et la disco, l’embrasement sensuel de la puberté et le grand gel existentiel du désir de mort pour son deuxième film, Patricia Mazuy imagine un coming-of-age movie tout en oxymores. Les émotions et les formes s’affrontent dans un teen movie sidérant d’emportement lyrique. Appartenant à une collection d’Arte sur l’adolescence, ce chef-d’œuvre enfiévré ne connut qu’une diffusion télé et aucune sortie en salle ou édition vidéo en raison d’une bande-son trop chère, gorgée de tubes des Bee Gees. L. Avec Leslie Azoulay, Thomas Klotz Fr., 1 h 07 1994 / Pas très catholique de Tonie Marshall Moins célébré que Vénus Beauté, Pas très catholique est peut-être le film de Tonie Marshall le plus vivant. Portrait d’une femme, Maxime, sorte de Philip Marlowe au féminin, incarnée idéalement par Anémone et sa gouaille légendaire qui trouve ici un de ses tout meilleurs emplois, oscillant entre enquête et introspection, sur fond de ténébreuses affaires, le deuxième long-métrage de Tonie Marshall est avant tout une salutaire célébration de la liberté sexuelle et morale. Féministe, tendance anar, Pas très catholique n’oublie jamais la mélancolie du temps qui passe. Son charme un peu brinquebalant n’en est que plus grand. Avec Anémone, Michel Roux, Roland Bertin Fr, 1h40 1994 / Petits Arrangements avec les morts de Pascale Ferran Dans le premier long-métrage de Pascale Ferran trône fragilement un château de sable. Une construction forcément éphémère et toujours à reconstruire autour de laquelle tournent un frère et deux sœurs, plus un enfant, Jumbo. Polyphonique en matière de récits, de personnages mais aussi en termes de mixage des temporalités, Petits Arrangements... affirme un tempérament mélancolique et cérébral, celui d’une cinéaste travaillée par le deuil, la famille et le cinéma de Resnais ou de Truffaut tendance La Chambre verte. Le regard féminin n’y est jamais vraiment frontal, plutôt oblique et souterrain, comme tous les courants et tous les désirs qui traversent ce film marquant qui gagna, à juste titre, la Caméra d’or en 1994. T. J. Avec Charles Berling, Catherine Ferran, Didier Sandre Fr., 1 h 48 1996 / Clueless d’Amy Heckerling Emblème de la décennie en termes de teen movies, Clueless s’affirme un peu comme une réécriture logique du roman littéraire Emma de Jane Austen. Avant même de réaliser un film pour adolescentes, Amy Heckerling interroge la pression sociale et hiérarchique de sa propre héroïne, Cher, interprétée par Alicia Silverstone. Sans jamais tomber dans la méchanceté, le cynisme, ou l’idiotie, la réalisatrice créer un personnage, certes princesse, mais emplis de puissance et de responsabilité. Avec un regard tendre porté sur l’adolescence, Clueless s’inscrit dans les classiques du genre, et de l’empowerment féminin d’une certaine manière. Avec Paul Rudd, Donald Faison, Alicia Silverstone Américain, 1h38 1998 / Os Muntantes de Teresa Villaverde Au fin fond d’une ville portugaise, trois jeunes adolescents en proie à la misère, à la drogue et à la prostitution, vivent dans la rue tels des survivants. Sélectionné à Un Certain Regard en 1998 au Festival de Cannes, le film livre un essai poétique et philosophique. Grâce à ses recherches documentées sur les jeunes enfermés dans des centres de réinsertion sociale au Portugal, la cinéaste image ce qu’elle appelle “mutants”, des êtres exceptionnels qui ne se résignent jamais. Dans les années 1990, alors que de nombreux réalisateurs tels que Pedro Costa ouvrent de nouvelles perspectives, Teresa Villaverde s’impose comme l’une des nouvelles voix féminines du cinéma portugais. Avec Ana Moreira, Alexandre Pinto, Nelson Varela Portugais, 1h54 1999 / Virgin Suicides de Sofia Coppola On peut distinguer deux catégories de premiers films. Ceux qui, dans un geste de déférence cinéphile, construisent des mondes nouveaux mais restent immanquablement hantés par un héritage. Et ceux qui, pour exister, n’ont d’autres choix que de le tuer. Virgin Suicides, premier long métrage de Sofia Coppola adapté du roman de Jeffrey Eugenides, se situe à la jointure de ces deux champs. C’est un film kamikaze, qui convoque un genre défini le teen movie pour mieux le tordre de l’intérieur. Nous voici au cœur d’une banlieue bourgeoise américaine, au début des années 1970. Dès son ouverture, le film rompt avec la candeur de son décor chic et sophistiqué à outrance l’équivalent d’un bain moussant et parfumé. La tragédie est révélée c’est ici que les sœurs Lisbon se sont donné la mort. La suite est un compte à rebours funèbre, obsédé par une énigme que des garçons, des années après le drame, tentent de résoudre. Si le mystère demeure, immense, c’est que dans ce monde puritain, le mal qui asphyxie les filles est si commun qu’il en demeure invisible. Chronique adolescente, élégie aérienne, Virgin Suicides a aussi valeur de manifeste féministe seul le sacrifice sauvera ces héroïnes des griffes du patriarcat. M. D. Avec Kirsten Dunst, Josh Hartnett, James Woods, Kathleen Turner 1 h 37 1999 / La vie ne me fait pas peur de Noémie Lvovsky Réécriture pour le cinéma du magistral Petites que Noémie Lvovsky avait réalisé pour Arte, La vie ne me fait pas peur est un grand film sur l’adolescence, cet âge des possibles qui bute sur l’impossible. En suivant une bande de quatre jeunes filles aux destins croisés et bientôt divergents, Noémie Lvovsky se remémore évidemment sa propre adolescence au cœur des années 1970 sur un mode pop et remuant. Bordélique et excessif, le film déborde de partout, et c’est très bien comme ça. Parfois, les larmes et la rage se mélangent au point que le film pourrait parfois changer de titre et s’appeler A l’ombre des jeunes filles en pleurs. Mais, au final, c’est l’énergie et la couleur qui triomphent. T. J. Avec Julie-Marie Parmentier, Magali Woch Fr., Sui., 1 h 51 1999 / Boys Don’t Cry de Kimberly Peirce Pour beaucoup de femmes et d’hommes trans, Boys Don’t Cry correspond à la première fois où ilelles se sont vues sur un écran. Pour d’autres, le film de Kimberly Peirce a révolutionné leur regard en mettant en scène le concept d’identité transgenre chez des adolescents. Interprété par Hilary Swank jeune récompensée par l’Oscar de la meilleure actrice cinq ans avant son second triomphe, en 2005, dans Million Dollar Baby, que l’on découvre transfigurée en sublime tomboy amoureux de Chloë Sevigny, ce mélo baroque imbibé de culture nineties a marqué la culture LGBT + sans jouir d’une aura à sa hauteur dans l’histoire récente du cinéma américain. E. B. Avec Hilary Swank, Chloë Sevigny 1 h 58 1999 / Beau Travail de Claire Denis Depuis son premier film, Chocolat, Claire Denis est liée à l’Afrique, autant continent que territoire de son imaginaire. En 2009, elle y revient, à Djibouti, où s’activent quelques soldats de la Légion. Ce pourrait être le début d’un honorable porno gay. C’est l’ouverture d’une tragédie antique d’une part, un ex-adjudant-chef Denis Lavant, héros déchu exilé à Marseille, d’autre part, un chœur d’hommes qui commente sa chute et conspire à l’augmenter. Le point de vue, vivement en trans, n’est pas celui d’une femme regardant des hommes, mais celui d’un exclu, hyper-spectateur d’un Eden-Cinéma où rien n’apparaît des trouffionneries, mais où tout transpire de rituels étranges, presque abstraits, chorégraphiés souvent, torturés parfois. Comme toujours chez Claire Denis, le visage de la violence est celui d’un doux ange, fatalement exterminateur. Beau Travail est écrit sur le vent du désert, comme Melville lançait son Billy Budd au fil des océans. Beauté fragile et jeunesse éphémère comme jumeaux d’une même utopie le cinéma pour toujours. Beau Travail est un beau film. G. L. Avec Denis Lavant, Grégoire Colin Fr., 1 h 30 1999 / Vorace de Antonia Bird Œuvre inclassable du fait d’un vrai mélange des genres, Vorace sort dans l’indifférence générale en France, fait un flop au box-office américain, mais n’en reste pas moins un grand film, basé sur le fait divers de la tragédie du passage de Donner durant l’hiver 1847, qui gagne à être connu. Malgré un tournage difficile Antonia Bird n’était pas le premier choix à la réalisation, notamment, le film se démarque par son humour noir et sa bande originale à la fois décalée et obsédante, que l’on doit à Michael Nyman et Damon Albarn. Avec Guy Pearce, Robert Carlyle, Jeremy Davies Américain, 1h41 2000 / Scarlet Diva de Asia Argento Pour sa première réalisation, Asia Argento raconte l’histoire d’Anna, une actrice qui tente de passer à la mise en scène et qui de Rome à Los Angeles croise tout ce que le show-buisness compte de rock-stars perchées, de freaks en tous genres et de producteurs priapiques suivez mon regard. Asia est donc Anna, et Anna est une sorte d’Alice carollienne arpentant un nightmare halluciné, où la jeune femme semble se réapproprier la figure de vierge sadisée que son père Dario avait modelée pour elle. De Charybde en Sylla, de sado en maso, de gore en trash, Asia/Anna Argento ne calme sa transe que le temps d’un sublime face à face avec son reflet dans une glace sur Wild is the wind de Nina Simone aussi puissante que le rasage ensanglanté du Big Shave de Scorsese. Asia se fait les aisselles méticuleusement, se prépare, se maquille, et lorsque l’image ressemble à ce qu’attendent d’elle les autres, elle défait l’ensemble d’un revers de main, écrase le rouge à lèvres, fait couler le mascara sous les larmes. Entre narcissisme et haine de soi, figuration et défiguration, autoparodie et autocombustion, le film est un feu de bengale, divin et écarlate. Avec Asia Argento, Jean Shepard, Vera Gemma Italie, 1h31 2000 / Baise-moi de Virginie Despentes et Caroline Trin Thi Baise-moi c’est beaucoup de choses. C’est d’abord l’adaptation du premier livre de Virginie Despentes, par elle-même et Caroline Trin Thi, hardeuse chevronnée. Ensuite c’est le film qui a déclenché une polémique et une censure rarement vue en France ; interdit aux -16, retiré des salles deux jours après sa sortie car classé X, il ressort finalement en salle avec une nouvelle classification interdit aux -18 » spécialement créée pour le film. Entre les deux, c’est un Telma et Louise porno et gore, qui, s’il a certes mal vieilli la laideur de l’image des premières caméras numériques et la bande-son où figure des groupes comme Le Peuple de l’herbe, abrite encore un esprit punk, provocateur et un désir de jouir en se foutant des règles social et de la morale. B. D. Avec Raffaëla Anderson, Karen Bach, Patrick Eudeline Fr, 1h15 2000 / Les glaneurs et la glaneuse d’Agnès Varda Agnès Varda, cinéaste de la proximité et de la liberté, glaneuse d’images du titre de ce documentaire, suit à l’aide d’une petite caméra numérique des glaneurs urbains et ruraux qui ramassent les restes dont les autres ne veulent pas, par nécessité mais aussi par choix. On croise ainsi la route d’un riche viticulteur, d’un RMIste, d’un grand chef et de sans-abris. Sorte de road-movie à pied, en voiture et en train, le mouvement de ce “documentaire-routard” est à la fois géographique, historique, social, juridique et esthétique. 2001 / La Ciénaga de Lucrecia Martel Dans l’ambiance tropicale des alentours d’une piscine, quelques adultes au bord de l’ivresse s’enlisent sous les yeux d’une enfant. Premier long-métrage de l’Argentine Lucrecia Martel, La Ciénaga qui signifie “marécage” en espagnol est un festival de sensations troubles, d’odeurs déliquescentes, de sons assourdis et moites, de couleurs saturées. Plus qu’un récit autobiographique, La Ciénaga prend la forme d’une collection d’ambiances menaçantes qui aborde, au passage, la condition des femmes à travers l’aliénation d’une mère déçue par la vie mais incapable de s’échapper d’une famille toxique. Un grand premier film sans aucun doute. T. J. Avec Mercedes Morán, Graciela Borges Arg., Fr., Esp. Jap., 1 h 43 2001 / Trouble every day de Claire Denis Le cinéma punk, trans et physique de Claire Denis a cela de particulier qu’il pousse sur les zones frontalières, qu’il aime s’aventurer en terre incertaine et ne jamais se fixer là où on l’attend. La réalisatrice flirte avec les limites entre l’humain le désir sexuel et l’inhumain la perversion ; où ce qui est jugé comme telle par les protagonistes en faisant du corps son motif de prédilection. C’est Les Salauds, High Life, Beau Travail, J’ai pas sommeil et bien sûr Trouble Every Day. Vincent Gallo et Beatrice Dalle y incarnent des personnages partageant une même confusion sexuelle entre soif d’amour et de sang ; ils aiment la chair autant qu’ils s’en nourrissent. Cela donne un chef-d’œuvre d’horreur gore, servi par la photographie sublime d’Agnès Godard et la bande-son des Tindersticks, un film sensoriel, un conte de vampire moderne où se mêlent prédation et consentement sexuelles. Avec Tricia Vessey, Béatrice Dalle, Alex Descas Fr, 1h40 2001 / A ma sœur de Catherine Breillat Possiblement autobiographique et vraiment fantasmatique, A ma sœur est un précipité du cinéma de Catherine Breillat. D’une crudité souvent au scalpel, le film de Breillat radiographie d’abord, avec génie, les pulsions d’une jeune fille, obsédée par son dépucelage mais qui se trouve bien plus laide que sa sœur, un canon. Longtemps naturaliste, A ma sœur bascule finalement dans la folie d’un épilogue sidérant qui met à jour le désir sexuel au féminin sur son versant le plus dérangeant. Conte cruel de la jeunesse, pas consensuel pour un sou, A ma sœur est un film vraiment troublant. Hérétique avant tout, y compris pour les féministes les plus radicales ! Avec Anaïs Reboux, Roxane Mesquida, Libero De Rienzo Fr, 1h33 2003 / Monster de Patty Jenkins Aileen vit de son activité de prostituée et sillonne, canette de bière à la main, les routes sans âme d’une banlieue américaine. Elle rencontre Selby, une jeune lesbienne dont elle tombe rapidement amoureuse, ce qui la poussera à changer de vie. Charlize Theron, au-delà d’être méconnaissable elle prend 15 kilos et porte des prothèses sur le visage pour cette interprétation est surtout magistrale dans ce premier grand rôle qui constituera son acte de naissance en tant qu’actrice et dont la performance lui vaudra un Oscar. Avec Charlize Theron, Christina Ricci, Bruce Dern Américain, 1h51 2003 / An Angel at My Table de Jane Campion Pour son deuxième long-métrage, Jane Campion livre un des films les plus marquants des années 90. An Angel at My Table relate l’enfance de l’écrivaine néo-zélandaise Janet Frame marquée par le deuil, la dépression et l’exclusion. Au bord du gouffre et en lutte contre ses propres démons, la romancière brave les conventions en trouvant refuge dans la poésie. Si cet exercice immersif traite de la folie, le film rend également hommage à l’anticonformisme et à la solitude de l’artiste. Au travers d’une écriture et d’une esthétique féminine, Jane Campion, parle du combat complexe des femmes à exister dans une société qui les excluent. Avec Kerry Fox, Alexia Keogh, Karen Fergusson Néo-zélandais, 2h38 2003 / Il est plus facile pour un chameau de Valeria Bruni Tedeschi “Il est plus facile pour un chameau de passer par le chas d’une aiguille que pour un riche d’entrer au royaume des cieux”. Si le titre est tiré d’un passage de la Bible, son film est lui surtout inspiré de sa vie. Federica, interprétée par elle-même, est une femme, la trentaine, fille d’immigrés italiens prise de culpabilité du fait d’être immensément riche. Accablée par son héritage, elle va se réfugier dans son imaginaire. Dans son premier long-métrage en tant que réalisatrice, Valeria Bruni Tedeschi expose non seulement sa personnalité rêveuse, mais parle aussi du désir d’affranchissement. Avec Valeria Bruni Tedeschi, Chiara Mastroianni, Jean-Hugues Anglade Fr, 1h50 2003 / Shara de Naomi Kawase On connaît l’histoire un enfant disparaît et sa figure absente ruine la vie d’une famille bien des années après. De ces mélos fantomatiques on en a mangé mille et cent. Alors pourquoi ce sentiment, face à Shara, de n’avoir jamais vu ça ? C’est que la réalisatrice Naomi Kawase amène avec elle sur ses plateaux quelques tours spécifiques. Par exemple celui-ci engager un caméraman travaillant d’ordinaire dans le champ du documentaire et ne pas lui donner de script pour qu’il filme chaque scène avec les tremblements du direct. Ainsi, trouver un regard inédit sur des personnages ne passe pas nécessairement comme on pourrait le croire par l’invention d’une maîtrise nouvelle mais aussi par des ruses imprévues pour troubler/égarer les maîtrises anciennes. La beauté du résultat dans Shara est terrassante. Toutes les péripéties de la fiction surgissent à l’écran comme des événements. A l’instar du grand orage d’été qui vient bouleverser d’un coup la parade finale. Avis aux chercheurs d’or qui n’a pas vu la pluie tomber chez Kawase ne sait pas ce qu’est la joie. P. B. Avec Kohei Fukungaga, Yuka Hyyoudo Jap., 1 h 40 2004 / Mystification ou l’histoire des portraits de Sandrine Rinaldi Mystification est une adaptation d’un récit de Diderot, transposé de nos jours. Pour son premier moyen-métrage il y en aura un second trois ans plus tard, Cap Nord, Sandrine Rinaldi également critique de cinéma sous le pseudo de Camille Nevers retient de Diderot le goût des cruelles machinations, des collusions secrètes, de l’alliance opaque entre les règles sociales et les raffinements du libertinage, mais plus encore la langue du texte original, qu’il s’amuse à chahuter. Que la machination prenne satisfait peut-être davantage le désir informulé de celle qu’on mystifie que ceux qui croient la manipuler. Qui désire quoi ? Qui aime encore ? Et qui met en scène ce sac de nœuds, d’incertitudes et de regrets informulés ? Voilà l’imbroglio que le film emmêle avec un humour distant et une grande inspiration visuelle. Avec Camille Cayol, Laurent Lacotte Fr., 59 min 2005 / Marseille d’Angela Schanelec Sophie, une jeune photographe allemande, échange son appartement avec une étudiante habitant à Marseille. Elle rencontre Pierre, un mécanicien, avec qui elle flirte puis, une fois rentrée à Berlin, retrouve les choses comme elle les a laissées – notamment son amour pour le mari de sa meilleure amie Hanna. Avec ce film, un des représentants du nouveau cinéma allemand des années 2000, aux antipodes de la théâtralité expressionniste qui a fondé le cinéma allemand notamment grâce à la modernité de la mise en scène et du récit, Angela Schanelec signe une œuvre tiraillée entre l’espoir et un éternel retour à la case départ, avec la solitude de son personnage principal en toile de fond. Avec Maren Eggert, Emily Atef, Alexis Loret Allemand, 1h35 2005 / Innocence de Lucile Hadzihalilovic Adapté d’une nouvelle allemande de Frank Wedekind, Lucile Hadzihalilovic livre un premier film des plus singuliers du cinéma français contemporain. Dans une forêt coupée du monde, l’arrivée d’une nouvelle fille dans un étrange pensionnat pour fillettes va bousculer leur quotidien. L’intrigue nébuleuse étroitement inspirée du Suspiria de Dario Argento et de Pique-nique à Hanging Rock de Peter Weir, dessine, à travers mutations et éveil, le passage de l’enfance à l’adolescence. Là où réside tout l’équilibre du film est que le regard féminin derrière la caméra, capte l’innocence comme la sexualité, sans jamais créer quelconque malaise, qu’un œil masculin incompris aurait pu avoir. Hadzihalilovic met en scène un récit sombre et candide à la fois, miroir de la complexité que d’être une jeune fille. Avec Zoé Auclair, Lea Bridarolli, Bérangère Haubruge Fr, 1h55 2006 / Lady Chatterley de Pascale Ferran Constance Chatterley, jeune femme de la haute bourgeoisie anglaise, est enfermée dans son mariage avec les responsabilités et devoirs que cela implique. Lorsqu’elle rencontre Parkin, le garde-chasse du domaine, c’est le début d’un difficile apprivoisement, un éveil à la sensualité pour la lady et un long retour à la vie pour l’amant. Entre orfèvrerie du découpage, majesté des durées et incandescence des émotions, ce film fiévreux est une petite merveille de sensibilité, d’intelligence de cinéma, d’une puissance d’expression d’autant plus forte et admirable qu’elle n’a l’air de rien. Avec Marina Hands, Jean-Louis Coulloc’h, Hippolyte Girardot Fr, Belge, 2h38 2007 / Tout est pardonné de Mia Hansen-Løve Le ressentiment, son dépassement, ou même l’absence totale de sa formation sont forcément au cœur d’un film intitulé Tout est pardonné. Mais que couvre ce “tout”, qui est pardonné, dans le premier long-métrage de la jeune Mia Hansen-Løve ? Dans la première partie, une famille est désagrégée par la toxicomanie d’un père défaillant. Dans la deuxième, la petite fille du début retrouve à 17 ans ce père et ne ressent contre lui aucune animosité. D’où vient pareille sérénité ? C’est tout le mystère du film. Etrangement ici, le malheur accumulé dans la première partie flotte et ne pèse pas sur la seconde. Entre les deux temps du film, les liens de causalité sont lâches, estompés, prennent des chemins vicinaux, presque invisibles. A 26 ans, Mia Hansen-Løve trouvait du premier coup, et dans toute sa plénitude, la formule magique de son cinéma, mixte de lucidité et de douceur, de proximité sensible et de détachement clairvoyant. L. Avec Paul Blain, Constance Rousseau Fr., 1 h 45 2007 / Persepolis de Marjane Satrapi Encensée par la presse mondiale, l’œuvre autobiographique publiée dans les années 2000 a fait de Satrapi l’une des autrices francophones les plus reconnues. Suite à son adaptation éponyme sur grand écran, Marjane Satrapi, dont le style graphique et narratif personnel avait déjà su retenir l’attention, obtient le Prix du Jury du Festival de Cannes. Persépolis raconte l’histoire récente de l’Iran à travers les yeux de Marjane, en passant de son enfance à Téhéran durant la révolution islamique à son intégration dans la vie européenne. A base de régime dictatorial et de répression, Satrapi arrive à signer une œuvre singulière, universelle et humaniste. Avec les voix de Sean Penn, Iggy Pop, Gena Rowlands Fr, 1h35 2008 / Twilight – Chapitre 1, fascination de Catherine Hardwicke L’exploit de Twilight, la saga de best-sellers de Stephenie Meyer, tenait à sa féminisation des codes de la littérature horrifique pour ados. L’adaptation que signe Catherine Hardwicke réalisatrice d’un film indé remarqué, Thirteen, déjà sur l’adolescence éclaire au passage de ses rayons inversés un secret ultime du genre que nous révèle du désir féminin cette attirance orgueilleuse et obstinée pour une créature qui ne rêve que d’une chose, tuer la femme qui l’aime ? Le film devient dès lors le récit dialectique de la rencontre plus que du conflit entre deux désirs, celui d’une jeune fille qui exige de l’homme qu’elle aime qu’il la tue, et celui d’un vampire contraint, par amour, à… devenir végétarien. Mais à désirer un lion pacifique, ou un vampire végétarien, la jeune héroïne de Twilight risque une fin plus hitchcockienne Soupçons que breillatienne Une vraie jeune fille l’abstinence. H. F. Avec Kristen Stewart, Robert Pattinson 2 h 02* 2009 / Bliss de Drew Barrymore Lorsqu’une actrice qu’on suit depuis longtemps fait son premier film, on se demande toujours s’il ressemblera à ce qu’on connaît d’elle. Soit la petite fille d’E. T. Spielberg, la productrice audacieuse de Donnie Darko Richard Kelly, l’actrice qui essaie d’adapter son physique de rondouillarde aux canons hollywoodiens. Ici, Drew Barrymore choisit une forme de repli joyeux en tablant sur un mixte d’intrigue adolescente classique et d’esprit rebelle un peu carré une jeune fille veut échapper à un destin conventionnel, auquel elle offre une dimension foutraque inattendue la passion pour le sport. Si le cinéma américain a su trouver des exutoires physiques aux adolescents le skate, la danse, le surf, il n’y avait pas grand-chose jusqu’ici pour leurs alter ego féminins. Drew Barrymore leur offre le roller derby, compétitions de roller sur piste où il s’agit de gagner des points en dépassant ses adversaires, voire en les éjectant. Vitesse, agressivité, jolies tenues paillettes et shorts, musique à fond, public surexcité, coups et blessures assurés une forme de gloire tapageuse est là, composant la meilleure partie du film. Avec Ellen Page et Drew Barrymore Américain, 2h 2010 / Winter’s Bone de Debra Granik Ce second film de Debra Granik se démarque par sa sécheresse, sa ténuité psychologique et son refus de céder aux sirènes misérabilistes. Il s’accroche dès les premiers plans aux boots de son héroïne, la taciturne et obstinée Ree exceptionnelle Jennifer Lawrence, révélée par ce rôle, qu’il ne lâchera plus jusqu’à la fin. Vendu comme un film social à l’européenne on pense certes à Ken Loach, Winter’s Bone a tous les traits du western, genre essentiellement américain, abstrait, mythologique. A l’instar de Kelly Reichardt, Debra Granik utilise la crise morale, économique comme pur moteur fictionnel, davantage soucieuse d’en montrer les effets concrets que d’en dénoncer les causes. Point de réel méchant ici mais une attention constante à l’inextinguible flux vital des hommes et des femmes lorsqu’un vieux cow-boy rouillé se saisit d’un banjo, par exemple, qu’un soldat explique longuement, presque en chuchotant, à Ree pourquoi ce n’est pas une bonne idée pour elle de s’engager dans l’armée, ou qu’un enfant se met à faire du trampoline, en apesanteur. Avec Jennifer Lawrence, John Hawkes, Kevin Breznahan Américain, 1h40 2010 / La Dernière Piste de Kelly Reichardt La Dernière Piste ne renvoie pas à une fin mais bien à un début, c’est un récit des origines que réécrit Kelly Reichardt. Dans quatrième film, elle offre à la conquête de l’ouest une nouvelle mythologie, du point de vue des femmes notamment à travers les yeux du personnage incarné par une extraordinaire Michelle Williams, actrice fétiche de Kelly Reichardt et des natifs, plutôt que de celui du mâle blanc. C’est sans-doute son film le plus séduisant plastiquement, on y retrouve cette façon de traiter le paysage comme un territoire abstrait et immense, dont l’écrasante horizontalité écrase la petite verticalité humaine. Dans ce film de silence, de poussière et de ciel voilé, l’essentiel est dans les détails, comme toujours dans l’œuvre de la cinéaste américaine, qui fait plus que jamais preuve dans ce film d’un art contemplatif, brute et minimaliste tout droit hérité de Robert Bresson. Avec Michelle Williams, Paul Dano, Bruce Greenwood Américain, 1h44 2011 / Tomboy de Céline Sciamma Dans les premières scènes de Tomboy, le spectateur voit un petit garçon là où tous les autres personnages ses parents, sa petite sœur voient une petite fille. Dans la suite du récit, il voit une petite fille là où tous les autres croient jouer et chahuter avec un petit garçon. Tendu, intrigant, Tomboy utilise toutes les recettes du film à suspense. Mais Céline Sciamma est particulièrement habile pour manier une dramaturgie très construite, tout en masquant la charpente. Les situations sont intenses, mais c’est la description en profondeur des personnages, l’étude de caractère, qui a le dernier mot. Comme si la cinéaste transposait une certaine efficacité de storytelling américaine dans le vocabulaire du cinéma d’auteur français, puisait dans la boîte à outils d’Aaron Sorkin A la Maison Blanche, The Social Network pour raconter un film de Jacques Doillon. Le film décrit avec une acuité rare l’éboulement du monde dans les yeux de ceux qui n’ont vu que ce qu’ils voulaient voir, n’ont pas vu ce qu’il fallait voir. Cette perturbation, Céline Sciamma la filme avec une touche légère, estompant la gravité par l’humour, sans esquiver la violence de certaines situations. Et elle joint sans forcer la puissance à la finesse. Avec Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson Fr, 1h22 2011 / La guerre est déclarée de Valérie Donzelli “Si tu veux être actrice, écris tes propres films.” C’est encouragé par Jérémie Elkaïm, compagnon et collaborateur, que Valérie Donzelli se lance dans la réalisation. La cinéaste et comédienne devient la reine de ses propres fictions derrière et devant la caméra. Ses récits racontent, avec une trivialité joueuse qui donne à son œuvre cette vibration si singulière, la maternité et le couple. En 2010, ce cinéma autobiographique et irrésistiblement foutraque rencontre un succès retentissant avec La guerre est déclarée, véritable histoire de son enfant malade. Le film, léger et enragé, est une déflagration émotionnelle. Donzelli affine son style et affirme son geste de cinéaste faire du cinéma pour mieux vivre. M. D. Avec Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm Fr., 1 h 40 2012 / Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow Au moment où Kathryn Bigelow réalise Zero Dark Thirty, elle vient de marquer l’histoire en devenant la première femme et toujours la seule à ce jour à décrocher l’Oscar de la meilleure réalisation pour Démineurs 2010, devant son ex-mari James Cameron et Quentin Tarantino. Son statut au sommet du cinéma hollywoodien, où elle mêle action et film de guerre, se confirme avec le film suivant, Zero Dark Thirty, précis et haletant sur la traque d’Oussama Ben Laden. Du splendide raid final presque entièrement dans le noir à l’incroyable assurance du personnage d’analyste de la CIA le meilleur rôle de Jessica Chastain, en passant par la description inspirée du milieu militaire et des hommes entre eux, le talent de Bigelow explose à chaque plan. Aujourd’hui âgée de 68 ans, la réalisatrice du culte Point Break 1991 a perdu de son aura à la suite de l’échec commercial du très controversé Detroit 2017, consacré à des émeutes raciales. Mais il serait temps de replonger dans une filmographie qui compte dix longs-métrages capables de revisiter le mythe du vampire Aux frontières de l’aube, 1987, de sonder les images contemporaines violentes Strange Days, 1995 ou de retourner sur ses bases le thriller policier Blue Steel, 1990…Le parcours de Bigelow est plus transversal et surprenant qu’un regard de surface pourrait le laisser croire. Sa première ambition était de devenir peintre. Elle a commencé à réaliser des films commerciaux après une longue période dans l’art contemporain des années 1970, travaillant avec Richard Serra et Lawrence Weiner, figure de l’art conceptuel, ainsi que l’intellectuel français Sylvère Lotringer, fondateur de la revue Semiotexte et futur “héros” du manifeste féministe I Love Dick de Chris Kraus. Inspirée par la cinéphilie moderne elle a évoqué sa passion pour “la matrice Fassbinder/Douglas Sirk”, Kathryn Bigelow a finalement atterri à Hollywood par accident. Alors qu’elle avait été envisagée pour réaliser Wonder Woman, aucun futur projet n’est aujourd’hui annoncé. O. J. Avec Jessica Chastain, Joel Edgerton, Chris Pratt 2 h 37 2012 / Cloud Atlas de Lana et Lily Wachowski De l’Amérique esclavagiste du XXe siècle au Séoul du futur, à travers une demi-douzaine de récits prélevés à des époques diverses, les sœurs Wachowski au moment du tournage, Lily était néanmoins encore Andy brassent une odyssée ébouriffante de l’émancipation. Les mêmes acteurs interprètent une variété de personnages, tous âges, espèces, genres confondus, dans une enivrante valse transformiste. On retrouve là l’obsession des Wachowski pour un cinéma mouvant, en phase avec son époque, dont il vampirise les innovations, qui les a menées de l’ère du tout-numérique Matrix et Speed Racer à celle des séries et de leur écriture proliférante. Un grand film mutant. R. B. Avec Tom Hanks, Halle Berry, Ben Whishaw 3 h 12 2012 / L’âge atomique d’Hélena Klotz L’Âge atomique est le premier long-métrage, fragile et très beau, d’une jeune femme de 32 ans, Héléna Klotz. Son sujet est l’adolescence, ses pulsions de sexe et de mort confondues, ses enthousiasmes et ses prostrations, sa grandeur et son ridicule. Son décor est Paris la nuit, ses gares, ses trains de banlieue, ses clubs souterrains, ses ponts et ses forêts voisines. Le film lui-même semble attiré par une force obscure tandis qu’il s’écarte de tout réalisme pour emprunter les sentiers d’un romantisme noir, évoquant Jean-Paul Civeyrac, et d’un fantastique primitif, hyperstylisé. C’est la grande force de ce jeune cinéma sans gêne et aventureux, qui n’hésite pas à frayer dans les eaux du bis ou à croiser les imaginaires pour inventer sa propre langue. Avec Elliott Paquet, Dominik Wojcik, Niels Schneider Fr, 1h08 2013 / Elle s’en va d’Emmanuelle Bercot Peut-on être un être de fuite et un être de courage ? Pour tenir ce paradoxe, le rendre possible avec évidence, il suffit à Emmanuelle Bercot de filmer Catherine Deneuve, qui comme nulle autre conjugue toujours la présence d’une forme d’absence, la retenue d’une forme d’audace. En suivant une femme qui choisit sur un coup de tête de tout plaquer, Bercot réussit un road-movie émancipateur à l’humeur changeante, drôle et poignant, convoyé avec une inspiration folle par son interprète. Avec Catherine Deneuve Fr, 1h53 2013 / Tirez la langue, mademoiselle d’Axelle Ropert D’abord fine critique dans La Lettre du cinéma, foyer cinéphile au tournant du siècle, puis scénariste, Axelle Ropert a transposé son goût pour le classicisme hollywoodien et une certaine école française non spectaculaire dans ses propres films. Tirez la langue mademoiselle est une belle histoire d’amour chuchotée dans les décors du 13e arrondissement, ainsi que le portrait d’une mère célibataire jouée par Louise Bourgoin. Ropert tourne actuellement son cinquième long-métrage Petite Solange avec Philippe Katherine et Léa Drucker. Avec Louise Bourgoin, Cédric Kahn, Laurent Stocker Fr, 1h42 2015 / Mustang de Deniz Gamze Erguven Ce premier long-métrage en forme de cavalcade polissonne et féminine, joyeuse et enragée, nous immerge dans le monde damné des jeunes sœurs mariées de force. L’incontestable réussite de Mustang tient au filmage du corps collectif sororal superbement fluide et chatoyant, bouquet de “jeunes filles en fleurs” telles qu’on les trouve de Proust à Sofia Coppola. Il existe chez Deniz Gamze Ergüven un vitalisme, une scénographie vitaminée qui, à chaque instant, émeut et égaie l’œil, nous attrape. Trait qui range le film du côté d’un “féminisme joyeux”, expression utilisée par Agnès Varda pour qualifier la couleur de ses propres films. Sans diaboliser le mariage arrangé l’une des sœurs y trouve son compte de câlins et de baisers, la réalisatrice dénonce une tradition nuisible dès lors qu’elle se meut en tyrannie, en prison. Avec Güneş Nezihe Şensoy, Doğa Zeynep Doğuşlu, Elit İşcan Turc, 1h33 2016 / Grave de Julia Ducournau Premier long-métrage de Julia Ducournau repérée à Cannes pour son court-métrage Junior, Grave raconte le parcours semé d’embûches de Justine, étudiante en première année d’une école vétérinaire. Justine se découvre une appétence pour le sang, et bientôt pour la chair humaine. Gonflé, poétique, féroce, ce film girly et anthropophage incarne la prise de pouvoir d’une nouvelle génération fracassante de réalisatrices. E. B. Avec Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Naït Oufella Fr., Bel., 1 h 38 2016 / Toni Erdmann de Maren Ade L’histoire d’une businesswoman allemande émigrée à Bucarest, où elle travaille pour une société pétrolière, et de son père, amateur de farces et attrapes et de canulars lourdingues, engagé dans une reconquête kamikaze du cœur de sa fille. L’esprit à la fois rigide et déluré, la parfaite netteté de l’écriture, l’étrange appétit pour le ridicule de Toni Erdmann transcendent sa sécheresse formelle apparente. Le troisième long-métrage de Maren Ade également productrice des longs-métrages de son compagnon Ulrich Köhler et des films de Miguel Gomes est certes drôle – il l’est vraiment –, mais il est beaucoup moins une comédie qu’un film sur le rire, sur sa psychologie, sur sa fonction sociale, sur son pouvoir de dérèglement. T. R. Avec Sandra Hüller, Peter Simonischek, Michael Wittenborn All., Aut., Mona., Rou., Fr., Sui., 2 h 42 2016 / Certaines femmes de Kelly Reichardt S’il est problématique de parler d’un cinéma féminin, essentialisé par le genre de son autrice, il semble évident que filmer implique plus souvent pour une femme que pour un homme une forme de décadrage, de mise en scène d’un espace jusque-là peu visible, une façon de faire sien un médium majoritairement masculin. La filmographie de Kelly Reichardt est à ce titre éloquente. D’Old Joy 2006 à La Dernière Piste 2010 en passant prochainement par First Cow 2019, la réalisatrice américaine n’aura eu de cesse de développer sa propre mythologie de l’Ouest lointain, très loin des clichés du western. Certaines femmes, adaptation de trois nouvelles de l’écrivaine américaine Maile Meloy, brosse le quotidien de quatre femmes vivant dans une petite ville du Montana, interprétées par un formidable quatuor d’actrices Kristen Stewart, Laura Dern, Michelle Williams et la révélation Lily Gladstone. L’art épuré de Kelly Reichardt, à la fois rustique et raffiné, aussi taiseux par le verbe que prolixe par la forme, y atteint des sommets de précision de trait. Dans ce film livré aux quatre vents des paysages désertiques du nord-ouest des Etats-Unis, elle explore la condition féminine en prise avec la misogynie ordinaire de l’Amérique profonde. B. D. Avec Michelle Williams, Kristen Stewart, Laura Dern 1 h 47 2016 / American Honey d’Andrea Arnold Mélangeant comédiens pros Shia LaBeouf, Riley Keough et amateurs, l’errance d’une jeunesse bigarrée dans l’Amérique profonde, au son de la trap et sous les vapeurs de fumette… Filmé au plus près des peaux, de la nature et de l’asphalte, entre parkings de supermarchés et grands espaces brûlants, American Honey donne l’occasion à Andrea Arnold Red Road, Fish Tank de développer son sens aigu d’un cinéma musical et sensuel, capable de traquer la violence du monde celle de l’argent roi et de la domination masculine pour conquérir un espace de beauté. Un rêve panthéiste et féminin dont l’héroïne se libère sous nos yeux. O. J. Avec Sasha Lane, Shia LaBeouf 2 h 43 2017 / The Rider de Chloé Zhao Rares sont les films retournant le gant de la virilité avec autant de délicatesse que The Rider, second film de la réalisatrice américaine d’origine chinoise Chloé Zhao. Elle y suit la guérison d’un cow-boy moderne, star locale de rodéo victime d’un grave accident cérébral. Dans une mise en scène proche du documentaire, Chloé Zhao cultive dans ce film un care gaze qui porte autant sur une déconstruction de la masculinité que sur le rapport à l’animal ou sur le sort des populations indiennes. On attend avec impatience The Eternals, son troisième film prévu pour cet automne, puisque ce blockbuster bardé de stars Angelina Jolie, Salma Hayek, Kit Harington s’annonce aussi comme le premier film de super-héros Marvel avec un personnage transgenre. B. D. Avec Brady Jandreau, Mooney, Tim Jandreau 1 h 44 2017 / Lady Bird de Greta Gerwig Si l’on découvre Greta Gerwig lorsqu’elle devient l’égérie du cinéma indé américain avec Frances Ha 2012 de Noah Baumbach, l’Américaine a un désir de cinéma qui excède celui d’être actrice. Et ce dès ses débuts, puisqu’elle cosigne ses premiers films en plus d’y jouer Hannah Takes the Stairs, Nights and Weekends. Elle réalise avec Lady Bird son premier film en solo. Autobiographique, il épouse l’envol d’une jeune femme éprise de théâtre qui projette de quitter son lycée de Sacramento pour New York et son bouillonnement culturel. Il explore ce moment charnière où se jouent à la fois les premières amours, l’arrachement familial et se dessine une forme d’ambition existentielle. La réalisatrice y trouve un alter ego en la personne de Saoirse Ronan. Elle forme avec Timothée Chalamet un couple étincelant dans le film suivant de la cinéaste Les Filles du docteur March. B. D. Avec Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Timothée Chalamet 1 h 34 2017 / Les Bums de plage d’Eliza Hittman Avant de réaliser des épisodes de la saison 2 de 13 Reasons Why, la jeune réalisatrice new-yorkaise obtenait un vif succès d’estime avec son second long-métrage, Les Bums de plage. Disponible aujourd’hui sur Netflix, le film raconte l’incapacité de jouissance d’un jeune garçon qui sent une pulsion homosexuelle sans pouvoir pleinement l’embrasser. Entre Moonlight et Beau Travail et porté par le très beau 16 mm de la chef-opératrice française Hélène Louvart, le film est aussi heurté que pointilleux dans cette auscultation d’un empêchement du désir. B. D. Avec Harris Dickinson, Madeline Weinstein, Kate Hodge 1 h 38 2017 / Wonder Woman de Patty Jenkins Si ses bracelets d’acier et son body étoilé hantent tout autant l’imaginaire collectif des fans de comic books que la cape de Batman, il aura fallu des années avant que Wonder Woman, icône féministe, apparaisse sur grand écran. Le film marque la première incursion d’une femme à la réalisation du genre dominant la planète dans les années 2010 le blockbuster super-héroïque. Aux antipodes des torsions ténébreuses d’un Christopher Nolan, Patty Jenkins révélée avec Monster en 2003 tire son odyssée guerrière vers un cinéma pop et léger. On n’oubliera pas ces premières scènes troublantes sur l’harmonie d’une île-gynécée avant que l’héroïne ne vienne se heurter à notre monde. M. D. Avec Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright Ch., H. K., 2 h 21 2018 / Heureux comme Lazarro d’Alice Rohrwacher Fable d’abord pastorale puis urbaine, le troisième film de la jeune réalisatrice italienne Alice Rohrwacher, prix du scénario à Cannes en 2018, ex aequo avec Trois Visages de Jafar Panahi, suit la figure d’un garçon candide, d’un ravi de la crèche qui ne trouve son bonheur qu’en observant la nature et en se mettant au service de ses semblables. Il vit d’abord dans une communauté de paysans mise à l’écart du monde par des bourgeois dans le but de les exploiter, avant d’être libéré et plongé dans le monde contemporain, synonyme pour lui de la plus grande pauvreté. Ce film sur l’innocence corrompue, doublé d’un conte poétique et politique sur le capitalisme, ressuscite le cinéma de Pier Paolo Pasolini La Ricotta par exemple et fait d’Alice Rohrwacher l’une des réalisatrices les plus talentueuses et singulières d’Europe. Avec Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Agnese Graziani Italie, 2h07 2019 / Atlantique de Mati Diop Après Mille Soleils, le moyen-métrage documentaire que Mati Diop a consacré en 2013 à son oncle, figure disparue d’un cinéma sénégalais hanté par son passé, la réalisatrice raconte une nouvelle histoire de fantôme avec Atlantique, son premier long-métrage récompensé du grand prix du jury à Cannes l’an dernier. Film à la lisière du fantastique, œuvre de chair désirante et d’esprit vengeur, Atlantique est aussi un film politique puissant qui embrasse la tragédie de l’immigration clandestine et des inégalités sociales à Dakar. B. D. Avec Mame Binta Sané, Amadou Mbow, Ibrahima Traoré Fr., Sén., Bel., 1 h 44 2019 / Sibyl de Justine Triet Après un combat de rue intime et collectif La Bataille de Solférino, Justine Triet logeait les tumultes sentimentaux et existentiels dans un seul corps en éruption celui de Virginie Efira, avocate au bord de la crise dans Victoria. En 2019, un autre prénom suffisait à contenir le programme dense et réflexif vivre sa vie comme une fiction d’un film qui donnait au portrait de son héroïne des allures d’odyssée. Avec une virtuosité folle mélange de genres, ruptures de ton, Sibyl sondait l’âme d’une héroïne fragile et robuste en même temps qu’il scellait la symbiose quasi parfaite entre une cinéaste et une actrice. M. D. Avec Virginie Efira, Adèle Exarchopoulos Fr., Bel., 1 h 40 2019 / Une fille facile de Rebecca Zlotowski Pour son quatrième long-métrage, Rebecca Zlotowski campe une coming-of-age story balnéaire et offre à Zahia le rôle d’une jeune femme initiatrice d’une cousine plus jeune. Libre ou prisonnière c’est toute la dialectique sur laquelle repose le film. Tandis que la cousine aînée s’adonne à ses habitudes de coucheuse entretenue, la cadette contemple dans un coin, hésitant à embrasser cette vie de luxe et d’apparences, prenant la mesure des privilèges qu’elle offre en même temps que de ce qu’il en coûte d’y entrer. Et cette dialectique, le film ne la résout pas. Il épouse un gaze insituable, il mène à son point de fusion la chronique d’une femme-objet, la rend à la fois complètement chose, complètement déesse et complètement sujet – en coupant pourtant tout accès à son intériorité, tant pour les autres personnages que pour nous, spectateurs. C’est tout à la fois le drame existentiel elle sera toujours seule et l’armure immarcescible de cette fille facile et cependant compliquée qui, contre toutes les estocades masculines, et feignant de leur céder l’entrée, demeure impénétrable. T. R. Avec Zahia Dehar, Mina Farid Fr., 1 h 31 2019 / Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma “Prenez le temps de me regarder.” Le premier dialogue du Portrait de la jeune fille en feu va encore résonner longtemps, dans toute sa douceur et sa rage, mais aussi sa pertinence politique. A la fois une caresse et un cri. Autour d’une histoire d’amour lesbienne au XVIIIe siècle une peintre dresse le portrait d’une aristocrate promise au mariage, Céline Sciamma a fait un film manifeste pour la mise en scène de l’expérience féminine. Au cœur des images se joue la recherche pas à pas d’une égalité entre artiste et modèle, la croyance dans l’acte de création comme croisement entre des corps palpitant, pont entre les organes et les désirs, destruction des normes de pouvoir qui empêchent de jouir. Après Naissance des pieuvres, Tomboy et Bande de filles, Sciamma signe le film d’une époque, au souffle profondément libérateur. O. J. Avec Adèle Haenel, Noémie Marlent Fr., 2 h 02}

Cetamateur d’art a appris à dessiner les objets auprès de Patrick Mauboussin et a ajouté à son rôle de gestionnaire pur et dur, celui de directeur de la création, « c’est davantage un élément de plaisir personnel », puis d’homme de marketing. Ce qui l’inspire, le monde environnant, les femmes qu’il croise. Ce sont les femmes qui l’ont façonné, il leur rend hommage dans

News Bandes-annonces Casting Critiques spectateurs Critiques presse VOD Blu-Ray, DVD Spectateurs 3,0 57 notes dont 12 critiques noter de voirRédiger ma critique Synopsis Raphaël est un curieux photographe qui offre à des jeunes de magnifiques scooters avec lesquels ils partent à l'étranger ou ils échangent de vieux appareils photographiques contre des caméras neuves. Ils ne savent pas ou ne veulent pas savoir que ce trafic couvre en réalité un trafic de pierres précieuses. Regarder ce film Voir toutes les offres DVD BLU-RAY Dernières news Acteurs et actrices Casting complet et équipe technique Critiques Spectateurs Comédie policière typique des années 50, Sois belle et tais-toi » est loin d'être la pire du registre. Toutefois, difficile de passer outre les incroyables facilités du scénario, les ficelles s'apparentant régulièrement à des cordes, tandis que l'ensemble reste très léger, pour ne pas dire anodin. Finalement, le charme vient de ce petit côté rétro, et surtout de découvrir de futures stars à leurs débuts, principalement ... Lire plus Marc Allégret est un réalisateur qui à mon sens n’a pas beaucoup de talent. Il fait vivoter des films peu inspirés, souvent pas antipathiques, mais sans grand relief, et ici c’est malheureusement le cas. Malheureusement car le casting est assez incroyable, permettant notamment de croiser Belmondo et Delon à leurs débuts. On peut aussi voir un Roger Hanin méconnaissable. Bon, c’est meilleur sur le papier qu’à l’écran, car ... Lire plus "Sois belle et tais-toi", comédie policière française réalisée par Marc Allégret, sorti en bon vieux noir et blanc de la fin des années 50, avec l'émergence d'une nouvelle génération d'acteurs et actrices Alain Delon, Jean-Paul Belmondo, Mylène Demongeot , Béatrice Altariba la Si l'on peut lui reprocher son scénario peu crédible, ou encore ses dialogues naïfs, ce film n'en reste pas moins une comédie policière sympathique. Les scènes d'action et les situations cocasses sont habilement réparties, et ceci sur une musique plutôt agréable. La photographie est étonnament belle, et tous les acteurs jouent juste, celui se démarquant le plus étant Darry Cowl, qui apporte au film une certaine touche d'humour. Et ... Lire plus 12 Critiques Spectateurs Photo Infos techniques Nationalité France Distributeur - Année de production 1957 Date de sortie DVD 24/02/2005 Date de sortie Blu-ray - Date de sortie VOD - Type de film Long-métrage Secrets de tournage - Budget - Langues Français Format production - Couleur N&B Format audio - Format de projection - N° de Visa - Si vous aimez ce film, vous pourriez aimer ... Commentaires Le2 décembre 2019 à 22:50 (CET), Wikipédia comptait 2 160 574 entrées encyclopédiques, dont 1 799 articles ayant obtenu le label « Article de qualité » et 3 227 articles ayant obtenu celui de « Bon article ». Pour améliorer le contenu de Wikipédia, nous vous proposons de travailler les articles ci-dessous.

People C’est un sans-faute ! La duchesse de Cambridge, qui fête ses noces d’étain avec le prince William, est devenue une figure incontournable des Windsor. Gracieuse, discrète, élégante, bienveillante… En dix ans de mariage, la plus que parfaite Kate Middleton a réalisé un sans-faute, au risque de paraître trop lisse ou classique. Parfaitement intégrée chez les Windsor, mère de trois enfants princiers, adulée des Britanniques, elle a même réussi le tour de force d'être respectée par les tabloïds du royaume, c'est peu dire…Le pari n'était pas forcément gagné issue de la bourgeoisie, elle ne correspondait guère aux codes aristocratiques exigés pour devenir l'épouse du futur roi d'Angleterre. William a imposé son choix et prouvé qu'il avait non seulement du goût, mais également un bon jugement Kate s'est coulée avec brio dans le moule des Windsor, qui en a pourtant brisé plus d'un dans son histoire – Diana, Sarah Ferguson ou encore récemment Meghan Markle, pour ne citer qu'elles…À LIRE AUSSIComment la reine a désamorcé la bombe MeghanKate savait où elle mettait les pieds depuis sa romance avec William, elle a pu mesurer la pression médiatique, la discrétion qu'on attendait d'elle et les codes exigeants qu'il a fallu assimiler rapidement. En entrant officiellement dans la famille royale, elle n'a fait que prolonger et perfectionner cet apprentissage – sois belle et tais-toi –, tout en apportant quelques touches personnelles…Quand Kate se fâcheWilliam et Kate forment une vraie équipe, il écoute ses conseils, elle peut monter au créneau quand il le faut, mais elle n'essaie jamais de surpasser son mari, elle sait tenir son rang, comme l'a fait avant elle le prince Philip avec la souveraine. Elizabeth lui accorde toute sa confiance, le prince Charles la considère comme sa fille, et elle a su se faire de Camilla une dix ans de mariage, il y a pourtant eu des crises, mais elle les a toutes traversées avec adresse, n'hésitant pas à taper du poing sur la table si l'affaire dépassait les bornes. Ce fut le cas en 2012, quand Closer publia des photos d'elle en vacances seins nus, déclenchant l'ouverture d'un procès. Elle saisit aussi la justice l'an dernier contre le magazine anglais Tatler qui osa s'attaquer à l'icône de la monarchie dans un portrait au vitriol où on la décrivait comme ennuyeuse, anorexique et dépassée par son emploi du temps, entre ses engagements caritatifs et sa famille. Très agacée, elle obtint finalement le retrait des passages trop polémiques…À LIRE AUSSI La guerre des duchesses » jeu, set et matchDroite dans les tempêtesEt quand la famille royale est en jeu, Kate sait se montrer discrète et prudente, en affichant son plus beau sourire pour contrer les ragots. Elle laisse passer la tempête en 2019 quand des rumeurs font état d'une supposée liaison entre William et Rose Hanbury, un ancien mannequin devenu marquise de Cholmondeley, qui agite un temps les attitude lorsque des tensions apparaissent avec Meghan Markle, nouvelle star éphémère du clan Windsor après son mariage avec Harry. Les deux duchesses ne s'entendent guère, Kate fait des efforts, s'affiche souriante aux côtés de sa rivale, jusqu'au jour où celle-ci finit par prendre le large aux États-Unis. Et quand Meghan raconte à Oprah Winfrey que Kate la fit pleurer la veille de son mariage, celle-ci se mure dans le silence et continue de sourire aux LIRE AUSSIMeghan sa froide vengeance envers Kate MiddletonPour l'épauler, Kate peut compter sur le staff du palais, aussi bien celui de la reine, de Charles, que sur sa propre équipe, tous en liaison étroite. Contrairement à Meghan, qui n'en faisait qu'à sa tête, avec ce besoin viscéral de tirer la couverture à soi, Kate sait rester dans le rang et s'appuyer sur la puissance et les conseils du clan. Les Cambridge disposent d'une équipe d'une quinzaine de personnes, payées par le prince Charles, pour les aider à gérer leurs engagements officiels et faire tourner leur bureau du palais de Kensington. On y trouve des spécialistes en politique et communication secrétaires et conseillers, le personnel de sécurité les gardes du corps et la proche intendance nounou, coiffeur, maquilleur, styliste, personnel de maison…La guerre de l'imageLa duchesse de Cambridge, sans cesse en représentation, ne peut se permettre le moindre faux pas gestes, looks, coiffures, paroles, tout est décrypté par une presse populaire aux aguets. Un jour où on la complimentait sur son image si parfaite, Kate répondait en riant Je suis simplement bien maquillée… » De fait, elle porte un soin extrême à son image, n'hésitant pas à puiser dans le prêt-à-porter bon marché pour enrichir sa garde-robe. Pour tenter de garder le contrôle, elle a pris l'habitude de publier directement sur le compte Instagram familial des photos privées d'elle avec William et leurs enfants des cartes postales maîtrisées et cadrées qui font le tour du monde – la dernière en date étant les 3 ans de leur fils Louis faisant du résultat est là Kate jouit d'une solide popularité avec 73 % d'opinions favorables, selon un sondage de l'institut YouGov du mois dernier, seuls William et la reine font mieux avec 76 et 80 % de fans – Harry et Meghan sont désormais sous les 50 %. Un vrai plébiscite qui s'explique aussi par l'attitude des Cambridge pendant la pandémie, où on les a vus multiplier les interventions en faveur des plus fragiles via des initiatives ou des visioconférences, pendant que les Sussex avaient déserté le royaume…À LIRE AUSSIBrouille entre William et Harry un Casque bleu nommé KateKate a désormais un boulevard devant elle Meghan est exilée, Camilla impopulaire, la princesse Anne appréciée mais âgée… La voilà devenue la principale figure féminine des Windsor. Un rôle qui ne fera que s'accentuer avec le temps le départ des Sussex force les Cambridge à accélérer le rythme des représentations officielles. Sans oublier que la duchesse est appelée à devenir un jour reine aux côtés de William, au premier rang du balcon. Le sacre d'une vie. Je m'abonne Tous les contenus du Point en illimité Vous lisez actuellement Perfect Kate » 10 ans de mariage avec William et pas une bavure 9 Commentaires Commenter Vous ne pouvez plus réagir aux articles suite à la soumission de contributions ne répondant pas à la charte de modération du Point. Vous ne pouvez plus réagir aux articles suite à la soumission de contributions ne répondant pas à la charte de modération du Point.

^{LEJAPON EN HISTOIRE-GEOGRAPHIE : ŒUVRES A CONNAITRE - E. M. Remarque, A l'ouest, rien de nouveau - Otto Dix, La guerre et les Joueurs de skat - Sergueï Eisenstein, Alexandre Nevski - Stanley Kubrick, Docteur Folamour - Robert Wise, West Side Story - Affiche de Mai 68, Sois jeune et tais-toi - Hokusaï, La grande vague - Myasaki, Princesse Mononoké - Dessin animé Godorak}

Publié le 23-06-2011 à 12h22 - Modifié à 11h55227 réactions 233978 lu Temps de lecture 4 minutesLa question, particulièrement stupide - a minima -, a été posée dans la revue américaine Psychology Today, donnant lieu à un torchon qui n'a de scientifique que le nom. Conclusion si les femmes noires sont laides, c'est parce que les Noirs ont trop de testostérone. On vous avait dit "stupide" ? On voulait dire "raciste".Auteur parrainé par yannick_comenge Un article paru aux Etats-Unis dans le très sérieux Psychology Today est en train de faire le buzz sur la toile depuis le 15 mai. Il a franchi depuis quelques heures les frontières virtuelles de notre pays. Le titre provocant annonce la couleur "Pourquoi les femmes noires sont-elles moins séduisantes que les autres femmes, alors que les hommes noirs, eux, sont à égal niveau d’attirance que leurs homologues masculins ?" Ce n’est pas une blague, il ne s’agit pas d’un hoax, ceci est un véritable article qui se base sur des années de recherche scientifique. Et on se demande si ces scientifiques n’ont pas mieux à faire ? Pourtant ce ne sont pas les sujets qui manquent maladie auto-immunes, cancer, HIV,… Selon des méthodes considérées comme scientifiques et fiables, des chercheurs ont établi le moyen de mesurer à la fois subjectivement et objectivement les facteurs de beauté chez les personnes interviewées. L’étude se fait sur une durée de trois ans, et les mêmes questions se référant aux mêmes personnes sondées sont posées par des personnes différentes chaque année. En d’autres termes, on demande à un monsieur X de répondre à des critères physiques d’une personne Y notés de 1 à 5 1 = très peu attirante et 5 = très attirante en 2009, puis en 2010 et enfin en 2011. Les données recueillies ont permis d’établir des hypothèses pour le moins gênantes. Alors que les femmes en général seraient plus attirantes que les hommes, il apparaitrait qu’un type de "race" je ne fais que citer les termes de l’article chez les femmes fait exception à la règle les femmes noires. Ces dernières seraient beaucoup moins attirantes que les femmes blanches, asiatiques ou américaines de "souche". Par contre, le facteur de beauté/séduction ne diffère pas entre les hommes de races différentes. L’envie me démange de vous dire qu’il s’agit encore là d’inégalité hommes/femmes, mais je me retiendrai… Oops I did it again. L’article va même plus loin dans la provocation, et ne se contente pas d’affirmer que les femmes noires sont objectivement moins séduisantes que les autres races féminines oui, femme, tu es une race de chienne, accepte le et sois heureuse d’être au moins plus séduisante qu’un homme, tu as les cheveux longs, de longs cils, des seins et des fesses, sois heureuse et tais-toi !. L’auteur nous explique que malgré ces résultats, il est surprenant de noter que les hommes et femmes noires se croient plus beaux que la moyenne et de loin !. Mais comment osent-ils ?!! Pour finir, l’article nous explique pourquoi – et toujours de façon objective – les femmes noires sont plus moches que les autres. Tout d’abord, en moyenne, les femmes noires sont plus fortes que les autres. Mais d’ajouter que ce n’est pas cela qui influe dans leur propension à être plus laide. Mon dieu que cet article est absurde, il soumet des faits, puis on nous explique que ça n’a rien à voir avec le résultat de l’étude. J’en perds mon latin. Autre proposition d’explication les Africains ont subi beaucoup plus de mutations de leur génome que les autres races. Au passage, si un généticien veut bien m’expliquer cette affirmation qui me semble plus que douteuse, je vous laisse me répondre ci-dessous. Je ne suis pas généticienne après tout, juste journaliste ! Et de conclure sur ce point que la mutation génétique est un énorme facteur qui décroit la capacité de séduction de tout être humain. Darwin est en train de se retourner dans sa tombe, paix à son âme. Bon bah une chose est sure, si les mutations génétiques nous rendent moins sexy, elles ont au moins pour avantage de nous permettre d’être toujours en vie ! Personnellement, si on me présente Wolverine, je lui saute dessus tellement il est "hot" ! Et non, je ne m’aventurerai pas à parler des frères Bogdanov. Pas de provocation on a dit, il y en a déjà assez comme ça dans ce torchon. De toute façon leur théorie de mutations génétiques s’auto-annule d’elle-même car si je reprends leurs résultats annoncés dans leur étude, seules les femmes noires sont moins attirantes que les autres femmes. Les hommes noirs, eux, restent à égal niveau de séduction que leurs homologues masculins. Et si je ne m’abuse, les fameuses "mutations génétiques"i dont parle l’auteur concernent à la fois hommes et femmes noires sans distinction de sexeou sinon je suis vraiment, mais alors vraiment nulle en bio, ce qui est aussi une possibilité. Roulement de tambour, l’auteur tire sa propre conclusion scientifique ? si les femmes noires sont moins séduisantes que les autres c’est tout simplement parce que les Noirs ont plus de testostérone. Or la testostérone est une hormone stéroïdienne mâle appartenant au groupe androgène merci Wikipedia et qui accentue les traits masculins…chez les femmes noires ! Et oui, c’est tout simplement parce que les femmes noires sont dopées à la testostérone qu’elles sont moches ! Pas compliqué d’être scientifique de nos jours ! NB après de nombreuses plaintes de lecteurs, l'article a été supprimé du site de Psychology Today. valjeanjean a posté le 14 septembre 2015 à 22h09Peu de scientifiques consultent l'obs à l' a posté le 5 juillet 2012 à 17h36Petite précision , je lis que l'auteur de l'article est "non blanc" car Iranienne Je crois qu'on confond Blanc et occidentaux parce que pour ceux qui ne seraient pas au courant les Iraniens sont blancs , je dirais meme très blanc. Concernant l'article en lui meme il est clairement ridicule ,les gouts et les couleurs ne se discutent pas!!Aitheras a posté le 4 juillet 2012 à 18h52C'est fou comme le déni de causalité lié à l'ethnie est répandu en France. Cela ne m'étonnerait pas qu'une certaine lobotomie idéologique bicentenaire en soit la première a posté le 28 juin 2012 à 20h27C'est pas bien grave ce que dit cet article au final moi ce que je vois c'est que si les personnes interrogées, qui représente apparemment la population, ne sont pas attirés par le femme noires, tant mieux ! ça les laissent libres pour moi qui les trouve extrêmement séduisantes !!! bennodji a posté le 27 juin 2012 à 17h00De plus ce n'est même pas vrai. Les femmes noires sont très désirables, très attirantes. Dépenser de l'argent pour des enquêtes bidons et sortir un résultat plus que bidon, franchement, il faut n'avoir rien à faire de sa a posté le 27 juin 2012 à 16h46peu importe la quantité de pincettes, l'odeur colle encore à-la ... article peau d'vache pour vieille pie. Black ne changera pas de peau, très bien dans la sienne, somme des couleurs, is beautifuljeanchristophehenry a posté le 25 juin 2012 à 00h50L'article est un tissu d'immondice sans aucun doute et nous lui permettons de défrayer la chronique en essayant de le contredire et de prouver a contrario la valeur des noires.... Mais quand on tombe sur de la matière fécale telle qu'en recèle cet article on ne prend pas le temps de se polluer soi-même les méninges avec de la puanteur ignare. On se pince le nez du bout des doigts en détournant la tête et on laisse l'auteur fétide s'embourber dans ses théories a posté le 26 juin 2012 à 21h32cet article date d'une année. Avant même la lecture du sujet, je savais que l'étude avait été fait par on non blanc. Et il n'est pas non plus étonnant que l'étude soit reprise en France par non une blanche, qui fait semblant de dénoncer une telle étude alors qu'elle jubile au fond. Je suis noire et durant mes différents déplacements, j'ai pu constater que les personnes qui méprisent le plus les noirs sont des personnes non blanches. L'auteur de l'article étant un asiatique, pour lui si les femmes asiatiques sont moins belles que les européennes, elles sont plus belles que les femmes noires donc l’honneur est a posté le 19 mars 2013 à 00h19Sira tara, tu te trompes lourdement et t'as l'air de faire des constatations assez niaises voir racistes. Il semblerait que l'auteur de l'article ait cité une autre étude démontrée par UN psychologue qui est BLANC. De plus, d'autres articles montrent que les hommes ont une meilleure attirance envers les femmes asiatiques... Dans ce cas là, ne serait-ce pas toi qui montres un signe de jalousie dans ce cas là? Je ne suis pas d'accord avec son étude mais il suffisait de la lire et vous ne l'avez pas fait, vous le dites vous même, ça n'a rien à voir avec une compétition de "qui est la plus attirante?".jeanchristophehenry a posté le 25 juin 2012 à 00h40l'article est un tissu d'immondice sans aucun doute et nous lui permettons de défrayer la chronique en essayant de le contredire et de prouver a contrario la valeur des noires.... Mais quand on tombe sur de la matière fécale telle qu'en recèle cet article on ne prend pas le temps de se polluer soi-même les méninges avec de la puanteur ingnare. on se pince le nez du bout des doigts en détournant la tête et on laisse l'auteur fétide s'embourber dans ses thèses a posté le 21 juin 2012 à 16h02Je n'ai pas lu votre article. J'ai seulement lu le titre et cela me suffit largement. Le "les" me gène beaucoup. Des femmes noires figurent parmis les plus beaux spécimens de l'espèce humaine, certaines Blanches aussi, idem pour les Orientales, les Asiatiques... Le ou les auteurs de l'article original sont manifestement des pauvres types. Les Etats-Unis sont un pays libre et dans un tel pays on peut publier des choses formidables mais aussi n'importe a posté le 23 juin 2012 à 05h47L'article date d'un an. Avant même d'avoir lu l'article, je savais que l'étude n'avait pas été faite par un blanc. J'étais sûre de cela. Pour moi, il était évident que l'étude avait été faite par un asiatique ou un oriental. La suite de histoire m'a donné raison, il s’agissait d'un asiatique. Pourquoi l’origine de l'auteur est importante? Je suis noire et en raison de mon travail, j'ai eu la chance de voyager dans le monde entier. Et contrairement à ce que les gens pensent, les personnes qui méprisent le plus les noirs sont des personnes non nos jours aucun blanc n'aurait pensé à faire une telle étude sauf un militant de l’extrême droite. Les autres peuples non blanches, comme pour se rassurer adorent taper sur les yeux de l'auteur de cette étude, si la femme asiatique est moins jolie que la blanche, elle reste plus jolie que la noire, donc tout n'est pas perdu. en France en dehors des blogs et magazines afro aucun journal n'a repris l'info. Comme par hasard, qui reprend l'info? une iranienne. Encore une qui veut se consoler sur les dos des de l’élection de Barack Obama, alors que les blancs en général étaient ravis de la situation, j'attends des amis arabes insister sur son métissage, comme pour me dire qu' un "vrai noir" n'aurait pas été a posté le 26 juin 2012 à 00h57Je kiff votre point de vue et je la trouve très exacte!!!!Thumb up!!! D!!!bernardbreton a posté le 21 juin 2012 à 01h41Une femme noire sera toujours plus belle qu'une femme grise... bernard breton...hic!ifeyibatindek a posté le 20 juin 2012 à 06h22Hum... je pense qu'il n'y a aucune raison pour certains de s'indigner ou de se mettre en colère vu que apparemment le sondage dont il est question ici ne présente qu'une portion d'individus qui trouvent visiblement les femmes noires peu attirante ... si ce sondage avait été fait ici au Cameroun par exemple ou n'importe quel autre pays de l'hémisphère sud le résultat aurait été totalement différent donc il n' y a aucune raison d'être choqué par un article de ce genremaha a posté le 19 juin 2012 à 20h26Nous n avons pas a prouver que nous sommes belles, puisque c est tellement évident, que les autres ont si peur de notre beauté physique et Ce sont mis a écrire des absurdités pour diminuer notre estime de soi.. oui elles écrivent nos hommes noirs sont égaux a les leurs par ce que tout simplement elles ont besoin de cette virilité que seul nos hommes noir peuvent leur offrir, de nous elles dissent nous ne sommes pas séduisante pourtant leurs hommes ne peuvent s empêcher de se tourner la tête après nous...elles ont très peur de nous,et sont très jalouses de nous. Alors mes chères soeurs ne prêtons pas attention a ce qu'elles disentcarinechapron a posté le 20 juin 2012 à 01h37Votre propos est tout aussi absurde, raciste et haineux que l'étude dont on parle dans cet article. Vive la diversité et vive les femmes Valerie_Dupont a posté le 21 juin 2012 à 22h35Une chance que toutes les noires dont je suis n'ont pas de pensées aussi absurdes que les vôtres... Et en quoi notre couleur de peau ferait par défaut de nous des soeurs ??? Il serait peut-être temps de s'ouvrir au monde, chère madame... Ca n'a jamais voulu dire nier ses a posté le 26 juin 2012 à 10h59plutot Mahanaim, nous n'avons pas a prouver la beaute de quoi que ce soit, car c'est une evaluation partiale basee sur des criteres pre-etablit et integre dans la psychologie de tous. Ainsi nombre de recherches sur les jeunes enfants noires aux USA montre qu'ils preferent les poupees blanches aux noires. C'est parce que ils ont deja integres les normes racistes de la societes americaines et francaises aussi. etablir des criteres de beaute sont basees sur des preceptes racistes que l'on a tous integrebahcedric a posté le 19 juin 2012 à 17h37juliette a posté le 19 juin 2012 à 14h27???????? ché pas quoi la! vous êtes pas très beau vous les blanc non plus PS peut être suis-je raciste, ou dois-je aller me faire interner pour un examen psychiatrique? débile a posté le 2 décembre 2011 à 05h24Liste des inventions réalisées par des Noirs 1. LA LAMPE ÉLECTRIQUE inventée le par Joseph V. Nichols et Lewis H. Latimer. 2. L’ANTENNE PARABOLIQUE inventée le 07 juin 1887 par Granville T. Woods 3. LA PRODUCTION SUCRIERE AMELIOREE inventée le 10 décembre par Norbert Rilleux 4. L’AIGUILLAGE DES TRAINS inventé le 31 octobre 1899 par William F. Burr 5. L’EXCAVATRICE DES POMMES DE TERRE inventée le 23 avril 1895 par Wood 6. CAPSULES DES BOUTEILLES ET JARRES inventée le 7. BIDON JERRICANE inventé le 17 février 1891 par Albert C. Richardson 8. PANNEAU DE PROTECTION DES LITS inventé le 13 août 1895 par Lewis A. Russel 9. MOTEUR A COMBUSTION inventé le 05 juillet 1892 par Andrew J. Beard 10. MASQUE A GAZ inventé le 13 octobre 1914 par Garett A. Morgan 11. BOUCHE DE SECOURS INCENDIE inventée le 07 mai 1878 par Joseph R. Winters 12. LA CHAISE BALANCOIRE inventée le 15 novembre 1881 par Payton Johnson 13. CHARPENTE METALLIQUE DE VOITURE inventée le 02 février 1892 par Carter William 14. TABLE DE CUISSON A VAPEUR inventée le 26 octobre 1897 par Carter William 15. LENTILLES DE PROTECTION DES YEUX inventée le 02 novembre 1880 par Powell Johnson 16. L’ASCENSEUR inventé le 11 octobre 1867 par Alexander Miles 17. LE TAILLE CRAYON inventé le 11 octobre 1867 par John L. Loove 18. DISPOSITIF DE COUPLAGES DES VOITURES DE TRAIN inventé le par Andrew J. Beard 19. LES MANflorencefarant a posté le 19 juin 2012 à 17h33Mmh, ce commentaire n'a pas lieu d'être parce que cet article ne parle pas de l'intelligence des noirs mais de leur physique, du coup on s'en fou un peu de savoir que Miles a inventé l'ascenseur...contrast a posté le 20 juin 2012 à 15h11Je n'ai pas tout lu mais l'ampoule par exemple a été inventée par Joseph Swan en 1879 d'ailleurs en 1835 James Bowman Lindsay a fait une démonstration d'une ampoule électrique.. L'ascenseur existait en l'an 300 av JC.../ Et puis alors le moteur à combustion c'est en 1854, l'inventeur est Eugenio Barsanti un italien.. rhôo!! l'antenne parabolique!!! Robert Watson-Watt!!! et puis oh!!! le masque a gaz!! John Stenhouse en 1854!! Mais où avez vous trouvé toutes ces histoires!? et puis il faut tenir compte de la conjoncture à l'époque pour les noirs, c'était très difficile pour eux puisqu'ils étaient opprimés sans cesse... on ne les laissait pas faire ou on les empêchait d'étudier... Pour le reste et cette histoire de beauté c'est franchement nul... chacun ses goûts au final non?contrast a posté le 20 juin 2012 à 15h12Je n'ai pas tout lu mais l'ampoule par exemple a été inventée par Joseph Swan en 1879 d'ailleurs en 1835 James Bowman Lindsay a fait une démonstration d'une ampoule électrique.. L'ascenseur existait en l'an 300 av JC.../ Et puis alors le moteur à combustion c'est en 1854, l'inventeur est Eugenio Barsanti un italien.. rhôo!! l'antenne parabolique!!! Robert Watson-Watt!!! et puis oh!!! le masque a gaz!! John Stenhouse en 1854!! Mais où avez vous trouvé toutes ces histoires!? et puis il faut tenir compte de la conjoncture à l'époque pour les noirs, c'était très difficile pour eux puisqu'ils étaient opprimés sans cesse... on ne les laissait pas faire ou on les empêchait d'étudier... Pour le reste et cette histoire de beauté c'est franchement nul... chacun ses goûts au final non?delphinezami a posté le 2 décembre 2011 à 05h08Je trouve que ce débat est sans fondement, qui peut dire pourquoi x ou y trouve un homme ou une femme beau ou belle. Comment cette étude a t elle été faite? Dès qu'il s'agit de trouver un moyen de justifier ses propres mesquineries, l'Homme n'a jamais hésité à avancer des arguments scientifiques, ou pseudo logiques. Je m'attarderai sur le commentaire de cette personne que j'excuse car il ne s'agit que d'ignorance, en tout cas je l'espère... Les noirs ont inventé - Le téléphone cellulaire - Le moteur à combustion - Le masque à gaz - L'aiguillage des trains - L'ascenseur - La torpille - La lampe électrique - La tondeuse à gazon Et j'en passe, il y en a des centaines... La première opération à cœur ouvert a été réalisée par un noir, c'est encore un noir qui a trouvé un système de conservation du sang permettant les transfusions sanguines qui ont sauvé des milliers de vie. Je vais m'arrêter là et dire tout simplement que ce n'est pas la peine de chercher des excuses pour justifier vos comportements racistes. C'est tellement facile de se sentir grand quand on est convaincu que l'autre est plus petit. Moi, je n'en ai pas besoin ;paulinetameric a posté le 19 juin 2012 à 13h18comme le dit l'article, cette etude a été faite n'importe comment. J'ai déjà reçu cette liste d'invention créées par des noirs, je trouve ça un peu stupide de mettre en avant ces inventions, un cerveau n'a pas de couleur et je trouve que ça revient encore à des arguments raciaux dommageables..les noirs sont aussi intelligents que les autres il n'y a pas lieu de le nier, mais quand vous donnez cette liste on dirait que vous essayer de le justifier. Quand je l'ai reçue cette liste je me suis dit ah ouais super ils ont inventés des trucs comme les autres, mais les ont ils inventés parce qu'il étaient noirs? je pense que l'intelligence des personnes n'est pas liée à leur couleur, qu'en pensez vous?contrast a posté le 20 juin 2012 à 15h20Heureusement que ce n'est pas lié à la couleur... c'est idiot cette idée... oh non....Delphine, le téléphone cellulaire c'est Martin Cooper.. Delphine, tout le monde invente, la couleur n'a rien a voir la dedans, cela dit il faut quand même éviter d'enlever aux inventeurs la paternité de leur inventions..issacisse a posté le 3 juillet 2011 à 08h27A Satoshi Kanazawa , Ma, Maman, es Africaine Pleins de testostérone .mais Elle est plus Jolie et Séduisante,,sexy, que la tienne, Si Ne pas D'accord on Affiche tout Le 2 Photo nos Mamans sur le Net est Laisse le Monde a posté le 3 juillet 2011 à 08h27A Satoshi Kanazawa , Ma, Maman, es Africaine Pleins de testostérone .mais Elle est plus Jolie et Séduisante,,sexy, que la tienne, Si Ne pas D'accord on Affiche tout Le 2 Photo nos Mamans sur le Net est Laisse le Monde a posté le 3 juillet 2011 à 08h05Juste, un Petit Mot pour Satoshi Kanazawa .Moi j’ai Propos Qu'il se Regard un peu dans une Miroir ,ce Demander,pourquoi cette Tête?es Un héritage, sa Maman ou tu Papa ? Qui Il Commence part Décrire, les visages de ses Parents et Grand parents, comme ça on fera une comparerons de Laideur entre eux les Femmes Noirs. qui il oublie surtout pas détails, telle que les yeux,la taille,fesse,est Même sa Langue D’origine si il veux Bien. peu être ce serai son seul a posté le 5 juillet 2011 à 11h38Cher Issa, je ne suis pas sûr que Satoshi Kanazawa puisse prendre en considération votre commentaire si pertinent soit-il car il est trop illisible. C'est comme pour l'usage des majuscules ou du langage sms à outrance, c'est très gênant à lire ;paulinetameric a posté le 19 juin 2012 à 13h10cher Issa, M. Kanazawa ne vous lira pas ici et il ne parlait pas de votre mère. C'est un pseudo scientifique raciste. Ne vous donnez pas la peine de contrecarrer ces arguments stupides qui ne méritent que d'etre feed the troll bises à votre maman!!!cracker a posté le 3 juillet 2011 à 01h53Il faut croire aussi que les hommes blancs sont moins séduisants, enfin, selon la pub il y a des dizaines de publicités mettant en scène un couple hommes noir et femme blanche, mais c'est tellement rare de voir un homme blanc et une femme noire dans une pub... C'est aussi valable dans le rap, a posté le 3 juillet 2011 à 04h37Et l'homme blanc est un vilain dominateur homme ET blanc.Bon_sens a posté le 2 juillet 2011 à 23h34Eh oui, ce que vous oubliez de préciser c'est que l'auteur de cette étude est le docteur Satoshi Kanazawa et que vu ses origines il n'a aucune raison de se soumettre à la dictature de la pensée unique et du politiquement correct qui sont en train de détruire l'Occident. PS moi aussi je trouve les femmes noires moins attirantes. Peut-être suis-je raciste, où dois-je aller me faire interner pour un examen psychiatrique?mounafall a posté le 19 juin 2012 à 14h54Sa c'est ton goût cher amie mais je ne pense pas que tu a vu toutes les femmes noires de la planètes et si on veux parler des africaines qui sont naturelle sans maquillages et leurs vrai cheveux pas celle avec des perruques bien sûrs et qu'on compare les blanches maquillés, avec les extensions et tout les bla-bla.. et le Photoshop c'est sûr qu'on ne peux pas comparer Cette article est complètement stupide encore pour nous montrer que le blancs est supérieur plus beau etc. Il y en a marre. Chaque femmes à sa beauté et ce soi-disant scientifiques n'a jamais voyager à mon a posté le 2 juillet 2011 à 12h28En tout cas, ce n'était pas l'avis de DSK Comme dit le poète Frank Michael "Toutes les femmes sont belles"...nelsmagnificent a posté le 1 juillet 2011 à 13h41Simplement ecœurrant ce genre d'article. On devrait interdire ces experiences a caractere racistes et simplement en poursuivre les auteursfahdilmora a posté le 29 juin 2011 à 17h21C'est vraiment stupide,essayer de revoir ce que vous écrivez mes chers journalistes,la séduction n'a pas de couleur et n'importe qu'elle femme peut vous avez pris pris un échantillon de la population pour mener votre enquête,ce n'est pas évident..alexandrepoincet a posté le 30 juin 2011 à 01h18ho!tu connais pas ma femme!!!lol!alainls a posté le 29 juin 2011 à 00h02Votre article aussi stupide soit-il nous confirme qu'ailleurs qu'en France, il n'est pas illégal de dire qu'il y a des ethnies différentes d'origines différentes. attention, renseignez vous car je crois que les races n'existent pas, il y a plus qu'une race, les homo sapiens, depuis que Néandertal a disparu ; vérifiez svp auprès de l'archéologue le plus proche ! En France, je vous rappelle que cela est strictement interdit ! En France, Il n'y a que des Français et point final ! D'aucuns pensent que certains Français sont lourdement handicapés par rapport aux autres et cela dans bien des domaines, mais il est hélas impossible de le vérifier du fait de cette interdiction. C'est dommage, car nous pourrions surement mieux comprendre les maux de notre société et y remédier plus facilement. ; Cela étant dit, c'est peut-être mieux ainsi, car on ne sait jamais l'usage qui pourrait être fait de ce genre de statistiques. L'exemple de votre article absolument écœurant sur ces pauvres filles bourrées de testostérone le a posté le 28 juin 2011 à 00h31C'est effrayant! Heureusement qu'il a eu une réaction des lecteurs pour supprimer l'article! Vous avez vu, ils ont même une rubrique "Ethics and Morality", sommes nous tous sur la même planète? Oui Sommes nous tous conscients de la valeur d'un être vivant? Non Halte aux expériences... sans consciences! Merci pour votre article!fahdilmora a posté le 29 juin 2011 à 18h34Merci beaucoup pour ta publication Myriam Tellier-Prudent et que Dieu te bénissefenetresurlemonde a posté le 27 juin 2011 à 19h12Cet article est totalement ridicule tout comme les préjugés qui vont avecrolandalbert a posté le 26 juin 2011 à 17h23"Les femmes noires sont elles moins séduisantes que les autres" ??? quels sont les autres ???les métis,les bronzées comme certaines femmes arabes,les jaunes comme les chinoises ???,la palette de couleurs n'est pas j'ai eu une copine noire Américaine pendant une dizaine d'années ,originaire de SAN JOSE en Californie peux affirmer qu'elle était très séduisante,très belle,elle était danseuse de revues a LOS ANGELES;la fable qui consiste a dire que les noires santent ont une odeur bizarre comme on l'entend souvent,est copine ne faisait pas partie de celles je parle d'elle au passé,il y a deux ans elle a trouvé la mort dans un accident de la ciculation au BRESIL .Paix a son âme.....juliennejeyrmeynezadiguegougougnan a posté le 25 juin 2011 à 15h48wooppy a fait trembler le monde du cinema il y a quelques annees sur un tournage la tete d'un acteur blanc il n'a pas resister aux charmes de la NEGRESSE ce que sa pauvre femme n'a pas supporter du tout toute histoire que cela avait fait c'etait la diablesse et tous les mots .........juliennejeyrmeynezadiguegougougnan a posté le 25 juin 2011 à 15h41c'est pour cette raison que certains hommes bien socialement en perdent la raison a cause d'elle ah ah ah ah souvenez-vous ce qui sais passer quand wooppy golberg a tourner le film d'un enfant nee de don du sperme son pere etait finalement blanc au cours du tournage cela avait fait les gorges chaudes du monde du show bizrejannf a posté le 25 juin 2011 à 15h31Le NB me rend la respiration, j'en avais le souffle coupé. Heureusement que l'intérêt commercial l'emporte sur l'archaïsme des affirmations. On se serait cru 1 ou 2 bons siècles en arrière. Je me demandais, tout de même - Ont-elles une âme ? Et ces chercheurs, ont-ils un cerveau ?carolinetowo a posté le 25 juin 2011 à 12h39Cher Monsieur Satoshi Kamazawa, je constate que vous vous ennuyez énormément dans votre vie, alors je me propose comme cobaye pour vos prochaines expériences "scientifiques". Je vous suggère les sujets suivants 1 La femme noire a le cerveau d'un poisson rouge. 2 La femme noire est paresseuse. 3 La femme noire est matérialiste. 4 La femme noire est naïve. 5 La femme noire est noire et moche car elle vient d'Afrique. 6 La femme noire sent mauvais. 7 La femme noire ne porte pas de sous-vêtements. 8 La femme noire vous emmerde. Consultez un psychologue vous aiderait à vous défaire de votre obsession pour la femme a posté le 25 juin 2011 à 09h35stupide la photo prouve le contraire ... et n'importe quel prof se solfege vous le dira une noire vaut deux blanches ...Cancerto a posté le 26 juin 2011 à 11h56D'accord pour la photo mais pas pour le solfège, c'est une blanche qui vaut deux noires Dommage, parce que votre analogie était bien trouvée! Et d'ailleurs, une Ronde vaut deux blanches!!! Marrant le solfège! Pour ma part, en tant que musicien, j'aime toutes les a posté le 21 juin 2012 à 23h18Même si vous ne trouvez pas belle la femme de la photo moi non plus, et je suis une femme noire, peut-on généraliser pour autant ??lorelei a posté le 24 juin 2011 à 16h22C'est le genre d'article qui me fait rire si à chaque fois que quelqu'un a un echec dans sa vie on se pose la question de la responsabilité des autres on n'y arrivera jamais, et en sus certains adorent la flagellation de toute evidence et pense que l'homme blanc est la source du malheur dans le monde alors qu'il suffirait d'avoir connaissance de l'histoire de la terre pour comprendre que l'on peut tuer avec une machette 1 million de personne pas même besoin de bombesimonporcher a posté le 24 juin 2011 à 15h15franckroussin a posté le 24 juin 2011 à 06h17Bonjour. Quand le nouvel observateur reprenait le communiqué de l'AFP parlant du "premier coureur blanc à descendre sous les 10 secondes sur 100 mètres" "Christophe Lemaitre en symbole du renouveau de l'athlétisme français", publié le 31-07-10, comme si de simples pigments de peau avait une incidence physiologique sur les individus... Ils s'étaient posés quoi comme question pour écrire ça, les journalistes du Nouvel Obs ? "Les hommes blancs courent-ils moins vite que les hommes noirs ?" "Les hommes noirs courent-ils plus vite que les hommes blancs ?" Ça peut provoquer quoi à leur avis ce genre d'affirmation ?anthonyeguienta a posté le 24 juin 2011 à 14h20Bonjour Franck, Il y a eu beaucoup d'explication a ce phénomène ,basé sur des études scientifique solide et aux protocoles contrôlés proportion fibre rouge et blanches dans la population noire, mutation sur les globules rouges qui transporte l’oxygène toujours au seins de cette population, que j'éviterais d'expliquer de peur de ne pas être exact. Il n'empêche que d'un autre côté, il n'y a pratiquement pas, sinon pas du tout d'individus noir dans le haut niveau de la natation et bien d'autres sport et je suis sûre qu'il y a aussi des explication scientifiques crédibles. Tout cela pour dire qu'il ne faut pas porte attention a certains individus mal intentionnés et ayant des "préférence" raciales quelles quelles soient et ce laissé influencé par n’importe quelle étude qui se dit a posté le 24 juin 2011 à 21h47Bonjour. De telles "études" ne risquent pas de m'influencer mais ça peut faire des dégâts auprès d'une population justement influençable, et ce dans une période où les extrémismes montent un peu partout en Europe. Vous-même pourriez semer le doute avec votre réponse en parlant d'études scientifiques solides et aux protocoles contrôlés. Je note au passage que vous émettez l'idée qu'il y ait des différences, avec 2 ou 3 exemples, en vous défaussant la phrase suivante j'éviterai d'expliquer. Ça c'est très malin. Sur le site "françaisdesouche" où ça touche le fond, ils expliquent que c'est à cause du nombril... Bref... Faut arrêter les conneries... Pas d'individus "noirs" dans le haut niveau de la natation ? Et Malia Metella, Coralie Balmy, Malick Fall ?leeroyor a posté le 23 juin 2011 à 22h47les femmes Noir d origine Noir même avec des mélanges sont très belle et différente dans leurs beauté et très varier et très appétissantes ... aucune critique ne peut changer cella .. pour l instant elle s ne peut changer les critères de beauté a cause du manque de moyens ... moyen que la femme blanche a depuis longtemps ... mais si ça change .. vos critères de beauté disparaitrons tout naturellement ... si la femme noir n était pas si belle .. alors pourquoi les hommes blanc on t il pris sexuellement les femmes noir ?? pendent l esclavage ?? et je parle pas d aujourd’hui ... ! une grande hypocrisie de la part des humains blanc comme d'habitude ! les femmes noir sont belle et l on toujours été .... mais ça dérange a cause de la concurrence ... les femmes noir sont belle et l on toujours été ..........pierrerichard a posté le 24 juin 2011 à 07h53encore unleeroyor a posté le 23 juin 2011 à 22h32les Noirs on toujours été mépriser même nos femmes qu elle soit belle ou pas ... a cause de l opinion que certain on deux même .. ils se considére comme des dieux encore aujourd’hui alors que ce n est pas le cas ! ... Citation de leeroy 8melaniechoko a posté le 23 juin 2011 à 22h13Je rajouterai aussi qu'en realite Psychology Today est un magazine americain qui n'a pas beaucoup de crebilite non plus car il correspond un peu au People ou Closer de la psychologie... Tout s'explique a posté le 23 juin 2011 à 22h06Pour info, ce "scientifique" n'est pas du tout credible dans le milieu. Ces resultats ont ete contestes et il a ete prouve qu'il avait tort. Par ailleurs, ses conclusions sur les femmes noires sont biaisees car il a fait le choix de ne prendre que des resultats provenant de reponses de personnes dont l'age est compris entre 12 et 22 ans. Il a ete aussi demontre par ses confreres que les differences que Kanazawa releve comme significatives ne le sont pas du tout et encore moins lorsque l'on s'interesse aux categories plus agees. Beaucoup de bruit pour rien donc. Ce n'est pas la premiere fois qu'il est conteste pour ses allegations et il est plus considere comme un clown que comme un reel scientifique, notamment avec son rapport montrant que toutes les femmes sont des prostituees... Le reel probleme est que Psychology Today autorise un tel post car ce rapport a ete publie sur le blog du site du magazine.antoinedepres a posté le 23 juin 2011 à 19h36C'est du grand n'importe quoi et la diversite genetique est bien presente en Afrique puisque apparemment nous en venons tous. De quoi et de qui parle t'on ? De Naomi Campbell ou de ma voisine en boubou? De Claudia Schiffer ou de Christine Boutin ou au hasard Martine Aubry?francoisohl a posté le 23 juin 2011 à 17h21J'ai beau être d'accord dans le fond, cet article est une vraie blague. La rédactrice est-elle vraiment journaliste ? Je n'aime pas critiquer pour rien, mais la forme décrédibilise tellement l'article et l'info qui en découle que je me suis senti obligé de commenter. Pour le contenu en lui même, ça n'est même plus choquant, il y a eu et il y aura toujours des pseudo-études scientifiques servant à soutenir des idéologies politiques diverses, et le racisme en a toujours bien profité. Rien que d'en parler c'est y accorder trop d' a posté le 23 juin 2011 à 17h13L'argument des mutations génétiques m'étonne au plus haut point. Je pensais que justement, la plus grande diversité génétique était localisée en Afrique orientale. Si bien qu'il y aurait plus de différences génétiques entre deux habitants d'Afrique orientale qu'entre un européen et un asiatique...valeriebatantou a posté le 23 juin 2011 à 16h22????danielprins a posté le 23 juin 2011 à 15h10Evidement les femmes noires ne sont pas moins séduisantes que d'autres. La séduction n'est pas uniquement constituée par l'aspect physique même si il y contribue pour une grande part. La différence est certainement de nature plus culturelle et principalement liée à la personnalité. Les clivages dans notre société moderne sans réelles références. La médiatisation mondiale provoque plus la confusion mentale que d'apporter des informations compréhensibles assimilables pour la majorité des personnes qui n'ont pas les références, les connaissances fondamentales pour les recevoir. Ils ne retiennent que des images généralement sans aucun recul ni analyse, donc sans pouvoir les interpréter "correctement" de manière cohérence avec les références de l’émetteur, elles se font sans réelle valeur culturelle au véritable sens de ce terme et on ne peut orienter ou plus exactement calquer » sa vie sur des images » mal comprises. Ce qui signifie que le clivage, la séparation entre attirance, indifférence voire répulsion dans cette matière de la séduction, est essentiellement culturel, mais au sens de la connaissance, de l'éducation, de la reconnaissance de valeurs communes qui ne peuvent être que scientifiques, philosophiques et principalement culturelles au sens des valeurs transmises par l’éducation. Mais il convient également de ne pas se laisser piéger par les idéologies et les idéalismes qui peuvent faire croire que ces adrianagacia a posté le 23 juin 2011 à 14h53Merci pour cet article. Je voulais juste ajouter que le "chercheur" responsable de ce torchon n'est pas à son premier coup. Il s'appelle Satoshi Kanazawa, et a déjà publié pas mal d'absurdités racistes, sexistes et homophones, toujours à partir des ridicules théories de la "psychologie évolutionniste". Par ailleurs, ce courant de la psychologie est souvent utilisé pour justifier les pires comportements masculins. Pourquoi les hommes violent les femmes? Parce qu'ils ont besoin d'éparpiller leur "graine". Pourquoi les hommes sont infidèles à leurs épouses? Même explication. Pourquoi les hommes ont un travail pendant que les femmes doivent rester à la maison? Demandez à nos ancêtres de Neandertal. Franchement, c'est pathétique. On choisit d'ignorer tous les autres aspects d'un type de comportement humain, on met de côté tout ce qui ne cale pas avec des théories à deux balles et, pire, on nous annonce tout cela comme si c'était la vérité. Les médias, eux, répandent ces théories sans le moindre esprit critique, juste parce qu'il s'agit de sources "scientifiques" et que ça conforme certaines préjugés. Et bien, voilà où tout ça nous amène...antoinenica a posté le 23 juin 2011 à 14h48Je suis irrémédiablement plus attiré par les femmes aux origines Asiatiques, Africaines, Caribéennes ou Latino que par les "blanches bien de chez nous". Est-ce qu'on pourrait faire une autre étude pour expliquer ça "scientifiquement" svp...gerardroche a posté le 23 juin 2011 à 14h21se poser la question, avoir l'idée de relayer ce genre de questions... c'est faire du racisme, c'est un acte raciste. Ce genre de question ne m'est parvenue au cerveau partant du principe que les noires font partie de l'humaine condition et donc que femmes noires ou blanches ou jaunes ... certaines sont forcément des laiderons et que d'autres sont forcément belles. On se pose ce genre de questions inutiles et on se donne le beau jeu de s'offusquer ... Cela doit donner une pose a posté le 23 juin 2011 à 15h42Cher monsieur, au fond il me semble que vous partagez l'avis de la journaliste. Mais là où vous choisissez l'indifférence, après tout chacun sa manière d'aborder ce genre de sujet, d'autres décident d'argumenter en la défaveur des tentatives de nous servir des débats plus bas que terre. Je remercie toute personne réactive qui refuse que des chercheurs ayant d'énormes responsabilités dans nos sociétés lui servent n'importe quoi, surtout par les temps qui courent. Et j'ai pu constater que les gens qui s'offusquent des petites causes sont en général en première ligne des grandes et prennent les coups. J'ai pu constater l'inverse aussi...beatricetoulon a posté le 23 juin 2011 à 14h10L'impact du racisme sur les goûts esthétiques commence tout petit à l'école. Voir Illustration au quotidien, l' a posté le 23 juin 2011 à 12h50Belle contre-argumentation.

Lucienne Magalie Pons et ses collaborateurs vous souhaitent la bienvenue * Relais d'informations générales et politiques - notes d'opinion, et autres nouvelles - Rechercher dans ce blog. Nombre total de pages vues. Translate. 26 janvier 2011. REVUE DE PRESSE EUROPEENNE: TUNISIE - EGYPTE - LIBAN - SOURCE / EURO/TOPICS : Revue de presse européenne du

La pédagogie active ou pédagogie de l'envie se veut en rupture avec la pédagogie conventionnelle. C'est une pédagogie innovante, dynamique, faite pour stimuler l'apprenant et le mettre en appétit. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. Connaissez-vous Louise attaque ? Ce groupe a eu le vent en poupe entre la fin des années 90 et le début des années 2000. Le chanteur, Gaëtan Roussel, poursuit une carrière en solo depuis plusieurs années. Les jeunes sont de plus en plus habitués à entendre et à regarder des vidéos, des séries, des films en version originale, essentiellement en anglais. Aussi pensons-nous qu’une telle approche peut s’appliquer en classe de FLE. Confronter les étudiants le plus tôt possible à des documents authentiques nous paraît donc souhaitable. Toujours en suivant la démarche de la pédagogie active, voici une nouvelle chanson pour la classe. On ne distribuera donc pas les paroles, on n’écoutera pas la chanson, et on s'abstiendra même de dire qu’il s’agit de travailler sur une lieu de tout annoncer, dire et présenter, nous passerons par l’HOMEOPATHIE chère à la pédagogie active. Ainsi, l'enseignant distribuera une sélection de vers de la chanson et créera l'activité qui mènera la classe à connaître une bonne partie des paroles de la chanson, en respectant l'idée initiale de l'auteur celle de nous surprendre. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. Les hypocoristiques sont les mots à connotation affective du langage familier. Le premier objectif consiste à amplifier cette connaissance et à mettre en place des stratégies de recherche portant sur l’origine des mots d’une manière générale. Le deuxième objectif met en valeur les différences interculturelles concernant les choix des surnoms à connotation affective. Enfin, le troisième objectif donne aux étudiants les moyens de mener une recherche solide en matière d’extension du lexique.. Toujours en suivant la démarche de la pédagogie active*, nous introduirons de petites activités qui permettront aux étudiants de découvrir et les paroles et la thématique d'une chanson qui est devenue un tube en 2018. Avec elle, le public découvrait la très jeune chanteuse belge qui allait s'imposer et devenir une artiste incontournable de la scène musicale francophone au même titre que son illustre compatriote Stromae. *Selon les préceptes de la pédagogie active, le professeur s'abstiendra de dire que le but des différentes activités est de travailler sur une chanson. En privilégiant notre démarche de pédagogie active, nous découvrirons qui était Pierre Rabhi. Nous utiliserons comme support le livre destiné aux enfants et jeunes adolescents à partir de 10 ans, qu'il avait écrit avec Claire Eggermont, et dont Le Clézio a écrit la préface. Pierre Rabhi. L'enfant du désert est publié chez Gallimard Jeunesse dans la collection Folio Junior. Pierre Rabhi, qui est décédé le 4 décembre 2021, était une figure parmi les défenseurs du développement durable. L'agriculture qu'il défendait devait être en harmonie avec la nature et devait constituer un des vecteurs permettant de vivre autrement. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. Nous vous proposons d’exploiter une chanson d’Hubert-Félix Thiéfaine, figure majeure à la fois de la chanson à texte et du rock français. Thiéfaine est un écorché vif », un être à la sensibilité à fleur de peau et à la vaste culture dossier est profilé pour des classes de littéraires », notamment les ESABAC, plus précisément pour la classe de Quinta. Si rien n’exclut a priori un autre public, prenez bien en compte la difficulté du texte de la chanson et les nombreuses références littéraires qui le parsèment et lui donnent sa raison d’être avant de le soumettre à un autre auditoire. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. On parle de plus en plus de l’état de flow, état dans lequel nous serions au maximum de nos capacités dans l’exécution d’une tâche, qu’elle soit professionnelle ou liée à un loisir. Les étudiants découvriront les caractéristiques de cet état par le biais d’une vidéo. La démarche retenue est toujours celle de la pédagogie active. Nous nous abstiendrons donc d’annoncer aux étudiants que le support sur lequel nous allons travailler est une chanson. De même, nous ne distribuerons pas les paroles. La confrontation brutale » avec des paroles qui pourrait être source de découragement est remplacée par la démarche dite de l’homéopathie. La découverte à petits pas aboutit, en fin de parcours, à la chanson. Le travail des compétences proposé par l’enseignant aura comme conséquence de préparer les étudiants à la compréhension des paroles de la chanson. Une fois cette approche des paroles de la chanson faite, son écoute fera son effet et les étudiants comprendront la démarche de leur professeur. Une activité orale d’échanges par rapport à la manière dont… La démarche retenue est celle de la pédagogie active. Par le biais d’un court-métrage, les étudiants approfondiront le thème de la famille, notamment la relation père/fils/fille. Plus encore que simplement linguistique, l’objectif se veut psychologique renforcer la confiance en soi des étudiants, et les inciter le plus possible à regarder des vidéos et des films en langue française. La fiche que nous vous proposons se veut donc construite essentiellement dans ce but. Par ailleurs, c’est l’occasion pour les étudiants de découvrir Maud Bettina-Marie, qui crée des vidéos depuis plusieurs années cours-métrages, sketchs , réflexions est possible d’aborder notre fiche au niveau B1, auquel cas l’aspect linguistique ne constituera plus une difficulté. La vidéo jouera… La démarche retenue est celle de la pédagogie active. Les étudiants s’approprieront une séquence filmique tirée du Magnifique, de Philippe De Broca, avec Jean-Paul Belmondo. Les étudiants découvriront ainsi une figure du cinéma français et un classique de sa filmographie. Ils consolideront également leur capacité à décrire et commenter une scène filmique. L'exploitation proposée ici compte 4 séquences et se déroulera en deux séances de 45 minutes environ, en 2 blocs séquences 1-2-3 + séquence 4, indépendante La démarche retenue est celle de la pédagogie active. À travers la découverte d’une carte postale, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale afin de développer les compétences nécessaires au niveau A1. Cette démarche, leur permettra de se sentir à l’aise pour découvrir les lieux touristiques dans une ville et pouvoir s’y déplacer. Les séquences que nous suivrons seront successivement Mise en route, 10 minutes découverte et présentation du document déclencheur - Présentation de la grammaire de manière inductive,15 minutes - Mise en pratique de la grammaire,15 minutes + réemploi, 20 minutes - Projet final, 30 proposée ici compte 3 séquences • Mise en route découverte et présentation du document déclencheur - 15… La démarche retenue est celle de la pédagogie active. À travers la découverte d’une carte postale, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale afin de développer les compétences nécessaires au niveau A1. Cette démarche, leur permettra de se sentir à l’aise pour découvrir les lieux touristiques dans une ville et pouvoir s’y proposée ici compte 3 séquences • Mise en route découverte et présentation du document déclencheur - 15 minutes• Présentation du lexique de manière inductive - 20 minutes • Mise en pratique du lexique - 30 minutes + réemploi - 25 minutes Suzane est une nouvelle venue sur la scène française. A 30 ans, elle a éclos, portée par son énergie, son talent et des chansons à texte très bien orchestrées. Elle a reçu en 2020 la Victoire de la musique en tant que révélation de l'année. Dans cette chanson éponyme, elle retrace son propre parcours avant que le succès ne survienne. Beaucoup lui conseillaient d'abandonner ce projet de devenir chanteuse. La chanson parle de leurs regards dubitatifs lorsqu'elle leur annonçait son désir de réussir sur la scène musicale. Nous allons, une nouvelle fois, nous servir de la pédagogie active pour exploiter cette chanson en classe. Calogero est un artiste majeur de la scène musicale française depuis une vingtaine d'années. De nombreux tubes jalonnent son parcours jusqu'à son huitième album sorti le 6 novembre 2020. La chanson La rumeur, ici didactisée, se prête particulièrement bien à notre démarche dite de la pédagogie active. En effet, au lieu de distribuer l'ensemble des paroles et faire écouter la chanson, nous allons l'aborder autrement, à doses homéopathiques, et allons ainsi étudier et analyser les paroles avant de prendre connaissance de l'ensemble de la chanson. Donner ainsi, à l'apprenant un rôle actif, éviter qu'il subisse le cours de français, injecter un moment créatif associant découverte lexicale et débat sur une question de société, tels sont les objectifs de cette… Le mois de novembre en France est marqué par le souvenir des massacres perpétrés par les djihadistes le 13 novembre 2015. La jeunesse de France fut particulièrement visée par les auteurs des attentats qui ciblèrent la salle de concert Le Bataclan et les terrasses de nombreux restaurants bondées par cette belle soirée du vendredi 13 novembre. En 2015, la France est meurtrie et s'interroge sur la fascination qu'arrive à exercer des thèses extrémistes, mortifères qui pour beaucoup s'apparentent à celles que l'Europe engendra dans les années 1930. JE VOUS SAUVERAI, livre de littérature jeunesse d'Emilie Frèche que nous allons exploiter avec la démarche homéopathique prônée par la pédagogie active permet d'introduire et d'aborder le processus de grand… Chaque région de France possède sa culture, ses particularismes et ses légendes. Aujourd’hui, nous vous convions à un voyage dans le temps à la découverte d’un monstre fabuleux issu du folklore provençal la tarasque. Par le biais de la pédagogie active, les étudiants s’approprieront un élément important du patrimoine régional, littéraire et symbolique d’une région française. Ils pourront in fine présenter à leur tour un mythe ou une légende provenant de leur culture. Un article de Nice Matin sur un personnage intéressant de la Côte d'Azur, ici exploité suivant la démarche de la pédagogie active. L'enseignant se gardera de distribuer l'ensemble du document. Il préfèrera s'en servir différemment pour éveiller l'intérêt envers notre personnage. En le dévoilant petit à petit. Une activité dynamique, interactive qui nous permettra de découvrir Kadija SELMI, selon l'approche dite de "l'homéopathie" qui distille une frustration stimulante. La démarche retenue pour ces différentes activités est celle de la pédagogie active. Les élèves auront la possibilité, grâce aux séquences proposées, d’aborder les domaines de l’imagination et de la créativité chers à l’ école dédiée aux métiers artistiques et basée en France Montpellier, Toulouse et au Québec. Les élèves pourront être invités à consulter le site de l’école, à voir les nombreuses vidéos, créations des étudiants en fin d'études, qui y sont présentées et à les exploiter. Grâce à cette petite vidéo de Nikola Obermann et Philippe Massonnet, disponible jusqu'au 18/03/2022 et par le biais de la pédagogie active, les étudiants découvriront une spécificité du métro parisien ainsi que le mot "strapontin". Par la suite, les étudiants prendront la parole et échangeront sur les moyens de transport. Les séquences 1 à 3 se traitent en une seule séance. La séquence 4 peut faire l'objet d'une deuxième séance. NB Hormis les premières secondes voir MISE EN ROUTE et la toute dernière écoute de vérification - qui permet la découverte des images- les écoutes se font en audio uniquement, sans les images. Un approfondissement du lexique est possible pour des niveaux au-delà du B1. La transcription vous aidera si nécessaire. La démarche retenue ici, est celle de la pédagogie active. À travers l’exploitation de différents supports, les élèves seront amenés à découvrir l’identité d’un des artistes les plus connus de la scène électro et qui a travaillé avec des artistes internationaux connus par la majorité d’un public jeune, comme Justin Bieber, Drake ou Selena Gomez. Il ne faudra pas divulguer à la classe le nom de cet artiste, le but étant de laisser aux étudiants le soin de le découvrir et de mettre en avant un des plus célèbres DJ français, comme David Guetta ou Bob Sinclar. Il s'agit de capter l'attention, éveiller l'intérêt dans la classe de français grâce au support image comme déclencheur. Mais une image que nous ne présenterons pas telle qu'elle est, mais sur laquelle l'enseignant sera intervenu, comme le veut la pédagogie active, afin de la rendre impactante, surprenante, insolite. Bref, qu'elle puisse agir comme un vrai déclencheur au sein de la classe et des sous-groupes classe qui seront amenés à l'utiliser en tant que document didactique. Nous allons procéder comme pour beaucoup d'autres documents montrés dans cette rubrique, en nous abstenant de tout montrer d'un coup. En effet, à la pédagogie du trop, nous préférons travailler à doses homéopathiques. La démarche retenue ici, est celle de la pédagogie active. À travers l’exploitation de différents supports, les élèves seront amenés à découvrir l’identité d’un des artistes les plus connus de la scène électro et qui a travaillé avec des artistes internationaux connus par la majorité d’un public jeune, comme Justin Bieber, Drake ou Selena Gomez. Il ne faudra pas divulguer à la classe le nom de cet artiste, le but étant de laisser aux étudiants le soin de le découvrir et de mettre en avant un des plus célèbres DJ français, comme David Guetta ou Bob Sinclar. Une activité de découverte du roman d'Emilie Frèche que nous mènerons en classe selon la démarche de l'homéopathie comme le préconise la pédagogie active, habituellement présentée dans nos fiches. Lexique et difficultés grammaticales sont ainsi abordés progressivement tout en accédant petit à petit, les uns après les autres, aux événements qui ont bouleversé une famille. Cette histoire que nous raconte l'auteure est intimement liée à une réalité qui a traversé la décennie, frappant de nombreuses familles. Démarche pédagogique Nous choisissons une démarche active, communicative et interculturelle. Le professeur ne dévoilera le document support que par extrait » afin de laisser les étudiants imaginer de quoi il s’agit et prendre possession de leur séance didactique. Silvàn AREG, nouveau venu sur la scène française sous son nom artistique actuel, est présenté dans la rubrique Actualités Culturelles de ce n° 97 correspondant au mois d'octobre 2019. Nous avons choisi de travailler l'un de ses pédagogie active, en particulier la démarche dite de l’homéopathie, va guider la découverte et l’appropriation de ce document authentique. Au lieu d’être confrontés à l’ensemble de la chanson, les étudiants vont découvrir les paroles par petites touches. Les difficultés sont ainsi vues progressivement, sans désorienter les étudiants. Dans cette activité didactique dynamique, ces paroles vues progressivement avant de passer à l’écoute de la chanson, serviront de déclencheurs pour les inviter à réfléchir et à s’engager dans une production… Nous présentons dans ce numéro 95 du Français et Vous, une activité qui fonctionne très bien en classe. Nous invitons les collègues qui le souhaitent à s'inspirer de cette approche méthodologique pour continuer à introduire autrement le film en classe de Fle. En effet, comme nous l'avons montré dans d'autres fiches du Français et Vous, le film en classe de Fle est exploitable de maintes façons,.Nous préconisons, en règle générale, de sélectionner un ou plusieurs passages qui donneront lieu à des activités diverses pour travailler des compétences fois-ci, nous invitons les apprenants à travailler à partir de l'image même, la plus courte séquence du film, puisque, ne l'oublions pas, l'oeuvre cinématographique est constituée d'une… Pour introduire en classe "Les oubliés" de Gauvain Sers, nous respecterons la démarche de la pédagogie active. L’enseignant se gardera donc d'annoncer à sa classe qu’il s’agit de travailler à partir des paroles d'une chanson. Ce document authentique va faire l’objet d’un travail de préparation préalable à la découverte proprement dite de la chanson. Les difficultés tant lexicales que syntaxiques ou bien contextuelles seront vues progressivement selon l’approche dite de l'homéopathie chère à la pédagogie active et comme nous le verrons dans la séquence 1, puis 2 et n'est qu'après ce travail préparatoire qui, dans le même temps sert à déjà à aborder la problématique sociale de la chanson, que l'on dévoilera l'intégralité des paroles. … Nous vous proposons, par le biais de la pédagogie active, de découvrir une romancière italienne qui a élu domicile à Paris il y a longtemps et qui a publié de nombreux romans policiers, tous directement en France a donné de nombreux auteurs de romans policiers, du célèbre Simenon à Maurice Dantec. Dans ce domaine, les écrivains francophones ne déméritent pas. Aussi, nous vous proposons une incursion dans un domaine où la littérature française joue des coudes avec le monde anglophone. Pédagogie active oblige, la démarche d'exploitation de la chanson de Marka va réserver quelques surprises puisque les paroles initiales vont subir une transformation avec le remplacement de la plainte masculine qui est la trouvaille provocatrice de Marka, par une plus traditionnellement féminine avant d’écouter la vraie version du chanteur belge. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. A travers la découverte de plusieurs documents issus de divers types de supports, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale sur l’explication, la description et la justification. Pour les niveaux plus élevés, le cours pourra porter sur la mise en place d’une argumentation et d’éléments de persuasion pour aboutir à une démonstration et à une conclusion appropriée. Nous proposons un travail d'exploitation d'un sujet issu de l'émission Karambolage d'Arte, la chaîne franco-allemande. Une approche active permettra aux étudiants de se familiariser avec un cliché du Sud de la France, la cagole, via un document authentique. La prise de parole et le travail créatif sont encouragés. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. A travers la découverte de plusieurs documents issus de différents supports, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale sur l’explication, la description et le questionnement. Évoquer des goûts personnels constitue un socle dès le niveau A1. Mais il est bien évident que ce socle n'est qu'une base destinée à s'enrichir sans cesse. Or les couleurs "parlent", à des degrés divers, à chacun d'entre nous. Nous nous proposons donc, via la pédagogie active, d'exploiter l'interview d'un historien spécialiste des couleurs, Michel Pastoureau. Le sujet est, en même temps, suffisamment général pour être abordé en B1. Notre démarche prend appui sur l'intervention de Michel Pastoureau. En proposant aux élèves différentes activités et supports en lien avec les jeux vidéo, les élèves seront guidés pour s’interroger sur les jeux vidéo, leur place dans les loisirs actuels, dans la professionnalisation de cette activité, les étapes de la création d’un jeu et la place des femmes dans cet environnement. En travaillant de façon transversale sur des documents variés et en prenant appui sur une approche active, les étudiants parviendront à développer les compétences nécessaires aux niveaux B1 et B2. En travaillant de façon transversale sur des documents variés et en prenant appui sur une perspective active, les élèves parviendront à développer les compétences nécessaires dès le niveau A2 et la maîtrise des temps du passé. La démarche d'exploitation retenue pour ce document authentique est celle de la pédagogie active. Grâce à l’exploitation d’une vidéo de Cyprien, les étudiants seront amenés à parler de leur propre vie, de leurs familles et de leurs amis. Une démarche d'exploitation non conventionnelle pour faire découvrir de manière dynamique, le monde surréaliste de Jacques allons donc appliquer à l’exploitation d’une histoire courte mais aussi d’une vidéo la démarche innovante, propre à la pédagogie active que nous présentons dans cette rubrique à travers nos diverses fiches pédagogiques. Démarche pédagogique nous utiliserons une campagne de sensibilisation à la prise de stupéfiants au volant. Il s'agira donc d'éveiller la curiosité des étudiants à partir d'une vidéo construite comme une BD qui leur permettra de développer leurs connaissances et compétences de façon active et communicative. Une chanson avec subjonctif ! Parfait support pour nous enseignants afin de travailler autrement ce point grammatical sans faire trembler nos élèves. En effet, il s&39;agit de proposer en classe une démarche différente, avenante grâce à une pédagogie non conventionnelle en associant cette œuvre musicale du jeune Gauvain Sers qui, en outre, s&39;est amusé à multiplier les clins d&39;œil culturels dans sa chanson. Autant de pistes à creuser en classe. Un travail teinté de pédagogie active pour faire découvrir, de manière dynamique, ce film tiré d’une histoire vraie. Nous allons donc appliquer à l’exploitation d’une œuvre cinématographique, la démarche innovante, propre à la pédagogie active que nous présentons dans cette rubrique à travers nos diverses fiches pédagogiques. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. A travers la découverte de plusieurs documents issus de divers supports, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale sur l’hypothèse, le subjonctif, l’interaction orale et la compréhension orale, pour réussir à comprendre les éléments requis au niveau B2. Par le biais de la pédagogie active, les étudiants s'approprieront une séquence filmique, travailleront le langage familier puis élaboreront une saynète. Il s'agit d'un extrait de Nuit d'ivresse de Bernard Nauer, d'après le pièce du même titre écrite par Michel Blanc et Josiane Balasko Ce sera également l'occasion de découvrir une oeuvre culte de la bande du Splendid et, pourquoi pas, d'introduire une séquence sur la comédie française. La démarche retenue est celle de la pédagogie active. A travers la découverte de plusieurs documents issus de divers types de supports, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale sur des documents de nature variée pour réussir à développer les compétences nécessaires au niveau A1. Un travail teinté de pédagogie active pour faire découvrir de manière dynamique, l’œuvre de Marcel Pagnol, L’eau des Collines - Manon des Sources ». Nous allons donc appliquer à l’exploitation d’une œuvre cinématographique, la démarche innovante, propre à la pédagogie active que nous présentons dans cette rubrique à travers nos diverses fiches pédagogiques. Exploitation du reportage sur FRAGONARD » dans l’émission VERSION FRANCAISE » de TV5 Monde du 25 Juin travail axé sur la pédagogie active pour faire découvrir de manière dynamique la tradition des Maisons de parfums en France à travers un reportage sur FRAGONARD. Le travail se fera autour de quatre séquences d’apprentissage utilisant les quatre compétences Séquence 1 = Travail de discussion / hypothèses/description sur le thème de la leçonSéquences 2 & 3 = Travail de visionnage / compréhension de la vidéoSéquence 4 = Travail de production écrite / présentation sur un souvenir, une expérience personnelle lié à l’odorat Un travail axé sur la pédagogie active pour faire découvrir de manière dynamique, les colonies de vacances à travers le film Nos jours heureux d’Olivier Nakache et Eric Toledano. Cette oeuvre est le deuxième long métrage du duo qui allait réaliser cinq ans plus tard leur quatrième film allons donc appliquer à l’exploitation d’une œuvre cinématographique, la démarche innovante, propre à la pédagogie active que nous présentons dans cette rubrique à travers nos diverses fiches pédagogiques. A partir du niveau B1 Mai 68 Mai, c'est le mois du muguet, du printemps qui bascule déjà vers l'été, du cinéma avec la vague de découvertes cinématographiques proposées par le Festival de Cannes. Cependant, le mois de mai est resté dans l'histoire contemporaine de la France comme le moment où la société française fut bouleversée par une jeunesse qui aspirait à une autre forme de vie. Mai 68 fut un véritable séisme. le résultat de l'impact entre valeurs traditionnelles et collectives d'une part et nouvelles aspirations individuelles portées par la jeunesse. Nous revenons, ici, sur cet événement majeur, fondateur de la société moderne française, à travers un travail sur la langue en évoquant, notamment, quelques slogans d'alors. A partir du niveau A2 / B1 Les quatre éléments En faisant appel à des images simples mais évocatrices pour l'esprit, celles qui sont liées aux quatre éléments de l'alchimie et de la philosophie antique, les étudiants approfondiront le vocabulaire lié au portrait moral. Nous exploitons donc, via la pédagogie active, un héritage intemporel -et donc universel- que le succès des mondes imaginaires, au cinéma et dans les séries télévisées, a remis au goût du jour. Pour célébrer la francophonie, nous présentons dans ce numéro de mars 2017, une nouvelle de Fouad Laroui, grand écrivain marocain francophone. La démarche que nous avons choisie pour l'exploitation pédagogique de cette oeuvre est axée sur la pédagogie active, censée éveiller la curiosité et l'envie des apprenants. Elle va nous permettre de découvrir, progressivement, l'histoire racontée par le narrateur. Extrait d’un épisode de BD de Gaston Lagaffe FRANQUIN Le film Demain que nous avons déjà présenté dans notre magazine, propose de nombreuses solutions aux problèmes environnementaux que nous rencontrons actuellement ou que nous rencontrerons sûrement à l'avenir. L'objectif de cette fiche pédagogique est aussi d'amener les étudiants à la compréhension des idées du film, réunies autour de 5 chapitres AGRICULTURE/ ÉNERGIE/ ÉCONOMIE/ DÉMOCRATIE/ ÉDUCATION Claudio Capéo que nous avons présenté dans notre n° 68 de novembre 2016, a fait une entrée tonitruante dans le monde de la chanson française actuelle. Nous proposons ici, une démarche pour introduire en classe, à partir du niveau B1, son tube "Un homme debout" A partir de - Elèves de lycée et adultes. Préparation à l’université. La vidéo authentique en classe. TEDX Paris – Jean-Louis Servan-Schreiber Axée sur la compréhension et la production orale, cette activité permet également de se préparer aux particularités des niveaux B2 et C1 par un travail axé sur la synthèse, l’argumentation, la justification et la précision à travers toutes les démarche retenue est celle de la pédagogie active. A travers la découverte de plusieurs documents issus de plusieurs types de supports différents, les étudiants seront invités à travailler de façon transversale sur des documents de nature variée pour réussir à développer les compétences nécessaires aux niveaux B2, voire C1. A partir de Les Shadoks Les étudiants s'approprieront progressivement une vidéo humoristique, toujours par le biais de la pédagogie active. Le but est d'aborder l'imparfait, tout d'abord à l'oral, puis de le formaliser. On soulignera surtout la valeur descriptive de l'imparfait pour cette première approche, afin que les étudiants l'associent bien à une consolidera également le vocabulaire des ailleurs, cette activité permet aux étudiants de découvrir la série Les Shadoks » et son humour absurde, une production qui allie le nonsense anglais à la patte française. Nos autres fiches pédagogiques Titre ObjectifsNiveau GLEEDEN / Site de rencontres Développer les compétences en production et compréhension orale, lexicale et interculturelle en proposant une activité permettant l’expression de l’opinion. A partir du B1 adolescents et adultes Deux pieds, clip vidéo de la chanson de Thomas Fersen Le vocabulaire du quotidien - Consolider le présent, les verbes de mouvement - Comprendre une chanson - Faire un portrait psychologique. A1 peut être abordé en A0+ Exploitation du chapitre 1 des Vacances du petit Nicolas Mener nos élèves de façon progressive et motivante vers le sens d’un écrit pour leur donner envie de lire en langue française ; pousser nos élèves à acquérir des réflexes qui aident à la compréhension écrite A partir de A1-2 / A2 élèves de collège JE M’APPELLE CHARLIE Cet ensemble d’activités constitue un parcours linguistique afin d’aller à la découverte des paroles de la chanson et à une réflexion sur les valeurs et les fondements de la démocratie. la liberté d’expression et l’ouverture aux autres A partir de B1. Elèves de lycée Fondation Abbé Pierre Par le biais de ces images et vidéos, les étudiants pourront développer leur compétence interculturelle sur le sujet de la pauvreté. De plus, les compétences orales et écrites seront travaillées de manière active et communicative. Au niveau A partir de En marge de la COP 21 Voir édito Barbie c'est fini ! Toutes les compétences du CECR seront travaillées de façon active et communicative ; le temps de l’imparfait ; les expressions familières ; le sujet de la déforestation et de l’environnement. A partir de B1 La jument de Michao Consolider le vocabulaire des saisons et des animaux - travailler sur la question ouverte pourquoi/parce que – réviser la préposition en forme et prononciation – remédier la confusion fréquente de c'est chaud » A1 Exploitation du roman Charlotte de David Foenkinos, Goncourt des Lycéens 2014 Apprendre à positionner les personnages d’une histoire, à situer les événements grâce aux informations puisées dans divers petits textes et à développer des stratégies d’élucidation et de compréhension de l’écrit. A partir de - Elèves de lycée Tous les mêmes de Stromae Découvrir un succès de la chanson francophone tout en développant ses capacités linguistiques et culturelles. L'expression de la comparaison et de l'opposition. L'expression du point de vue, de l'accord et du désaccord. A partir de A2+ Exploitation d'un article du magazine Jeune Afrique rédigé par Sana Guessous Apprendre à positionner les personnages d’une histoire et à situer les événements grâce aux informations puisées dans divers petits textes et en fonction des structures grammaticales utilisées. A partir du - Elèves de lycée Qu’est-ce qu’on a fait au bon Dieu ? Explorer certains sujets de la société tels que les relations familiales, la diversité culturelle et le racisme. Travailler le lexique relatif à ces sujets ainsi que les adjectifs possessifs. A2 - B1 Les lauriers sont coupés Il s'agit de se familiariser avec les tournures de base de la communication via un support original et attractif. De plus en plus d'apprenants ont, au minimum, entendu parler des huiles essentielles et de leurs vertus, supposées réelles, aussi se prêtent-ils volontiers au jeu. De plus A0+ Exploitation de la chanson ON IRA de ZAZ Trois activités indépendantes afin de préparer les élèves à l’écoute de la chanson. Travail qui concerne d’abord la compréhension de l’écrit, du lexique, puis l’expression orale en se positionnant par rapport à des assertions. Activité grammaticale sur le futur simple. A partir de B1. Elèves de lycée Les médias et Vous Remue-méninges à partir d’une image en rapport avec le thème du document. Comprendre une situation de communication à partir d’une vidéo. Formulation d’hypothèses non grammaticales sur le document. Devoir à la maison. A partir du niveau B1 Moi, raciste ? Partie 2 Tous les documents utilisés sont des documents authentiques qui réunissent plusieurs clichés racistes à l’égard de la population noire. Les activités suivent une démarche interculturelle qui suscitera l’interaction entre les étudiants et la réflexion face à l’altérité. Ils pourront exprimer leur… De B1 à B2 Moi, raciste ? Tous les documents utilisés sont des documents authentiques qui réunissent plusieurs clichés racistes à l’égard de la population noire. Les activités suivent une démarche interculturelle qui suscitera l’interaction entre les étudiants et la réflexion face à l’altérité. Ils pourront exprimer leur… De B1 à B2 Les blasons Compétences visées Compréhension de l’oral et de l’écrit. Production écrite et orale A0+/A1 LES PIERRES Manipulation des pierres. Brise-glace. Compétences visées Compréhension de l’oral et de l’écrit - Production orale et écrite - Structure Qu’est-ce que c’est ? => C’est c’est lisse/c’est rugueux et la nature du minéral pierre polie/ pierre brute A0+/A1 Pas chez vous, pas dans la mer Développer ses compétences lexicales concernant la maison, émettre des hypothèses à partir d’une image, décrire de façon détaillée une affiche en imaginant son objectif, créer un slogan sensibilisateur, simuler une interaction orale, exprimer son opinion en développant la compétence d’expression… A partir du L’Épervier Ar Sparfell en breton Chercher l’implication des apprenants, éveiller la curiosité. A partir de L’image de la femme à travers la publicité deuxième partie Les documents utilisés sont des documents authentiques qui réunissent plusieurs clichés de la femme à travers la publicité. Toutes les activités de ce dossier sont à mener sous forme de discussion et de réflexion. Il s’agit de donner la parole aux élèves afin qu’ils puissent réagir sur l’image de… De B1 à B2 Activités autour de la journée de la femme Les documents utilisés sont des documents authentiques qui ont pour but de promouvoir la journée internationale des droits de la femme et de sensibiliser à la maltraitance des femmes. Toutes les activités de ce dossier sont à mener sous forme de discussion et de réflexion. Il s’agit de donner la… De B1 à B2 L’Abbé Pierre, homme d’exception son action suite de la fiche proposée en janvier 2014 En travaillant sur des supports médiatiques variés et en utilisant les quatre compétences, on intéressera progressivement les apprenants à l’une des figures prédominantes de l’action caritative de l’Hexagone au XXème siècle. Du au B2 Les super-héros et L’Abbé Pierre, homme d’exception En sollicitant l’apprenant sur la notion de super-héros et celui qui le touche le plus, l’enseignant amènera la classe à s’intéresser à une des figures prédominantes de l’action caritative de l’Hexagone au XXème siècle, époque durant laquelle l’urgence sociale malheureusement toujours d’actualité… Du A2 au B2 Enchères et en os Par le biais de ce document authentique, une réelle démarche de pédagogie communicative et active pourra se mettre en place au sein de la classe afin de permettre aux apprenants d’exprimer leur opinion sur le thème de l’art et du marché de l’art. Il s’agit d’un fait insolite un homme œuvre d’art… du A2 au B2 Formidable de Stromae Chanson Formidable ceci n'est pas une leçon de l’album Racine Carrée du chanteur belge Stromae présenté dans le numéro d’octobre 2013 du Français & Vous A partir de INTOUCHABLES Le DVD du film Intouchables de Eric Toledano et Olivier Nakache, sortie en 2011, TF1 vidéo À partir du A2 La Francophonie Déclencher la parole - Éveiller la curiosité, créer une implication des élèves à l’oral – Travailler le vocabulaire de la publicité – Introduire le thème de la francophonie et de la diversité culturelle. A partir de A2 Qu’est-ce que c’est ? On peut pratiquer la description avec les apprenants débutants. Cette description d’un lieu, d’un objet ou d’une situation, tout en restant simple, permet d’utiliser c’est/ ce sont » ainsi que il y a » on peut trouver une proposition d’exploitation dans une fiche pédagogique précédemment parue… Débutant-A0 Le passeport Lors des premières heures d’une classe de débutant, on pratique la présentation et tout ce qui tourne autour. C’est un bon point de départ car cette présentation concerne directement les apprenants et leur prise de contact avec les autres apprenants ou non-apprenants , hors du cadre du lieu où… Débutant-A0 Exploitation d’un extrait de film La Crise de Colline Serreau 1992 Faire travailler les élèves dans l’élaboration d’un dialogue en tenant compte d’une partie qui sert de contrainte. Introduire une réflexion sur un thème de société la vie en couple, le mariage, l’émancipation de la femme... A partir de B1. Elèves de lycée. Dossier sur le polar Photos et texte extrait de l'Edito du Dossier sur le polar » de février 2013 et entretien audio de Fred Vargas. A partir de B1 confirmé au B2 Chanson Göttingen de Barbara Nous allons nous inspirer d’une technique d’atelier d’écriture et, bien entendu, comme pour les précédentes fiches pédagogiques conduisant à l’exploitation d’une chanson, nous nous abstiendrons de commencer par distribuer les paroles. De même, nous nous abstiendrons d’annoncer à la classe que le… A partir de B1 Les 13 desserts et autres traditions provençales de Noël La classe sera tout d’abord divisée en binômes de travail en mélangeant les nationalités afin d’établir des fiches culturelles traditions et festivités de fin d’année sur chaque pays représenté par les apprenants. Après une mise en commun des informations recueillies, l’enseignant proposera une… A partir de / B2 LE PORTRAIT GOURMAND L'ensemble des activités s'appuie sur l'exploitation des fiches de la brochure INPES la santé vient en mangeant » A partir de A2 Zarafa - Film d’animation 2ème Partie Film d’animation - voir fiche actualité culturelle de mai 2012 À partir d’un niveau débutant et élémentaire Zarafa - Film d’animation Ce travail est divisé en deux parties la partie 1 séquences 1 à 4 dans ce numéro de septembre 2012 et la partie 2 séquences 5 à 8 qui paraîtra dans le numéro d’octobre 2012. À partir d’un niveau débutant et élémentaire Film INTOUCHABLES deuxième partie Ce document authentique au service de la pédagogie active permettra d'aborder quelques aspects de la société française contemporaine opposer les banlieues et les beaux quartiers, travailler le thème du recrutement, se familiariser avec les sigles de la vie professionnelle, rédiger une… A partir de Exploitation de la chanson de Mika Elle me dit Encourager l'implication des élèves et éveiller leur curiosité. Déclencher la production écrite/orale grâce à un fil conducteur puis les orienter vers la discussion sur un thème les jeunes dans notre société actuelle. Prolongement de l'activité avec une exploitation grammaticale et, si… A partir du niveau B1 Film INTOUCHABLES réalisé par Olivier Nakache et Éric Toledano. Ce document authentique au service de la pédagogie active va permettre de formuler des hypothèses à partir d’une affiche, de comprendre un document authentique, de s’interroger sur le thème du handicap, de l’amitié, des jeunes de banlieue A partir de La folie des soldes – Partie 2 Travail sur la folie des soldes – Partie 2 A partir du A2 et jusqu’au B2 La folie des soldes - Partie 1 Travail sur la folie des soldes - Partie 1 A partir du A2 et jusqu’au B2 Le rêve ou la vie de Ridan Chercher l’implication des élèves – Déclencher la production orale et écrite – Travail du lexique et de la syntaxe – Favoriser le travail en autonomie avec le soutien de l’enseignant. A partir de Parachute doré d’Alain Souchon Proposer une approche de la crise économique et financière – Travail du vocabulaire associé à cette thématique A partir de B1 avec possibilité de travailler le français de l’entreprise. Exploitation d’un article du journal Nice-Matin rédigé par Pierre COMET Proposer une approche du français des affaires – Travail de la production orale en interaction et en continu – Travail de la production écrite – Points grammaticaux Les temps du passé / Le style indirect niveau B1 et supérieur. A partir de A2 Paris Je t’aime film collectif Eveiller la curiosité, créer une implication des élèves – Utiliser des déclencheurs pour le travail oral – Préciser la valeur de l’imparfait et du passé composé – Présenter le film Paris je t’aime et travailler sur Paris. A partir de A2 Barbara de Jacques Prévert Eveiller la curiosité, susciter l’implication des élèves - Travailler le vocabulaire – Rappel de la valeur de l’imparfait et du passé composé – Permettre de présenter Jacques Prévert A partir de B1 Activités autour de la structure Il y a » Comprendre et utiliser à bon escient la structure Il y a ». - Réinvestir les déterminants indéfinis/ possessifs. - Réinvestir les noms et adjectifs féminins, masculins, pluriels. - Réinvestir les prépositions de lieu. - Savoir articuler Débutant – A0 Approche du roman Orages de Sonia Ristić, Prix des lycéens allemands 2010 Mettre en contact les élèves avec une œuvre littéraire récente – Travail sur le chapitre 3 Comparer la physionomie de deux femmes protagoniste et rivale - Définir le rapport protagoniste-père à travers le film A bout de souffle de Jean- A partir de B2 élèves de lycée Assis sur le rebord du monde de Francis Cabrel Introduire la dictée de manière ludique. Ne pas divulguer quel est le document authentique sur lequel porte le travail que l’on entame ». Tel est le précepte de notre démarche. A partir de A2 Les enfants de la crise de Melissmell Melissmell est une jeune chanteuse dont le premier album Ecoute s’il pleut est sorti en février 2011 et a été présenté comme coup de cœur musical du mois dans notre magazine. Nous allons travailler l’une des chansons de l’album Les enfa A partir de A2 avec des élèves de lycée La Corrida de Francis Cabrel Eveiller la curiosité, créer une implication des élèves à l’oral – Travailler les questions fermées – Travailler le vocabulaire – Rappel de la valeur de l’imparfait et du passé composé ainsi que du futur proche. A partir de A2 Exploitation d’une publicité de presse Travail du vocabulaire de la maison - Analyser une publicité de presse – Déclencher la prise de parole Production orale et/ou écrite. A partir de Exploitation d’un article du journal Nice Matin rédigé par Gaëlle Belda Notre démarche permet progressivement, en 10 étapes et autant de cartes numérotées de 1 à 10 de découvrir qui est le personnage dont parle l’article de Nice Matin. A partir de Non, non, non Ecouter Barbara de Camélia Jordana La jeune Camélia Jordana, notre coup de cœur musical du mois d’avril, a été, et est encore, très fréquemment programmée sur les ondes des radios. Notre approche méthodologique, axée sur la pédagogie active, va nous permettre d’introdu A partir de A2 Je veux de Zaz Tout débute par l’envie de faire découvrir ZAZ , un nouveau jeune talent de la chanson française dont l’album éponyme est resté à la tête des ventes durant tout l’été. A partir de B1 Exploitation d’un article du journal Nice Matin rédigé par Philippe DEPETRIS Exploitation d’un article selon une approche axée sur la pédagogie active. A partir de Osez introduire en classe la peinture française du XVIIIe siècle ! Grâce à Greuze peinture de Greuze l’accordée du village de A1 à B2 Approche du roman Poisson d’or de JMG Le Clézio Mettre en contact les élèves avec une œuvre littéraire récente - Travail sur un thème de civilisation actuel les immigrés – Découverte du style de JMG Le Clézio, prix Nobel de littérature 2008 à partir de B1 La chauve-souris de Thomas Fersen Introduire une chanson de Thomas Fersen à partir de B1 Introduire une chanson d’Arthur H en duo avec M Introduire une chanson d’Arthur H en duo avec M, deux chanteurs représentatifs de la nouvelle scène française » à partir de Astérix La Surprise de César Finalité Parler des stéréotypes Objectifs pragmatiques Travailler la description physique, caractériser un comportement, une attitude, repérer et parler des stéréotypes... A partir de A1. Elèves de collèges, lycées et adultes Les habitants du feu rouge de Mano Solo Jeu de langue avec une énigme comme déclencheur. à partir de B1 La lettre de Renan Luce Cette chanson se prête bien à l’exploitation en classe de FLE . D’une part, le fil conducteur de cette histoire extrêmement romantique réveille l’imagination et la sensibilité. A partir de La jupe, publicité pour Ni putes ni soumises » Exploiter en classe une publicité de presse et porter un regard sur les jeunes et la banlieue. à partir de Les voyages en train de Grand Corps Malade à partir de ^{Cemouvement a été alors analysé comme le ferment de l'individualisme post-moderne. Se pose la question de savoir quelle est la nature des évènements de Mai 68 et de son héritage en}

Les événements intervenus au cours des mois de mai et juin 1968 sont issus de plusieurs facteurs. Tout d'abord, on remarque le rejet de l'autoritarisme, puis de celui de la bourgeoisie et de la société de consommation, ainsi qu'un important sentiment antimilitariste; de plus, on observe que les jeunes désirent la libération des mœurs et, durant l'évènement en lui-même, s'opposent vivement à la répression policière. Les aspirations des étudiants et de la jeunesse en général sont assez utopiques sur certains points ils rêvent de "changer la vie", comme le voulait Rimbaud voir le slogan L'imagination prend le pouvoir. » En effet, on peut voir à travers certains slogans, tel que Ni dieux, ni maîtres », qu'ils souhaitent une société anarchiste où il n'y aurait ni discipline, ni hiérarchie. Cette envie vient aussi du fait qu'ils se sentent exclus de la vie politique, le droit de vote étant autorisé à partir de 21 ans, et considèrent alors ne pas avoir le droit à la parole. On peut constater cela à travers les slogans Sois jeune et tais-toi. » l'affiche correspondante nous montre l'ombre de De Gaulle fermant la bouche d'un jeune homme et Moins de 21 ans voici votre bulletin de vote. » on peut voir sur l'affiche ce slogan inscrit au dessus de l'image d'un pavé. L'accroche Renversons sa dictature. » voir l'affiche où la croix de Lorraine, symbole de De Gaulle, est transformée en deux croix nazis montre que les jeunes ne supportent plus la politique de Charles de Gaulle qu'ils jugent trop autoritaire et que certains considèrent même comme une dictature. Parmi ces jeunes manifestants, on retient principalement le nom de Daniel Cohn-Bendit, jeune révolutionnaire communiste il fut d'ailleurs surnommé "Dany le rouge" par la presse. Effectivement, il est considéré comme le porte parole de la jeunesse contestataire, du peuple contre le capitalisme. C'est cette population qui, par des actions de grèves, va réussir à empêcher l'Etat d'utiliser son autorité pendant plusieurs semaines. C'est justement cet aboutissement qu'ils souhaitaient afin de faire connaître leurs revendications le pouvoir issu du peuple Pouvoir populaire oui. ». D'autre part, la guerre du Viêtnam, qui se déroula de 1965 à 1972, alimente les revendications étudiantes, comme elle a pu alimenter les aspirations des jeunes américains lors du festival de Woodstock. Malgré le positionnement du général De Gaulle contre l'intervention de l'armée américaine sur le sol viêtnamien, des mouvements de gauches et d'étudiants s e forment tels que l' Union Nationale des Etudiants de France, syndicat étudiant, le s les Jeunesses Communistes Révolutionnaires, organisation de jeunesse de la Ligue Communiste Révolutionnaire, parti politique d'extrême gauche et des Comités Viêtnam groupes de person nes engagées contre la guerre du Viêtnam lors des manifestations ils scandent leur mépris de la guerre et le rejet de la domination opérée par les Etats-Unis. Boris Vian chante son antimilitarisme sous forme de lettre adressée au président de la République en 1953, au sortir de la guerre d'Indochine 1946-1954 et peu av ant la guerre d'Algérie 1954-1962. Cette chanson est appelée Le Déserteur. Je viens de recevoir Mes papiers militaires Pour partir à la guerre Avant mercredi soir Monsieur le Président Je ne veux pas la faire Je ne suis pas sur terreau Manifestation du 1er mai en soutien Pour tuer des pauvres gens au peuple viêtnamien. C'est pas pour vous fâcher Il faut que je vous dise Ma décision est prise Je m'en vais déserter. Paradoxalement, les étudiants manifestants sont majoritairement issus de la bourgeoisie les manifestations et barricades ont débutés dans des lycées prestigieux tels que la Sorbonne ou Nanterre mais rejettent volontairement leur propre milieu qu'ils jugent rigide et oppressif c'est alors qu'apparaît leur anticonformisme. Sur l'affiche présentant le slogan On vous intoxique. », on observe une caricature de la bourgeoisie très influencée par les médias qui ne pense plus par elle-même. On peut voir leur rejet de cette société conformiste à travers la vulgarité du vocabulaire utilisé dans leurs slogans Baisez-vous les uns les autres sinon ils vous baiseront. », Ne vous emmerdez plus, emmerdez les autres. ». Ce sujet est abordé dans une chanson de 1962 interprétée par Jacques Brel et intitulée Les Bourgeois. Il décrit dans ce passage son dégoût et son rejet des bourgeois qu'il partage avec ses amis. Et quand vers minuit passaient les notaires Qui sortaient de l'hôtel des "Trois Faisans" On leur montrait notre cul et nos bonnes manières En leur chantant Les bourgeois c'est comme les cochons Plus ça devient vieux plus ça devient bête Les bourgeois c'est comme les cochons Plus ça devient vieux plus ça devient con. De plus, les jeunes des années 1960 jugent la société, et plus particulièrement la société de consommation, "aliénante" ils pensent que ce mode de fonctionnement empêchent le peuple d'avoir sa propre opinion, ses propres goûts et empêche le libre-arbitre de fonctionner. Le chanteur Renaud fait part de son point de vue sur la société de consommation dans une chanson appelée Société tu m'auras pas, sortie en 1980. Il fait aussi référence à Mai 68. J'ai chanté 10 fois, 100 fois, j'ai hurlé pendant des mois, j'ai crié sur tous les toits, ce que je pensais de toi, société, société, tu m'auras pas. J'ai vu pousser des barricades, j'ai vu pleurer mes copains, j'ai entendu les grenades tonner au petit matin. J'ai vu ce que tu faisais du peuple qui vit pour toi, j'ai connu l'absurdité de ta morale et de tes lois. La répression fait aussi partie intégrante de Mai 68. La première intervention policière a eu lieu dans la violence une centaine de blessées et six cents arrestations le 3 mai 1968 à l'université de la Sorbonne. Cela permet donc à la gauche trotskiste, maoïste et anarchiste d'insérer ses idées au sein des manifestations. Le slogan = » traduit le rejet et le dégoût des jeunes envers les Compagnie Républicaine de Sécurité et envers la police en général. Dans un autre registre, durant les années 1960, les bâtiments universitair es des étu diantes étaient interdits aux visites masculines. Les jeunes étudiants et étudiantes revendiquent alors une plus grande liberté sexuelle à travers le slogan Pour un équilibre sexuel... pour la Votez » Mutuelle Nationale des Etudiants de France, sécurité sociale pour étudiants. Voir aussi le graffiti Jouissez sans entraves. ». En 1967, Juliette Gréco sort une chanson aux paroles sulfureuses et sexuellement explicites, Déshabillez-moi. Déshabillez-moi, déshabillez-moi Maintenant tout de suite, allez vite Sachez me posséder, me consommer, me consumer Déshabillez-moi, déshabillez-moi Conduisez-vous en homme Soyez l'homme... Agissez! Déshabillez-moi, déshabillez-moi Et vous... déshabillez-vous! Serge Gainsbourg chante Je t'aime... moi non plus, chanson sensuelle aux textes très explicites elle aussi, en duo avec Brigitte Bardot en 1967 et avec Jane Birkin en 1969. - Je vais je vais et je viens Entre tes reins Je vais et je viens Je me retiens - Non ! maintenant viens... Photographie de Henri Cartier-Bresson

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affiche mai 68 sois jeune et tais toi analyse